Archives de catégorie : Art contemporain

Journal MTI n°2 – Guillaume Pinard, le retour

Guillaume Pinard de retour à la Galerie Anne Barrault

par Camille Labousse
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Cela faisait quatre ans que Guillaume Pinard n’avait pas exposé rue Saint-Claude à Paris. C’est donc avec curiosité que nous découvrons sa nouvelle exposition : « Tomate ». Étonnant, n’est-ce pas ? Pour en juger, il faut surtout se confronter aux œuvres et c’est là la véritable surprise. En sortant, l’on est désorienté. Mais qu’est-ce qui détonne ? Petit décryptage de cette exposition qui se tient du 4 septembre au 23 octobre 2010.

L’exposition « Tomate » est une présentation de vingt-deux peintures à l’huile sur carton bois, mais c’est aussi et avant tout une expérience dans laquelle l’on est invité dans l’univers coloré, graphique, enfantin de l’artiste. Car les murs de la salle close sont peints de façon à représenter un jardin devant une maison. L’espace fait donc partie intégrante de l’exposition. La salle est la mise en abyme des œuvres puisqu’elle est un rappel de l’effet de perspective cubique des tableaux. Les couleurs et les lignes horizontales parcourent autant la salle que les toiles. Les formes sont naïves et les couleurs primaires, ce qui renvoie au rouge primaire du titre de l’exposition. Guillaume Pinard en nous proposant un bestiaire composé de singe, serpent, âne, cochon, tigre, cheval et de personnages aux contours humains fait référence à l’imagerie de l’enfance. Ces œuvres sont dispersées sur trois hauteurs du mur : à hauteur d’yeux, au-dessus de la tête et en-dessus de la ligne des yeux, à hauteur d’enfant. On pourrait donc croire que les enfants sont à l’honneur mais, une esthétique de l’enfance ne signifie pas que ce qui est donné à voir est naïf. Les illustrations, sous couvert d’être bon enfant, tombent dans la trivialité. La technique esthétique pourrait plaire aux plus jeunes mais il réside une opposition entre la forme des peintures et ce qu’elles montrent. Faut-il donc les dérober aux regards ? Probablement, puisque certaines sont placées en-dessous de la ligne des yeux.

Le spectateur mis en position d’inconfort

« Rouge comme une tomate » n’est-ce pas une expression d’enfants ? Ce rouge c’est aussi la couleur du visage des adultes qui s’empourpre au fil de la visite. Car derrière le style trompeusement enfantin des peintures, se cache un univers scatologique, pornographique, sexuel : l’auteur peint le sexe féminin et des formes phalliques. Il y a une tension constante entre la masculinité et la féminité. D’ailleurs « Tomate » peut se comprendre comme Two mates, c’est-à-dire le mâle et la femelle. On pense aux curiosités naturelles des très petits enfants vers les choses basses du corps ; mais l’artiste dépasse la découverte. Lorsque Guillaume Pinard imagine un singe masturbant une femme, il le peint. Quand sa peinture figure une vierge, celle-ci est réellement pucelle, image à l’appui. Ce qui est montré est saisi dans l’immédiat, sans interprétation. Ce qui a comme conséquence de choquer la moralité, de transgresser les codes esthétiques.

Une peinture qui se joue de l’héritage pictural

En effet, la norme est renversée car ce qui n’est généralement jamais montré en peinture et ici exhibé sans pudeur. L’exposition dérange notre bienséance et bouscule nos représentations de l’usage classique de l’illustration. D’ailleurs l’artiste s’amuse avec l’illusion picturale puisque ces toiles sont inspirées de l’esthétique des illustrations réalisées à l’ordinateur. Il met à mal le passé pictural comme le suppose la toile au titre fautif Bonjour Monsieur Courbé. Dans cette toile, qui présente un serpent en train de contempler une peinture, il y a une double référence, à Courbet et Piet Mondrian. Si la technique prouve l’extrême précision de l’artiste, ce dernier affiche la volonté d’aller à contrecourant des peintures académiques. Le bouquet par exemple, rappelle la nature morte mais dévie du lieu commun puisque le vase possède des attributs sexuels masculins. Le visiteur doit alors s’impliquer lui-même dans l’exposition, démêler les sens cachés s’il ne veut pas être la dupe de l’artiste. Il y a donc une véritable tension entre graphisme enfantin et sens de l’œuvre.

L’attention du spectateur est sollicitée

L’artiste focalise son attention sur certaines parties du corps, ce qui peut-être considéré comme une technique pour opprimer le visiteur. Guillaume Pinard met en exergue des sexes mâles, des seins de femmes, des mains et des yeux. On souffre presque d’asphyxie. Et plus encore lorsque nous nous mettons à épier, comme dans Paysage dans les dunes. Ce tableau représente un paysage, au milieu duquel un personnage est pris sur le fait en train de déféquer, vu à travers des jumelles. Tout est permis puisque l’exhibition se dissimule sous des coloris édulcorés. Le dispositif joue donc aussi le contraste entre la dissimulation et l’exposition. L’artiste tente délibérément de nous contrôler : il nous cloître d’abord, puis joue avec notre regard. L’artiste a délibérément balisé lieux et toiles afin de fléchir notre libre-arbitre.

Un espace en effervescence

La tomate c’est aussi l’objet qu’on jette en signe de protestation, de critique contre les mauvais acteurs. Car, l’exposition « Tomate » soulève à la fois l’enthousiasme candide et le rejet stérile.
Sous la volonté exhibée de prendre le contrôle de la salle et des cerveaux, l’auteur ne parvient guère à canaliser son imagination. Les toiles s’éparpillent et l’on papillonne d’un thème à un autre, sans réelle cohérence. La première œuvre en entrant à gauche, tranche avec les autres. Elle est grave et sombre. Les formes géométriques rappellent la croix-gammée des nazis. Par ailleurs, en filigrane apparaît, comme un hommage à Anne Barrault, un A formé par les deux corps des personnages. Un éloge que l’on retrouve dans les initiales AB. Finalement ce désordre dans la scénographie est fidèle à l’incohérence entre le fond et la forme des toiles. Mais de l’irrationnel, naît le sens. Guillaume Pinard parvient à accoupler –to mate- l’ordre et le désordre, le mâle et la femelle –two mates-. Finalement, désorienté, nous interprétons ; et c’est ce qui constitue le véritable échec de la démarche artistique.

Guillaume Pinard, Wii, 2010

Journal MTI n°1 – Un Japonais à Paris


Kaz Oshiro à la galerie Frank Elbaz

Home Anthology (4 septembre au 23 octobre 2010)


par Marie Sophie Lhôte

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Kaz Oshiro est né en 1967 à Okinawa, au Japon. Il vit et travaille à Los Angeles.


La galerie Frank Elbaz accueille l’artiste japonais Kaz Oshiro. Il réalise des reproductions en trompe-l’œil d’objets usuels, qui sont en fait des peintures tridimensionnelles en acrylique sur toile. Les amplis utilisés en musique, les réfrigérateurs, les machines à laver forment les humbles sujets de son travail. Hybrides, ils brouillent la frontière entre peinture et sculpture.

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Ces œuvres sont des objets anodins qui témoignent d’un morceau de vie et qui incarnent le consumérisme américain. Ils s’interrogent sur la validité de leur présence dans le champ de l’art presque un siècle après le Porte-bouteille et la Fontaine de Duchamp. Pourtant ce ne sont pas des ready-mades mais bien des peintures tridimensionnelles. Comme des tableaux, la face arrière est laissée vierge et dévoile l’enchevêtrement complexe d’un châssis à peindre. Dans une perspective d’hyperréalisme fondée sur la rigueur de l’exécution en atelier, Oshiro procède à un enregistrement du réel et de ses altérations en produisant ce qu’il définit comme « des natures mortes en volume ». Il rend dans l’espace la précision photographique. Sa vision du monde, livrée à l’espace de la galerie par ces « definitely-not-ready-made », passe par le prisme méthodologique de l’artisan passionné.

Objets ménagers, ou le pop art revisité

Après s’être attaqué à la reproduction à l’exact d’éléments utilitaires et ménagers, Kaz Oshiro se frotte maintenant, avec une nouvelle série d’œuvres abstraites intitulées flats works et shelves, aux grands classiques de l’art américain. Ces modules de couleurs minimalistes font ouvertement références aux monstres sacrés américains comme Donald Judd, Mc Cracken ou encore Ad Reinhardt. Griffés et recollés au scotch comme ses autres objets, ils accusent, en apparence, le coup de la conservation domestique. De quoi achever de démystifier la présence de l’œuvre dans le salon du collectionneur, ici finalement réduite à sa pure fonction de design d’intérieur.

Avec une attention plus que marquée pour le détail et un intérêt pour la vie quotidienne, les pièces défient les conventions de la représentation et nous demandent de nous méfier de ce que nous voyons. A une époque saturée d’appropriation, les œuvres d’Oshiro se référent au Pop Art, à l’Art minimal et conceptuel sans tomber dans la servitude. Oshiro dit « essayer de créer des formes post-Pop Art qui juxtaposent Pop et Minimalisme au mouvement Néo-Géo (émergeant aux Etats-Unis dans les années 80 et prônant l’utilisation d’objets domestiques en matériaux sculpturaux), à l’Appropriationisme et au Photoréalisme, et les présenter comme une nature morte de (sa) génération ». Ces objets sont plus que de l’art sur l’art. Les autocollants punk-rock et tout l’attirail de la culture populaire révèlent la lecture précise et juste que fait Kaz Oshiro de la haute et basse culture américaine.

Peindre, sculpter avec une poubelle ou un micro-ondes

L’espace blanc de la galerie met en valeur ces objets typiques du quotidien qui forment une sorte de vitrine d’électroménager. Le sens de ces œuvres ne se livre pas directement. Que penser de ces casiers de classement bureautique, de cette énorme poubelle de rue ou encore de ce micro-onde? Ont-ils leur place dans la galerie d’art ? Ces interrogations font surface pendant que le visiteur déambule parmi ces non ready-made et il semble donc normal qu’il soit quelque peu dérouté par cette présentation. Mais après la consultation d’une documentation accompagnant les œuvres, il peut  se rendre compte que ces objets anodins sont plus qu’une poubelle de rue ou des amplis de guitare mais bien des œuvres picturales et sculpturales. L’artiste se dit en effet peintre et c’est d’ailleurs aux questions classiques que ses œuvres apportent des réponses. La perspective, l’accrochage et les surfaces (polies, griffées et tachées) transforment ces volumes en réelles peintures.

Il est possible que vous sortiez sceptique de la galerie. Mais vous ne serez sans doute pas les premiers ni les derniers. La Fontaine de Duchamp n’a-t-elle pas laissée son public dubitatif ? Cependant, qu’y a-t-il de plus adéquat pour critiquer le consumérisme américain que ces objets que l’on croise et utilise tous les jours ? Ceci n’est bien entendu qu’une partie du travail de l’artiste. Derrière ces œuvres, Oshiro adresse aussi un pied de nez à l’histoire de l’art dont il revisite les grands classiques : Duchamp avec ses « definitely-not-ready-made » ou le minimalisme et l’art conceptuel avec ses séries de flats works et de shelves. Il donne l’impression de rejouer l’avènement du tableau-objet hérité de Johns et Rauschenberg.

L’utilitaire détourné dans le champ de l’art

Cette exposition est intéressante dans les questions qu’elle suscite et dans les réponses que l’artiste donne de manière plus ou moins sensible en invoquant des références multiples. Quelle validité donner à des objets utilitaires dans le champ de l’art ? Quelle différence entre la culture classique et la culture populaire ? Comment se réapproprier les mouvements qui ont fait les grandes heures de l’histoire de l’art ? L’œuvre est-elle bien à sa place dans le salon d’un collectionneur ? Garde-t-elle son statut d’œuvre ou n’a-t-elle plus qu’une fonction décorative ? Et enfin, la question qui fait débat : qu’est-ce que l’art ? Ces interrogations sont présentes dans le champ de l’art depuis bien longtemps et Oshiro nous démontre qu’elles sont et seront sans doute d’actualité encore pendant un certain temps.
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KO - Disposal Bin, 2010 (Courtesy Galerie Frank Elbaz, Paris)

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L’Art contemporain au Louvre : le 22 septembre à 14h

Le 22 septembre, rendez-vous à 14 heures (13h45, sous la Pyramide), pour une rencontre avec Pauline Guelaud, chargée de production pour l’art contemporain jusqu’à 15h30. Nous discuterons de sa mission et de la place de l’art contemporain au Louvre.

Ensuite, Cyril Gouyette, chef de l’unité Education artistique au sein de la Direction de la Politique des publics et de l’éducation artistique, nous recevra pour une présentation générale de ses missions et de l’organisation du service des publics au Louvre.

Merci de préparer les questions que vous leur poserez!

ATTENTION! Il nous sera délivré des badges nominatifs. Veuillez vous munir d’un papier d’identité et éviter les gros sacs pour faciliter l’entrée.

Magali Nachtergael


Comprendre le XXe siècle des musées

Séminaire de l’EPHE « Comprendre le XXe siècle des musées »
Agnès Callu
École pratique des hautes études, EPHE
2010-2011
Direction d’études de Jean-Michel Leniaud

Conférence d’Agnès Callu
Le mardi de 18h à 20h
Salle EPHE de l’INHA
2, rue Vivienne
75002 Paris

Comprendre le XXe siècle des musées

Choisir d’installer sur la table universitaire le musée du XXe siècle comme objet historique suppose d’apprécier les enjeux politiques, sociaux, culturels et économiques qu’il suscite, à l’échelle de l’État comme des collectivités territoriales, dans une société ouverte à la novation esthétique et patrimoniale en même temps qu’elle adopte l’acculturation des codes hiérarchiques et les évolutions entrepreneuriales ou technologiques. Outre le commentaire, sur le mode historiographique, de la production scientifique du domaine – plurielle car distribuée, parfois en tensions, autour de deux pôles souvent opposés : l’Histoire culturelle et l’Histoire de l’art – un panorama des matériaux disponibles à la recherche s’avère l’indispensable préalable. Puis, prenant appui sur des fondations méthodologiques dès lors posées, plusieurs thèmes sont abordés, questionnant, en longue durée, le musée et ses représentations, entre élitism e social, promotion de la culture pour tous ou merchandising des biens culturels. Sont alors ouvertes et/ou creusées – souvent en diachronie à l’aide du témoignage d’anciens acteurs – plusieurs pistes de réflexion amenant à discuter la figure du musée dans les imaginaires collectifs, le capital symbolique d’un geste architectural, le trilogue entre l’œuvre, l’artiste et le conservateur ou bien encore la place des hommes : érudits, bâtisseurs ou décideurs dans la structuration et le fonctionnement de celui qui, entre désir et pédagogie, se définit comme « une institution permanente […] au service de la société et de son développement, ouverte au public, qui acquiert, conserve, étudie, expose et transmet le patrimoine matériel et immatériel de l’humanité et de son environnement à des fins d’études, d’éducation et de délectation […] ».

Séance 1). 23 novembre 2010. Objet(s), méthode(s) et historio-bibliographie(s)
Enjeux et perspectives (Agnès Callu)
L’IMEC et les fonds d’artistes (Yves Chèvrefils-Desbiolles)

Séance 2). 7 décembre 2010. Lire, interpréter et confronter les sources
Les fonds d’archives des Musées nationaux et de l’INHA (Catherine Granger et Martine Poulain)

Séance 3). 14 décembre 2010. Lire, interpréter et confronter les sources (suite)
Les archives du Musée national d’art moderne (Didier Schulmann)

Séance 4). 18 janvier 2011. Imaginer un musée
Gaëtan Picon : plaidoyer pour un nouveau musée d’art moderne (Agnès Callu)
Grand témoin : entretien de Robert Bordaz, ancien président du Centre Pompidou [audition et décryptage]

Séance 5). 1er février 2011. Bâtir un musée
Le Centre Pompidou-Metz : enjeux et chef-d’œuvres (Laurent Le Bon, CPM)
Grand témoin : entretien d’Émile-Jean Biasini, ancien secrétaire d’État aux Grands travaux [audition et décryptage]

Séance 6). 15 février 2011. Incarner un musée
Jacques Jaujard ou le mythe résistentialiste du Louvre occupé (Côme Fabre, ENS-Ulm)
Discutant : Écrire l’histoire du Louvre (Guillaume Fonkenell, Musée du Louvre)

Séance 7). 15 mars 2011. Travailler au Musée
François Mathey : les Arts décoratifs aux mains d’un conservateur révolutionnaire ? (Brigitte Gilardet, IEP de Paris)
Grand témoin : entretien de Germain Viatte, conservateur général honoraire du Patrimoine [interview enregistré et filmé]

Séance 8). 5 avril 2011. Développer un musée
La Réunion des musées nationaux : un établissement public en faveur d’une identité muséale française (Agnès Callu)
Grand témoin : entretien d’Irène Bizot, ancien administrateur général de la RMN [interview enregistré et filmé]
Discutante : Existe-t-il une appellation contrôlée « Musées nationaux ? » (Chantal Georgel, INHA) [sous réserve]

Séance 9). 17 mai 2011. L’artiste dans le musée
Au musée et dans les galeries : l’artiste et ses œuvres, 1930-1940 (Claire Maingon)
Discutante : Exposer les artistes vivants (Emmanuelle de l’Écotais, Musée national d’art moderne de la ville de Paris)

Séance 10). 31 mai 2011. Projets et conclusions
Présentation du projet éditorial « Dictionnaire historique et culturel du Louvre » (Yannick Lintz, Musée du Louvre)
Bilan de la conférence (Agnès Callu)

Ancienne élève de l’École nationale des Chartes (thèse publiée sur la Réunion des musées nationaux sous la IIIe République, Prix Lenoir) et de l’Institut national du Patrimoine (promotion Hubert Robert), Docteur en histoire contemporaine de l’Institut d’études politiques de Paris (thèse sous presse sur le philosophe esthéticien et critique d’art Gaëtan Picon, 1915-1976), Agnès Callu est historienne, conservateur du Patrimoine, chercheur associé au CNRS (Institut d’histoire du temps présent, IHTP), chargé de cours à l’Université Paris – Sorbonne (Paris IV) et à Sciences Po ainsi que chargé de conférences à l’École pratique des hautes études (EPHE)