Archives pour la catégorie Art contemporain

Exposition L’Atelier de l’artiste – 2 au 6 décembre – Café Expo (Villetaneuse)

Les étudiantes du Master 2 MTI Métiers du Texte et de l’Image (Université Paris 13 Sorbonne Paris Cité) vous proposent de venir découvrir l’univers de l’Atelier de l’artiste contemporain autour de sept œuvres qui mettent en scène des pratiques plastiques variées et questionnent la fabrication de l’art aujourd’hui.

Vos sens seront en éveil du 2 au 6 décembre 2013 au Café Expo sur le campus de Villetaneuse (Forum) grâce à la présence d’artistes aux horizons très différents : John Baldessari, Julia Maria Lopez Mesa, Pascal Lièvre, Hicham Berrada, Hugo Laruelle, David Rodriguez,  Jonathan Loppin.

A très vite pour le vernissage qui aura lieu le lundi 2 décembre à partir de 11h30 !

Les étudiantes M2 MTI – Métiers du Texte et de l’Image

Exposition l’Atelier de l’artiste
Au Café Expo – Campus de Villetaneuse
Du 2 au 6 décembre de 10h à 17h

Pour nous rejoindre

https://www.facebook.com/pages/LAtelier-de-lartiste/179709915566983?skip_nax_wizard=true

2 au 9 décembre Café Expo Université Paris 13 - Villetaneuse
2 au 9 décembre
Café Expo
Université Paris 13 – Villetaneuse

L’Atelier de l’artiste par les MTI

 

Les Contemporains – séminaire sur la fiction

Littérature, arts visuels et théorie

Séminaire commun de recherche – CENEL EA 452 / CERILAC EA 4410

Comité organisateur : Magali Nachtergael (coord.), Céline Flécheux, Anne Larue, Judith Abensour, Anaël Marion et Auriane Bel.

Horaire et Lieu

18h – 20h

Salle 682C (bâtiment C – Esplanade Pierre Vidal Naquet, 6e ét.),
Université Paris Diderot – Paris 7
Bâtiment des Grands Moulins
75205 Paris Cedex 13

Thème 2011-2012

Nouvelles formes de fiction à l’œuvre

Que signifie être « contemporain » ? Comment aborder la contemporanéité esthétique et narrative ? Derrière la pluralité de productions esthétiques, caractérisées par leur polymorphisme (vidéos, performances, peinture, sculpture, installations, livres et concepts), et la multiplicité de leurs références (anthropologie, philosophie, histoire de l’art, psychanalyse, gender studies et linguistique), les arts et la littérature partagent aujourd’hui un trait commun : la fiction et ses déclinaisons. Pour son cycle d’ouverture, le séminaire propose d’analyser les nouvelles formes de fiction de façon transversale, à la fois dans les arts visuels et la littérature contemporaine.

Programme 2012

Séance du 16 février 12

Fictions queer

Brice Dellsperger (Artiste – ENSAD)
Marie Canet (Programmatrice – Ecole des Beaux-Arts de Brest)

Séance du 8 mars 2012

Images racontées ou l’ekphrasis postmoderne par Judith Abensour (Ecole des Beaux-Arts d’Angers)

Fabrice Reymond (artiste / écrivain)
Marcelline Delbecq (artiste)

Séance du 3 mai 2012

Fictions d’exposition par Anaël Marion  et Auriane Bel (doctorants de Paris 7)

Guillaume Désanges (commissaire indépendant, sous réserve)
Arnaud Maguet (Artiste, Villa Arson)

 

 

 

 

 

 

Ce que vous avez raté en 2011 :

Séance inaugurale du 20 octobre 2011par Magali Nachtergael (Paris 13)

Introduction au séminaire
Thu Van Tran (artiste)
Thomas Clerc (Paris 10)

Séance du 17 novembre 2011 par Céline Flécheux (Paris 7)

Marcel Cohen (écrivain)
Pierre Zaoui (Paris 7)
Eric Baudelaire (artiste)

Séance du 15 décembre 2011 par Anne Larue (Paris 13)

Anna Guillo (Paris 1)
Emmanuel Guy (Paris 13)

Les Visual Studies et le monde francophone (6-7 janvier, Paris)

Un colloque sur les Visual Studies organisé par Gil Bartholeyns (chaire d’Etudes visuelles, Lille 3) du jeudi 6 au vendredi 7 janvier au Musée du Quai Branly


Programme

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Jeudi 6 janvier 2011

9h30   Accueil

10h00-10h15  Gil Bartholeyns (Université Lille 3 / CNRS)
Introduction

10h15-11h00  Stéphane Roth (Université de Strasbourg)
Cartographier le débat, du « mythe » au « projet »

11h00-11h15  Pause

11h15-12h00  Daniel Dubuisson (Université Lille 3 / CNRS) et Sophie Raux (Université Lille 3)
Visual Studies : matériaux pour une approche pluridisciplinaire

12h00-12h45  Thierry Lenain (Université Libre de Bruxelles)
Raisons et enjeux de la création d’une unité de recherche sur l’image et la culture visuelle

12h45-13h45 Déjeuner

13h45-14h30 Carl Havelange (Université de Liège)
« Par ma foi ! il y a plus de dix ans que je dis de la  prose sans que j’en susse rien »

14h30-15h15  Nicholas Mirzoeff (New York University)
On se regarde enfin : for the right to look

15h15-16h00  Maxime Boidy (Université de Strasbourg)
Matérialisme pictorial et reconnaissance du visible.  Politiques des Visual Studies

16h00-16h15 Pause

16h15-17h00  Audrey Leblanc (EHESS)
Quelle histoire de l’image photographique dans la
presse ?

17h00-17h45 Gianni Haver (Université de Lausanne)
Dix mille semaines d’images. Questionnements de méthode autour d’une démarche d’analyse de la
presse illustrée en Suisse.

Avec l’aide et la participation de Isabelle Decobecq
(Lille 3) et Gaby David (EHESS)

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Vendredi 7 janvier

9h15   Accueil

9h30-10h15  Thomas Golsenne (Villa Arson, Nice)
L’étude de la culture visuelle est-elle une iconologie ?

10h15-11h00  André Gunthert (EHESS)
Les agents secrets de l’Agency. Culture populaire et pouvoir des images

11h00-11h15  Pause

11h15-12h00  Morad Montazami (Musée du quai Branly / EHESS)
Art contemporain et ethnographie : le collage de la  culture

12h00-12h45  Magali Nachtergael (Paris 13)
Matérialité de l’image dans la littérature contemporaine : un nouveau paradigme

12h45-13h45 Déjeuner

13h45-14h30   Arnaud Maillet (Université de Strasbourg)
Le cercle, l’image et le regard. Étude d’un cas de miroir divinatoire

14h30-15h15  Pierre-Olivier Dittmar (EHESS)
Existe-t-il une iconographie populaire au Moyen Âge ?

15h15-16h00  Matthias Steinle (Paris 3)
Regard parallèle : la Medienwissenschaft d’outre-Rhin

16h00-16h15  Pause

16h15-17h00  Rémy Besson (EHESS / IHTP)
Écrire l’histoire du film La Cité de la peur (1994) : de la forme visuelle à l’appropriation des dialogues

17h00-17h45  Pierre Lagrange (Université d’Avignon) et Anne-Lise Dall’Agnola (Université d’Avignon)
Rencontre du 3e type

17h45-18h15  Ralph Dekoninck (Université catholique de Louvain) et Gil Bartholeyns (Université Lille 3 / CNRS)
Conclusion discutée

Mélancolies au Frac IDF

Prospective XXIe siècle, exposition offerte sur un Plateau – celui du Frac île-de-France, place Hannah Arendt, à Paris – suit le fil ténu de la mémoire et de la mélancolie. En voyant couler la bile noire du plafond, tourner d’antiques machines et des disques en vinyle, s’étoiler de vieilles photos ou se dresser des croix noires dans les coins des ateliers, l’obsédante thématique hante le visiteur. Revue de détail de ces détails, qui saisissent et hallucinent, séparés des corps qui les charpentent, nés de la focalisation irrépressible de l’œil.

L’art contemporain, c’est tout ou rien, comme le théâtre, et dès lors très périlleux. Ou bien on s’éteint, telle un commutateur tourné sur off – et cela, comme l’amour, dès le premier regard – ou bien on est saisie et envoûtée malgré soi. Aucune catégorie a priori ne peut servir de balise – comme aimer la peinture, la photo, la vidéo, que sais-je – à ce qui pourrait être en d’autres circonstances une très raisonnable inclination, de type studium. Là, point de sage balise, point de raisonnables études. Le  détail foudroie comme la légendaire pointe de flèche, celle qui nous point – punctum.

Existerait-il un lien natif entre punctum et mélancolie ? Attendrait-on aujourd’hui de l’art qu’il soit essentiellement un art du punctum, entendu comme un art mélancolique ? Il faudrait d’abord définir la mélancolie en question ; peut-être s’agit-il aujourd’hui d’un mélange entre le légèrement inquiétant, l’étrange inhospitalier, la rigueur triste et un certain goût de la vie assez désespéré.

On retrouve fréquemment les trois premières caractéristiques dans le flux actuel de l’art contemporain. L’inquiétante étrangeté est une sorte de « prérequis » pour la plupart des œuvres ; il s’agit de décaler le réel, de le faire sonner différemment, tout en gardant avec lui des liens forts. Quant à la rigueur triste, elle est née à la fois de la représentation qu’on se fait de l’art conceptuel (fausse, certainement, due à l’entrée au musée d’œuvres conçues pour un autre dispositif) et d’obsessions de notre époque en matière de perfection formelle. L’art contemporain est impeccable, comme doit être désormais impeccable, par exemple, la présentation des documents print grâce aux logiciels de PAO, la coiffure, la mode ou le look. Cette tendance générale au « lissé-contrôlé », si l’on peut dire, se retrouve dans des dispositifs rigoureux, des fils électriques cachés, des accrochages « sobres », ou tout simplement le « white cube », prétendument neutre et parfait.

Quant à la joie de vivre… joie du renouvellement permanent de l’art contemporain, joie des nouvelles œuvres, joie du flux qui s’accorde avec la production internautique, mais une joie mêlée de sang noir : toute joie conduit à la perte de la joie, toute joie signe sa propre extinction. C’est le sens-même de l’Ode  à la mélancolie de Keats : on écrase sur son palais les raisins de la joie – mais le goût, on le sait et cela gâte la joie, en sera perdu. L’art est par nature mélancolique car si l’art produit une image, toute image signe par définition l’absence du réel dont elle est le simulacre. La mélancolie creuse donc structurellement l’art.

La mélancolie en art, dans ce double postulat de joie et de regret poignant à l’égal de la joie perdue, se voit par exemple dans le petit sourire du Printemps de Botticelli : sourire de  joie-tristesse crispée-zippée (la mia allegrezz’ e la malinconia, écrirait Michel-Ange). C’est le souvenir de ce qui n’a même jamais été, mais dont on se souvient quand même. Le regret poignant nous point, la mélancolie est un punctum. CQFD.

C’est cette mélancolie poignante que manifestent des   œuvres comme Je ne me souviens plus de l’été dernier, Déjà-vu, Arriba ! Desde Abajo ou … la bien nommée petite machine célibataire qui s’intitule justement Melancholia.

Dans Je ne me souviens plus de l’été dernier, Émilie Pitoiset présente un dispositif sobre : des photos d’archives découpées au cutter au point d’impact d’un tir à l’arme à feu qui représente le tir photographique lui-même, et un disque de Marienbad (qui se souvient de l’année dernière ?) qui tourne, inlassable, sur un antique tourne-disque d’avant le numérique. Mode ancienne, garçonnets propres, hommes gominés, faut-il vraiment que tout cela ait été ? Le poids lassant de ce qui fut pèse sur nos cœurs, à peine altéré par l’inquiétude de ce qui, peut-être, n’aura pas été. Comment savoir, à un certain degré d’usure, de poudre ? Le passé rejoint la légende et se confond avec elle ; reste le moment où l’appareil photographia cet instant-là, et lui seul – et c’est souvent risible, toutes ces grimaces prises au piège, des flous, ce décor, ce flash, cet instant sans notabilité. Et c’est cela qui reste et qui est. Est-ce que je me souviens de tel détail de ma vie, ou bien est-ce que je me souviens seulement des photos ? Difficile à dire, quand les photos se superposent au réel, parfois enfui au-dessous.

Michel François, Déjà-vu (Newspaper), 2003, Murs, affiches, journal local du jour, encre de Chine. Dimensions variables. Collection Frac île-de-France, crédit Adagp.

Puisqu’on parle de mélancolie, fascinant est le goutte-à-goutte d’encre de Chine que propose le Belge Michel François avec Déjà-vu. L’encre s’écoule de ce qui semble être une seringue hypodermique, cachée sous un coffrage de bois : on n’en voit que la pointe, qui distille son venin. Un journal quelconque, posé ouvert sur le sol, recueille et absorbe en partie le précieux liquide. Comme l’encre de Chine sèche vite, il se forme des masses, des croûtes, des plaques : non le joyeux écoulement d’une artère aorte, où coule à flots le sang rouge, mais au contraire le suintement à peine visible des veines traîtresses, le sang noir, celui qui revient au cœur bien chargé. Le journal éponge tant bien que mal le noir saignement. Ainsi va la mélancolie, celle que Galien, dans l’Antiquité, décrivait comme une sorte de bitume corrosif – n’en faites pas tomber par terre, ça creuse – celle qui noie encore de son fluide visqueux les héros de There Will Be Blood, film de pétrole où il va y avoir du sang noir. Marsile Ficin, à la Renaissance, comparait le mélancolique à une chaudière qui marche mal, qui dégage de mauvaises vapeurs et laisse un résidu plus dense encore que le commencement du monde (je romance). Après tout, Zola en est mort, concrètement. Mort pour une chaudière mal réglée, par une froide nuit, mort, en somme, de mélancolie.

En regardant couler ce beau sang noir on se rend compte que la peinture n’est plus communément présente, en art contemporain, que sous la forme d’une matière brute – ici une matière noire, de surcroît. Tout pourrait commencer avec la peinture au mètre des situationnistes, à découper à la demande du client ; par la suite, Martin Kippenberger ose faire du concept avec de la peinture, entendue comme fourniture d’une image peinte. « Gentil peintre, peins pour moi », disait-il, et d’utiliser pour son propre dispositif les surfaces peintes par d’autres sur sa demande.

Depuis, la peinture, soumise au dispositif, a confirmé un rôle de papier peint, d’illustration au second degré, d’image qui ne saurait avoir en soi une valeur absolue. Elle n’est plus une fin mais un moyen – ou alors c’est autre chose, le marché dit « des chromos » où on est si heureux de reconnaître sur la toile son portrait, son chien, son village. Dans Déjà-vu, la peinture coule du plafond ; elle est là pour sa force pigmentaire (l’encre de Chine est un noir des plus saturés) et pour sa capacité à s’écouler. Elle est là pour faire bile noire, et nous y sommes, bel et bien.

(Digression : je me demande si l’exclusion de la « peinture picturante », enfin je veux dire « celle où il y a une image », ne vient pas de ce que l’art contemporain est un art pour adultes, irrémédiablement. Non que les enfants ne puissent l’aimer : les cars entiers d’élèves qui déboulent dans les centres d’art sont là pour prouver que l’art contemporain peut leur plaire, et pas seulement parce qu’il serait ludique. Peut-être la raison pour laquelle l’art contemporain plaît aux enfants est-il justement sa dimension « pour adultes », son inquiétante étrangeté, son impitoyable mélancolie qu’on jette à la figure du spectateur : mouches collées, animaux dans le formol, ricanements sarcastiques, vanités terrifiantes, fleurs mortes, crânes secs. L’enfant trouve passionnant ce qui n’est pas « pour enfants ». Et dès lors, l’art contemporain éloigne tout ce qui pourrait se rapprocher d’une imagerie scolaire, des barbouillages de travaux manuels – et donc la peinture, tellement enfantine).

Arriba ! Desde Abajo de la Française Élise Florenty raconte la dictature argentine. Deux vidéos se croisent sur un coin de mur. Sur l’une d’elles, des mots brouillés glissent les uns sur les autres, procèdent les uns des autres comme si on inventait au fur et à mesure la langue pour le dire, langue à peine formée, encore hésitante. Crayon, années de plomb : le crayon aussi est « mine de plomb », comme les années de même nom. Ainsi sont éveillés des échos par association d’idées. 1976, Nuit des crayons : enlèvement à domicile, par des policiers aux ordres de la junte, de collégiens et lycéens, garçons et filles, qui furent pour la plupart violées, torturé/es et assassiné/es par la dictature, et dont certains furent portés disparu/es. La seconde vidéo s’entrecroise avec la première, en représentant des adolescents en train de danser une danse de rue très structurée, d’allure étrangement militaire, mais entraînante : ils et elles ont le même âge que les martyres de la noche de los làpices, auxquel/les il/les semblent ainsi renvoyer pour une commémoration ambiguë.

La mémoire en noir et blanc (la vidéo ne comporte pas de couleurs) ne renvoie absolument pas aux « informations » télévisuelles ou cinématographiques, tant le graphisme est travaillé pour éloigner ces connotations. C’est tout autre chose, du Corto Maltese qui bouge, un peu comme dans le film À quai de Sara, récemment présenté à l’exposition Lecturnes (Villetaneuse).

L’ambivalence du « message » est proprement mélancolique : alliance, par le biais suggestif des associations d’idées, de la joie de danser et des pires tortures sous la dictature, une menace qui pèse, diaphane et présente, sur la jeunesse déterminée et fragile, une mémoire inscrite dans les corps comme malgré eux. Voici l’endroit où furent torturés les jeunes argentins de la nuit des crayons.

Melancholia, de Laurent Montaron, avoue par son titre sa filiation directe avec la gravure de Dürer Melancholia 1, 1514. On peut lire le titre de cette gravure de deux matières. Soit on pense que Dürer avait numéroté ses mélancolies, et que celle-ci serait la première – le problème étant qu’il n’existe pas de Mélancolie 2. Soit on lit le signe comme un « i » (= va t’en, en latin). Mélancolie, pars ! De fait, la mélancolie « à l’ancienne », l’ignoble acedia, semble s’envoler sous la forme d’une serpentesque Mélusine, une espèce de dragon qui pousse dans la nuit les cris de la fée. C’est un adieu au Moyen Âge, et le début d’une nouvelle conception de la mélancolie : celle de la Renaissance, le beau mal de méditer sur la mesure, l’architecture, la création et la géométrie. L’homme intellectuellement concentré, avec son poing noué furieusement sous la mâchoire et entouré de son chantier de travail, constitue un prototype promis à un bel avenir.

L’œuvre de Laurent Montaron se rattache clairement à cette mélancolie renaissante, mélancolie des machines et des machineries, des maçons et des poulies, si proche, comme l’ont montré les auteurs de Saturne et la mélancolie, de l’art des charpentiers, des géomètres et  des constructeurs de bâtiments. L’artiste propose justement une machine, détournée de son usage originel, lequel est perdu. Plus personne n’utilise, à l’ère du   numérique, une telle « chambre d’écho », dispositif à bandes destiné à retarder ou décaler un son. L’œuvre exploite le potentiel mélancolique de l’écho : une répétition atténuée, une sorte de « fading », aurait dit Barthes, la nymphe inutilement éperdue s’allant mourant. Le mot « chambre » renvoie aux stanze d’Agamben, ces chambres de l’esprit qui sont aussi des strophes poétiques fermées sur elles-mêmes. La mélancolie n’a ni porte, ni fenêtre ; c’est une sorte de monade inaccessible. Les « rondeaux de mélancolie » de Charles d’Orléans sont des labyrinthes sans fin (une prison où on erre, selon Starobinski). La chambre du philosophe et du poète sont des figures de mélancolie, et on retrouve l’image, qui figure chez Ficin, d’une chaudière qui fonctionnerait en circuit fermé.

Dans la chambre de Laurent Montaron, la bande magnétique mélancolique se déploie sans fin, en molles spirales, sous le signe de Sisyphe. Le dispositif, placé à un endroit inhabituel sur le mur, assez bas, hors de la ligne habituelle du regard, évoque au premier regard ces boîtes techniques qu’on voit sans les voir, dans les musées : celles qui mesurent l’hygrométrie ou la puissance électrique, celles auxquelles il ne faut pas prêter attention. Il faut se pencher pour découvrir la toute petite sculpture, faiblement éclairée, qui poursuit inlassablement son chemin enfermé de déroulement en spirale – un labyrinthe, une prison où on erre sans fin. En mélancolie, le sang noir ne s’échappe pas. Il tourne en circuit fermé, rongeant son hôte. Grâce à la transformation de cette chambre d’écho, ordinairement fermée, on voit ce qui se passe à l’intérieur de ce corps. Cela rappelle les « Vénus » de cire des musées d’anatomie, avec tous leurs colliers et les torsades de leurs cheveux, mais ouvertes, aux organes détachables et manipulables.

Hors mélancolie, l’exposition du Frac comporte bon nombre d’autres œuvres captivantes, liées à la question de la mémoire qui est son fil conducteur explicite. La muséographie est soignée : chaque œuvre est présentée bien séparée de la précédente, indépendante de sa voisine, et même les montages sonores, nombreux, ne se mélangent pas. Le Frac voue un bel espace à de belles œuvres, qui disent l’inquiétante étrangeté de la mélancolie de notre temps.

Anne Larue

Prof. Littérature Arts et Culture à l’Université Paris 13.

Pour s’y rendre : métro Jourdain ou Buttes-Chaumont, bus 26.

Ouvert du mercredi au dimanche.

www.fracidf-leplateau.com

Sur un Plateau, le Frac Ile de France


Le Plateau : un lieu d’échanges artistiques

par Iram Nazir
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En France, quelques grandes institutions participent à la transmission de la culture. En accord avec le Ministère de la culture, les FRACs (Fonds Régional d’Art Contemporain) jouent aussi un rôle important dans le partage du monde culturel et artistique en France, particulièrement en art contemporain. Mais à quoi ressemble cette institution et comment est-elle représentée en Ile-de-France ?


Entrée du Frac (à l’arrière-plan Jean Luc Godard, Lettre à Freddy Buache, 1981) Photo Martin Argyroglo. Courtesy Frac IDF.

Qu’est ce que le FRAC ? Et le Plateau?
Créé en 1983, le FRAC est une institution qui favorise la création artistique, achète des œuvres et les diffuse dans des lieux partenaires en région. Le FRAC a essentiellement trois missions : la constitution d’une collection artistique, la diffusion par le billet de prêt d’œuvre et la médiation culturelle. Tout cela pour qu’il y ait une vraie sensibilisation du grand public à l’art contemporain.

En 2002, la région Ile de France et la Ville de Paris ont soutenu la création du Plateau (dans le 19ème arrondissement de Paris), un espace d’exposition du FRAC Ile de France. A partir de ce moment, le FRAC a pu développer son activité en favorisant l’accès aux œuvres. De plus, c’est devenu un centre d’art où ont lieu des productions d’œuvres (le FRAC finance la réalisation de ces œuvres), des expositions inédites (expositions temporaires), que le public peut enfin visiter.

Le fonctionnement d’un FRAC
Avec 900 œuvres dans sa collection, le FRAC Ile de France est dirigé par Xavier Franceschi qui a un rôle important dans le choix des thèmes d’exposition mais aussi dans le choix des artistes. Xavier Franceschi ne choisit pas seul, il est accompagné d’un comité artistique qui se réunit deux fois par an pour choisir les œuvres à acheter. Ce choix doit être validé par le conseil d’administration. Le FRAC Ile de France a le statut d’association majoritairement financée par la région Ile de France, le Ministère de la culture et la Ville de Paris (96% du financement vient des fonds publics), son budget annuel est de 305 000 euros. La collection du FRAC est donc publique, par conséquent, elle est soumise à l’inaliénabilité : les œuvres ne sont pas à vendre… elles font partie du bien public.

Le Plateau et l’enseignement
La médiation culturelle est une des missions du FRAC, surtout auprès des enfants et des jeunes. Une équipe de 13 personnes travaille avec les 3 académies d’Ile de France  (Créteil, Paris et Versailles) afin de proposer à la jeunesse un véritable accès au monde artistique contemporain. L’action culturelle éducative se développe essentiellement à l’Antenne, espace pédagogique situé au 22 cours du 7ème art à Paris. L’équipe de l’action culturelle dont est chargé Gilles Baume, propose plusieurs activités pour que les enfants découvrent l’art de façon ludique : peinture, photographie, collages, etc. Toutefois, l’équipe veille à ce qu’il y ait toujours un lien avec le programme de l’Education nationale. D’ailleurs, elle accueille une fois par semaine un enseignant, le critique d’art Judicaël Lavrador, qui les aide à établir des programmes spécifiques. L’organisation du FRAC a donc une vraie volonté de transmettre un savoir artistique auprès des plus jeunes.

L’exposition actuelle au Plateau
Chaque année, quatre expositions temporaires sont organisées au Plateau. Deux d’entre elles sont réalisées par le directeur même du FRAC, Xavier Franceschi, les deux autres sont organisées par un commissaire d’exposition invité, actuellement, Guillaume Désanges. Il a notamment organisé une série d’exposition intitulée « érudition concrète », mettant en avant la relation que les artistes entretiennent avec les œuvres en insistant sur le lien entre art et savoir. Ainsi, se succèdent diverses expositions sur ce thème : « La Planète des Signes » ;  « Prisonniers du soleil » ; et la prochaine, qui s’intitulera « Nul si découvert ».

La dernière l’exposition orchestrée par Guillaume Désanges au Plateau avait pour titre Les vigiles, les menteurs et les rêveurs (15 septembre-14 novembre 2010) dans laquelle les artistes, à travers leurs œuvres, observent l’actualité, les évènements, la politique et l’Histoire. Les œuvres exposées, de natures hétéroclites, faites d’assemblages ou installations, avaient toutes pour point commun que ces artistes contemporains ont fait usage des documents pour faire passer un message politique, au risque de la fiction.

« Les vigiles » sont ceux qui surveillent l’actualité. « Les menteurs » sont ceux qui falsifient les documents pour mettre en avant une réalité historique. Walid Raad, artiste libanais exposé au Plateau,  l’a d’ailleurs fait en travaillant sur les guerres du Liban. Il veut faire transmettre un traumatisme de la guerre en falsifiant des archives à l’aide de gommettes collées dessus.
Enfin, « les rêveurs » est une appellation qui s’adressent plus à des artistes dont les œuvres reflètent un aspect poétique ou leur dimension utopique. En somme, cette exposition est composée autour de quatre pôles essentiels : politique, documentaire, esthétique et fiction.

Le Plateau est un lieu très enrichissant de par les œuvres exposées. Un endroit qui met non seulement en valeur l’art contemporain mais qui transmet un savoir culturel grâce à un véritable sens du partage.

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Prochain volet d’Erudition concrète : à partir du printemps 2011,
Frac Ile de France – Le Plateau
Place Hannah Arendt, 75020 Paris, Métro Botzaris

Voyage à Metz – 1/12 (Centre Pompidou / Frac Lorraine)

Direction Metz le mercredi 1er décembre : consultez ici le programme de la journée.

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Point de RDV mercredi matin

–    Gare de l’Est à 8h00 devant la voie 19 pour prendre les billets.
–    Arrivée à Metz à 10h05. Direction le Centre Pompidou ⚠ Température prévue : -5°C

Visite du Centre Pompidou Metz

–    11h15 : accueil à l’entrée des personnels pour une visite des coulisses du Centre
–    12h00 : visite libre dans le Centre & l’exposition Chefs d’œuvres ?
–    13h30 : déjeuner libre

⇒ Pour se rendre au centre ville : ligne de minibus ARTIS (0,70€ le trajet – horaires joints au départ).

Visite du Frac Lorraine

–    15h20 : RDV à l’entrée du Frac Lorraine pour une rencontre avec le chargé des publics, Yannick Chelmis et une visite de l’exposition S’envoler les pieds sur terre

⇒ Adresse : 1 bis, rue des Trinitaires – Arrêt En Fournirue de la ligne ARTIS.

Retour à Paris

–    19h15 : RDV à la Gare de Metz. Arrivée à Paris Gare de l’Est à 21h19.

Journal MTI n°7 – Basquiat, sauve qui peut… la vie

Jean-Michel Basquiat : trop, trop, trop…de vie

par Olga Koniakhina

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Le musée d’Art Moderne de la ville de Paris présente, en collaboration avec la fondation Beyeler, une exposition dédiée au cinquantième anniversaire qu’aurait eu l’artiste américain, Jean-Michel Basquiat.

D’abord présentée à Bale, cette exposition, dite de grande ampleur jamais vue auparavant, est enfin à Paris. C’est vrai, l’exposition propose aux visiteurs douze salles, réparties par rapport à la période ou au thème privilégié par l’artiste : le tout début, l’art de SAMO, les dessins, des galeries diverses… Plus de 150 œuvres réunies, y compris des photographies et des objets, l’ensemble, énorme, semble un peu difficile à engloutir en une seule fois. Quand le schéma narratif n’est pas forcement linéaire et fait des allez et des retours « chez un galeriste, chez l’autre, période de dessin, période de graffiti, l’amitié », il devient facile de perdre le fil de narration, et de se perdre littéralement dans l’abondance d’information.

D’un autre côté, peut-on vraiment critiquer la volonté de raconter le maximum sur la personnalité d’un artiste qui a marqué son temps, et dont la vie artistique a brusquement commencé à l’âge de 18 ans, dont la vie réelle s’est brusquement terminée à 28 ans, comme les étoiles filantes que furent Janis Joplin ou Jim Morrison. En dix ans, un jeune homme a fait sa petite révolution dans le monde de l’art, en passant d’un continent à un autre ; en se montrant intellectuel sans trop conceptualiser ; en proclamant le retour d’expressionnisme, de la simplicité sans être pour autant minimal.

Cette exposition est un peu comme les œuvres de celui dont le 50ème anniversaire aurait été célébré en 2010 : un « univers mélange ». Ce mix de périodes et de thèmes révèle aussi le style de l’artiste, qui s’exprimait à l’aide des objets quotidiens, de dessins, de peinture… en y rajoutant ses réflexions sur ses racines, sur la politique, sur sa vie. Comme le dit  Fabrice Hergott, le commissaire général de l’exposition, « le traitement de ses références évoquent parallèlement le sampling et le scratching de la musique hip- hop : l’image est morcelée, isolée, répétée, enfouie mais toujours apparente sous les couches de peintures à la manière des palimpsestes».

Apparemment Basquiat fascine toujours autant, et il suffit de voir les gens faire la queue pendant une heure pour admirer ses travaux, dont la notoriété attire. Voici quelques oeuvres déjà célèbres que l’on a le plaisir de retrouver dans l’exposition : Jean-Michel Basquiat dans son atelier de Great Jones Street, New York, 1985 devant Untitled, 1985 (l’image qui figure sur l’invitation au vernissage), In Italian, 1983, Zydeco, 1984 et d’autres. Bien sûr, des images qui témoignent d’amitié entre deux personnalités clés de l’underground new yorkais des années 80, Warhol et Basquiat. Une amitié qui s’est avérée fructueuse pour les deux artistes.

Enfin, cette exposition parle de la vie d’un artiste, toujours riche en événements et dont on n’attend pas forcément de logique. Dans les douze salles s’étalent plusieurs années de travail, d’expérience, de rencontres, de discussion… Il faut tout simplement essayer d’écouter et d’observer pour saisir la complexité de la vie de l’homme et l’artiste que fut Basquiat.
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Courtesy ADAGP MAMVP

Jean-Michel Basquiat dans son atelier de
Great Jones Street, New York, 1985 devant Untitled, 1985

Journal MTI n°6 – Miroir, mon beau miroir…

Jean-Charles De Castelbajac and The Tyranny of Beauty.

par Iram Nazir_


Connu pour avoir révolutionné le monde de la mode avec des créations hautes en couleurs à caractère ludique, Jean-Charles De Castelbajac (ou JCDC) s’adonne pour la seconde fois à l’art contemporain en proposant du 11 septembre au 23 octobre 2010, une collection de tableaux fidèle à son style : un mélange de plusieurs univers dont celui de son enfance. Il intègre notamment des cartoons ou des logos publicitaires dans des œuvres classiques, ce qui crée un bouleversement assez original. Cependant, à  quoi veut en venir l’artiste ? Pour le savoir, immersion dans le monde décalé du créateur à travers son exposition : the Tyranny of Beauty.


Samedi 18 septembre 2010 : salle lumineuse, silence harmonieux, les quelques visiteurs présents à la B.A.N.K Galerie, rue Volta à Paris, étaient statiques, pensifs parfois souriants face aux œuvres picturales de Jean-Charles De Castelbajac, connu avant tout pour ses exploits dans le monde créatif de la mode. Avec relativement peu d’œuvres exposées (dix toiles de peinture à l’huile et sérigraphies, une toile en tissu et trois sculptures en plâtre), la petite galerie présente le travail de l’artiste d’une façon assez simple voire classique. Accrochées sur les murs, bien espacées, les peintures attendent, seules, qu’on vienne les observer. Le caractère visible et spacieux de la présentation est indéniable dû aux murs beiges qui donnent toute l’attention aux œuvres. Ce samedi, donc, la plupart des visiteurs étaient des visiteuses : une femme d’âge mûr et quelques jeunes filles, sans doute étudiantes et fans du créateur de mode. L’une d’entre elles murmura à l’oreille de sa copine : « C’est beau et marrant à la fois », une remarque qui reflète bien le caractère ludique des œuvres…

…attractives
Les tableaux, de formats plutôt imposants, ont été peints à l’huile. Ils représentent des chefs d’œuvres classiques comme la Naissance de Vénus de Botticelli, reproduits par des peintres chinois (et oui, les peintures viennent de Chine !), un aspect qui ne dérange absolument pas Jean-Charles De Castelbajac à partir du moment où ils sont faits exclusivement pour lui. Une fois la commande reçue, l’artiste s’approprie les œuvres en apposant par-dessus des logos publicitaires ou des personnages de dessins animés grâce à la sérigraphie : technique d’imprimerie, dérivée du pochoir, qui consiste à utiliser des écrans de soie interposés entre l’encre et le support.

On se retrouve alors devant des œuvres déroutantes comme un portrait de Marie-Antoinette entaché par une énorme croix rouge sur le visage ou le Botticelli envahi par une nuée de Blanche-Neige (symbole du danger de la beauté selon l’artiste). Les tableaux sont très attractifs grâce aux couleurs vives qui attirent l’œil du spectateur. Par ailleurs, on remarque la présence de trois sculptures en plâtre au fond de la salle. Elles représentent des bustes de femmes sur lesquels l’artiste a simplement ajouté des perruques de couleurs assez vives, marque de fabrique propre au créateur de mode Castelbajac.

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Jean-Charles de Castelbajac, White Goddess / White Princess, huile et sérigraphie sur toile, 270x175 cm, 2010. Photo. I. Nazir


Le message de l’artiste

Le thème de l’exposition est très intéressant et correspond à une actualité paradoxale de la part d’un créateur qui donne le ton dans le monde de la mode. Cette tyrannie de la beauté, édictée par les stylistes et les mannequins anorexiques qu’ils font défiler, rappelle en effet l’idée que la société impose un incessant désir de plaire selon des normes bien définies. La recherche de la beauté absolue et éternelle est tellement importante dans notre société qu’elle en devient même effrayante avec l’omniprésence des produits cosmétiques autour de nous. JCDC met en rapport deux époques et deux formes de terreur : la première correspond aux temps révolutionnaires du XVIIIème et XIXème siècle (comme celui des Trois Glorieuses) et la seconde est celle de la société actuelle. L’une est la terreur de l’Homme, l’autre celle de la beauté, toutes les deux pouvant être considérées comme une tyrannie.

Jean-Charles De Castelbajac a donc choisi d’illustrer sa pensée en reprenant de grandes œuvres classiques qu’il a volontairement dérangé en plaçant des logos, des signes ou encore des marques de produits de beauté. La beauté naturelle de ces tableaux est donc gâchée par l’utilisation de crème, de gélules ou autres artifices. Le travail de l’artiste met en évidence le fait que la quête permanente de  la beauté éternelle peut devenir une obsession et ainsi faire des ravages.

Parlons-en franchement
Le sujet et le concept de l’artiste sont assez intéressants et poussent à la réflexion. Seulement, Jean-Charles De Castelbajac donne peut-être une trop grande liberté d’interprétation en nous soumettant bien peu d’informations concernant les œuvres. Seule une simple étiquette indique le titre de l’œuvre, le type, les dimensions, c’est tout. Aucune explication, à nous de réfléchir et de faire notre propre enquête. Mais le message qu’a voulu faire passer l’artiste n’est très difficile à comprendre notamment grâce au titre de l’exposition qui aiguille judicieusement le spectateur qui ne se sent donc pas tyrannisé par l’incompréhension. Ironique, décalée, ambiguë, l’exposition de Jean-Charles De Castelbajac illustre un thème très intéressant à travers un bon concept. Belles œuvres, peu d’information, beaucoup de réflexion, The Tyranny of Beauty est une exposition que l’on peut aller voir si l’on a un peu de temps devant soi. Si ce n’est pas le cas, ce n’est pas si grave que ça, il est encore temps de faire un tour chez Sephora.

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Jean-Charles de Castelbajac, Glory in coma, huile sur toile, 265x210 cm, 2009. Photo I. Nazir



Entretien avec Pauline Guelaud

Visite et rencontres au musée du Louvre, le 22 septembre 2010

Elle nous accueille dans un bureau à la hauteur de l’institution où elle travaille.
Beaux parquets et hauts plafonds, moquette pourpre.
Souriante, notre hôte nous met à l’aise en quelques secondes et nous accorde un moment privilégié : nous allons échanger avec l’une des 2 500 fourmis du plus grand musée du monde. Pauline Guelaud, la trentaine, est chargée de production pour le département Art Contemporain du Louvre. Ne le cherchez pas sur le plan du musée (aussi grand qu’une carte routière), vous ne le trouverez pas.

Se faire une place
C’est en 2003 que Pauline Guelaud a rejoint l’audacieux projet Art contemporain au Louvre. Il faut l’avouer, dans l’esprit de tous, l’intitulé est antinomique. La complexité de la mission de Pauline Guelaud réside dans cette tension. Comment légitimer la présence de l’Art Contemporain dans un lieu aussi immuable et institutionnel ? Pour permettre au projet de grandir et de s’épanouir, il faut mener un véritable combat. C’est David contre Goliath…
Et pour cause, il paraît difficile de glisser une oeuvre de Jan Fabre dans le département des écoles du Nord, sans ménager l’équipe chargée du lieu en question. Car ne vous méprenez pas, l’Art Contemporain ne s’apprend pas seulement aux enfants et amateurs, mais d’abord à ses propres collègues. Chacun étant spécialiste dans son domaine, notre interlocutrice a compris l’importance de la médiation autour de sa spécialité.
La communication interne est donc incontournable et les questions qui fâchent sont soulevées maintes fois par les conservateurs des départements concernés, à l’occasion de réunions très animées.

Le méfiant
—« Pourquoi devrais-je accueillir cet artiste dans mes salles ? Et quel est son discours sur l’art ? »
Le sceptique
—« Mais au fait, est-ce vraiment de l’art ? »
Le pragmatique
—« Mais je vais devoir déplacer mon Rembrandt alors ? »

Proposer des dialogues inattendus
«Du 12 novembre 2004 au 10 février 2005, Contrepoint invitait les visiteurs à suivre un parcours pour le moins inhabituel ou à découvrir de manière imprévisible, au fil de leur visite, les interventions des artistes. Les oeuvres étaient disséminées aux quatre coins du palais et leur présence, volontairement discrète, a fait grand bruit. »*

Partant de la difficulté de se faire une place dans le musée, Marie-Laure Bernadac, conservateur général chargé de mission pour l’Art Contemporain, et Pauline Guelaud, son assistante, ont été tentées d’être les entremetteuses de dialogues iconographiques entre les sages héritages du passé et les tonitruantes œuvres contemporaines. Le pari était plutôt risqué, puisque l’exposition en question avait un obstacle fort, celui de la communication. En effet, comment communiquer sur une exposition qui n’a pas un point d’ancrage mais une multitude, disséminés dans l’immensité du Musée ?  Malgré cet obstacle, l’exposition remporta un succès fort – sans doute lié à l’audace de la démarche – et le bénéfice d’un tel événement fut pointé par de nombreux conservateurs, y compris par ceux qui faisaient preuve de réticences au début du projet.

Un poste multifacettes
Le contrepoint est un type d’expositions parmi d’autres, mais en nous parlant des détails de son élaboration, P. Guelaud nous a livré un aperçu des différentes missions qu’elle peut remplir quotidiennement.
Tout commence avec le choix d’un artiste, souvent déterminé par l’expérience du conservateur général. Puis, il y a des rencontres, des échanges, des notes d’intentions données par l’artiste : P. Guelaud a pour objectif de relayer les concepts et souhaits de l’artiste auprès de son équipe. Cela implique de pouvoir expliquer à son tour l’intérêt de la démarche de l’artiste, d’en exprimer l’attrait et l’enjeu pour le musée.
Puis, par une prise de contact avec le conservateur concerné par l’intervention de l’artiste, son second rôle est de déterminer la faisabilité du projet (exercice de coordination avec un régisseur, un scénographe). Un travail d’une telle envergure nécessite bien entendu de fédérer une équipe solide qui se sent capable de porter le projet, il faut donc avoir des qualités de manager.
Polyvalente, elle sait être réactive pour répondre à l’imprévu : lors du Contrepoints #3, la pièce d’Anish Kapoor intitulée C-curves à doublement posé problème. Son imposante fragilité a fait tiquer le service sécurité, poussant la jeune femme à réagir en conséquence, en installant à regrets un cordon de mise à distance. La surface en miroir de la structure, bien trop attirante pour les mains curieuses des visiteurs a quant à elle exigée à toute l’équipe du projet d’en assurer la propreté jour après jour. Chargée de mission, c’est aussi un travail de terrain !

* extrait du site du Louvre,
http://www.louvre.fr/llv/dossiers/page_magazine.jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673229775&CURRENT_LLV_MAGAZINE%3C%3Ecnt_id=10134198673229775

Journal MTI n°5 – Flavia Cocchi à la galerie Anatome

du 1er octobre au 11 décembre 2010

La Galerie Anatome est le seul lieu permanent en France d’exposition du graphisme contemporain

L’exposition éponyme « COCCHI » n’a rien à cacher. Entrez dans l’espace ouvert et lumineux de la galerie Anatome, scénographié par Flavia Cocchi elle-même : quelques caisses empruntées à la Poste suisse esquissent une construction dénuée de décorations. Nous sommes dans le vrai et le pratique. Presque dans la grille : ces caisses, modules en plastique gris sur lesquels on se plaît à s’asseoir, répondent au graphisme que nous découvrons bientôt et que la graphiste qualifie d’« utilitaire ».

Au rez-de-chaussée sont présentés ses livres, encastrés dans des blocs de mousse. Est-ce une façon pour Flavia Cocchi de mettre en valeur la délicatesse de son travail graphique ? Car sous son apparente rigueur et un pragmatisme tout à fait emprunt à la tradition helvétique, nous pouvons percevoir dans son travail une certaine fragilité, voire de la sensualité.
Ses quelques ouvrages en libre consultation permettent au visiteur de juger de l’utilisation des papiers, des matières. Parlons ici de ce petit livre, conçu à l’occasion de l’exposition  Passions d’orange, papiers d’agrumes. Il retrace la particularité et la finesse d’une collection de papiers d’emballage, a priori peu précieux, qui entourent les oranges italiennes. Flavia Cocchi n’a pas choisi pour ce livre un papier classique et passe-partout. Elle a décidé d’utiliser un papier délicat pas même imprimable en recto-verso (choix audacieux du point de vue de la réalisation); un papier à l’image de cette collection atypique. Pour l’ouvrage Nature en kit elle utilise une feutrine marron en guise de couverture. Pour le catalogue d’exposition Air en Forme, la couverture est gonflable. Simple mimétisme ou adaptation astucieuse du thème de l’ouvrage ? Visiblement, la lausannoise laisse libre cours à sa spontanéité, sans pour autant travailler sans filet.

Rigueur ET détournement des codes
Que ce soit en supprimant le titre d’un livre, en laissant couler le texte d’une page à l’autre sans ménager de marges, ou encore en laissant apparaître une grille de construction comme élément graphique d’une affiche, Flavia Cocchi semble aimer jouer avec les codes établis par la tradition graphique suisse.
C’est en découvrant le premier étage de la galerie, dédié aux affiches, que le travail de l’artiste prend soudain une grande résonance. Suspendus dans le vide, les grands formats découpent habilement l’espace.
Nous ne dirons donc pas que F. Cocchi renie son héritage helvétique, car l’affiche de l’événement « Criss+Cross » aurait vite fait de nous donner tort. Bien au contraire, elle s’en amuse et y revient parfois pleinement, comme en témoignent les affiches uniquement typographiques pour le Fonds d’art plastique de la ville de Lausanne. C’est sobre, construit, efficace : ne l’oublions pas, Max Miendinger,  Adrian Frutiger et Rudi Meyer font partie de son patrimoine.

Le processus révélé
Peu d’expositions de graphistes contemporains offrent aux visiteurs le privilège et la confidence du processus de création. Il permet parfois, par analyse comparative, d’apprécier d’autant plus ou différemment les compositions finales. Quand vous avez en face de vous cette affiche imaginée par Flavia Cocchi pour promouvoir la scène artistique en faveur des femmes atteintes du cancer, la sensation est déjà particulière. Cette grande surface rose tendre est ponctuée en son centre par un tout petit mot : seins. Il est écrit dans une typographie uniquement faite de ronds rouges. Des ronds, comme des seins. Des ronds, posés dans ce format comme des petits pois au fond d’une assiette. Le mot ne flotte pas, ce qui serait un échec en terme de composition. Mais le mot règne en maître, dans sa splendeur féminine. Il intrigue, on s’approche du texte en bas, et le pari est réussi ! Sous l’affiche sont exposées les étapes de recherche préalable et l’outil de réalisation de la proposition finale. Un petit tampon encreur rond, tout simplement.

Le graphisme est un jeu
Si vous avez l’occasion de vous rendre à cette exposition, vous ne pourrez pas manquer ce mur couvert des lettres de l’alphabet. à nouveau, la grille. Un jeu de mots croisés qui se déploie sur les trois niveaux (la galerie comporte une mezzanine). Peut-être regardera-t-on d’un autre œil ce jeu après la visite. Des cartes et des craies rouges sont à la disposition des visiteurs : ne partez pas si vite, et prenez le temps de chercher dans l’immensité soudaine de ce mur les mots qui inspirent ou ont inspiré le travail de Flavia Cocchi. Les associations fortuites que vous y trouverez n’engagent que vous. Ainsi, vous pourrez chercher pêle-mêle :
Chopin, fondue, Lissitzky, Nouvelle Vague, robe à pois, Gainsbourg, Nemours, Pantone, Renaissance italienne, Helvetica (bien sûr), risotto, Vian et bien d’autres. Flavia Cocchi nous entraîne aisément dans l’un de ses questionnements majeurs, celui de la lettre et de son rapport à l’espace.

Cette exposition de travaux graphiques laisse sans doute moins de place à l’interprétation et au questionnement que le ferait une exposition d’art contemporain à proprement parler. Les affiches, les livres parlent d’eux-même… Mais il ne faut pas relâcher son attention, car sous son apparente sobriété, le graphisme de F. Cocchi offre à qui le voudra l’appréciation d’un travail bien construit et malicieux.

Flavia Cocchi – Mudac, musée de design et d’arts appliqués contemporains
Lausanne / Affiche F4_ 2007


Journal MTI n°4 – Gabriel Orozco au Centre Pompidou


Gabriel Orozco. L’art géométrique.

par Mariama Diallo
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Jusqu’au 3 janvier 2011, le Centre Georges Pompidou consacre une exposition à Gabriel Orozco à travers 80 de ses œuvres. L’artiste n’avait plus exposé à Paris depuis sa première exposition intitulé « Clinton is Innocent », en 1998. Une belle occasion donc,  de découvrir ou de redécouvrir l’univers de cet artiste dans lequel dialoguent le paysage urbain et le corps humain.


Le thème du mouvement à travers les formes géométriques, reflète la vie nomade de ce mexicain né en 1962 à Jalapa, et qui vit aujourd’hui entre New York, Mexico et Paris, et qui ne se considère pas comme étant artiste mexicain par excellence, mais se définissant comme un homme libre, et appartenant à une culture universelle. Pour lui, la culture n’a pas de frontière, pas de nationalité, elle appartient à qui veut se l’approprier : « Je ne me définis pas comme artiste mexicain. On ne naît pas mexicain, cette détermination n’existe pas dans la nature. On devient la culture qui vous entoure, qui n’a pas de frontières géographiques, qui résulte plus d’un croisement d’influences et de hasards. J’ai grandi entouré de culture, française, anglaise et orientale, même si je chéris mes souvenirs d’enfance au Mexique. Je voyage sans cesse. Je n’ai pas d’atelier fixe. Internet n’a fait qu’accentuer ce mouvement qui m’est naturel. ».

Dans sa création, Gabriel OROZCO utilise différentes techniques artistiques, et nous présente ainsi un ensemble d’objets d’une très grande pluralité : photographies de ses interventions réalisées dans l’espace public (en majeure partie en Amérique du sud),  sculptures en terre cuite, collages, dessins, peintures et objets du quotidien détournés. La philosophie de l’artiste tient au fait que la création est une question de hasard et de paradoxe, c’est-à dire que la création des objets d’art doit émaner de la relation existante entre l’objet et l’environnement dans lequel il se trouve. C’est l’environnement qui donne à l’objet sa véritable beauté, l’artiste n’est que simple témoin de ce rapport. Ainsi, pour l’exposition, Gabriel OROZCO a choisi de laisser le plateau de la Galerie sud ouvert, sans cimaise, pour que l’extérieur puisse communiquer avec l’intérieur. Pour que les objets de la vie réelle dans l’espace public soient en communion avec les objets exposés dans le musée. L’expérience est d’autant plus intéresse que, lorsqu’on visite l’exposition on a l’impression d’être à la fois dedans et dehors, puisque l’environnement urbain dialogue avec la galerie.

L’artiste travaille très souvent à partir d’objets trouvés (déchets, objets usés, etc.) qu’il reconfigure d’une manière à leur redonner un nouveau souffle, un nouvel intérêt. Il se décrit comme étant un « consommateur de tout ce qui est à portée de main et un producteur de ce qui existe déjà ».

Les œuvres sont exposées sur trois supports différents : le sol, les murs et des tables de marché usées. Sur les murs sont présentées toutes les photographies, les collages, les peintures et les dessins, sur les tables de marché nous pouvons admirer quelques-uns des objets qu’il a utilisés pour réaliser ses interventions (dont certains ont leur photographie accrochée au mur, il existe donc un dialogue entre les œuvres elles-mêmes), par exemple nous retrouvons sur une des tables, un ballon de foot incisé de 25 cm de diamètre (2005) dont la photo est sur le mur. Il y a aussi des œuvres considérables comme la « French Flies » réalisée spécialement pour l’exposition, et qui représente des mouches écrasées sur des pierres. Au sol, nous retrouvons divers objets tels la « DS » (réalisée en 1997), une Citroën très étroite que l’artiste a fait découper en quatre dans le sens de la longueur, ou encore l’incroyable « Eyes Under Elephant Foot » (2009), un tronc de beaucarnéa (champignon) dont la surface est incrustée d’yeux de verre, très impressionnant à voir.

Gabriel OROZCO est un artiste post minimaliste, son travail dévoile cette volonté qu’avaient les minimalistes de préférer la sobriété, la simplicité (on pense à Mies van der Rohe et son «Less is more» – « Moins c’est mieux »), à l’art superflu qui correspond selon eux à l’expressionnisme abstrait et au pop art. Certaines œuvres d’OROZCO, comme par exemple l’œuvre intitulé « Black Kites » (1997), un crâne dessiné de damiers, ou encore le « Samurai Tree » (2006), une peinture représentant un arbre orné de feuilles symétriques, etc. rappellent énormément le travail des minimalistes très souvent basé sur des figures géométriques simples : Carl ANDRE, « 144 Magnesium Squares » (1969) ou Sol LEWITT «Incomplete Open Cube» (1974), etc.

Cette identité minimaliste apparait également à travers la présentation des œuvres. En effet, les objets exposés ne sont pas accompagnés de cartels. Les informations sur chaque œuvre exposée étaient répertoriées sur un plan-dépliant. Cette manière d’exposer est une volonté de l’artiste qui voulait que les œuvres parlent d’elles-mêmes. Une originalité est à noter : la performance qui met en scène lors de l’exposition, des acteurs jouant le rôle de policiers mexicains «importés» pour garder les œuvres.

L’exposition Gabriel OROZCO est en somme, une des nombreuses expositions de la rentrée qui en vaut le détour, car la variété des objets présentés et l’originalité de son travail plairont à un large public (dont les enfants).

Roven, revue de dessin contemporain

La revue Roven à Paris 13!


Jeudi 7 octobre, à 11h30 dans le cadre du cours « Culture de l’art contemporain », Marine Pagès et Johana Carrier, les fondatrices et rédactrices en chef de la revue Roven, dessin contemporain (publiée aux Presses du Réel), viendront présenter leur travail et le projet de la revue.

A vos questions!

Magali Nachtergael


La séance est ouverte aux autres étudiants de Master intéressés (édition) : salle D 116 (si libre) ou E 300

Liens : http://www.lespressesdureel.com/magazine.php?id=114
http://rovenrevue.blogspot.com/2009/02/roven-revue-critique-sur-le-dessin.html


Journal MTI n°2 – Guillaume Pinard, le retour

Guillaume Pinard de retour à la Galerie Anne Barrault

par Camille Labousse
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Cela faisait quatre ans que Guillaume Pinard n’avait pas exposé rue Saint-Claude à Paris. C’est donc avec curiosité que nous découvrons sa nouvelle exposition : « Tomate ». Étonnant, n’est-ce pas ? Pour en juger, il faut surtout se confronter aux œuvres et c’est là la véritable surprise. En sortant, l’on est désorienté. Mais qu’est-ce qui détonne ? Petit décryptage de cette exposition qui se tient du 4 septembre au 23 octobre 2010.

L’exposition « Tomate » est une présentation de vingt-deux peintures à l’huile sur carton bois, mais c’est aussi et avant tout une expérience dans laquelle l’on est invité dans l’univers coloré, graphique, enfantin de l’artiste. Car les murs de la salle close sont peints de façon à représenter un jardin devant une maison. L’espace fait donc partie intégrante de l’exposition. La salle est la mise en abyme des œuvres puisqu’elle est un rappel de l’effet de perspective cubique des tableaux. Les couleurs et les lignes horizontales parcourent autant la salle que les toiles. Les formes sont naïves et les couleurs primaires, ce qui renvoie au rouge primaire du titre de l’exposition. Guillaume Pinard en nous proposant un bestiaire composé de singe, serpent, âne, cochon, tigre, cheval et de personnages aux contours humains fait référence à l’imagerie de l’enfance. Ces œuvres sont dispersées sur trois hauteurs du mur : à hauteur d’yeux, au-dessus de la tête et en-dessus de la ligne des yeux, à hauteur d’enfant. On pourrait donc croire que les enfants sont à l’honneur mais, une esthétique de l’enfance ne signifie pas que ce qui est donné à voir est naïf. Les illustrations, sous couvert d’être bon enfant, tombent dans la trivialité. La technique esthétique pourrait plaire aux plus jeunes mais il réside une opposition entre la forme des peintures et ce qu’elles montrent. Faut-il donc les dérober aux regards ? Probablement, puisque certaines sont placées en-dessous de la ligne des yeux.

Le spectateur mis en position d’inconfort

« Rouge comme une tomate » n’est-ce pas une expression d’enfants ? Ce rouge c’est aussi la couleur du visage des adultes qui s’empourpre au fil de la visite. Car derrière le style trompeusement enfantin des peintures, se cache un univers scatologique, pornographique, sexuel : l’auteur peint le sexe féminin et des formes phalliques. Il y a une tension constante entre la masculinité et la féminité. D’ailleurs « Tomate » peut se comprendre comme Two mates, c’est-à-dire le mâle et la femelle. On pense aux curiosités naturelles des très petits enfants vers les choses basses du corps ; mais l’artiste dépasse la découverte. Lorsque Guillaume Pinard imagine un singe masturbant une femme, il le peint. Quand sa peinture figure une vierge, celle-ci est réellement pucelle, image à l’appui. Ce qui est montré est saisi dans l’immédiat, sans interprétation. Ce qui a comme conséquence de choquer la moralité, de transgresser les codes esthétiques.

Une peinture qui se joue de l’héritage pictural

En effet, la norme est renversée car ce qui n’est généralement jamais montré en peinture et ici exhibé sans pudeur. L’exposition dérange notre bienséance et bouscule nos représentations de l’usage classique de l’illustration. D’ailleurs l’artiste s’amuse avec l’illusion picturale puisque ces toiles sont inspirées de l’esthétique des illustrations réalisées à l’ordinateur. Il met à mal le passé pictural comme le suppose la toile au titre fautif Bonjour Monsieur Courbé. Dans cette toile, qui présente un serpent en train de contempler une peinture, il y a une double référence, à Courbet et Piet Mondrian. Si la technique prouve l’extrême précision de l’artiste, ce dernier affiche la volonté d’aller à contrecourant des peintures académiques. Le bouquet par exemple, rappelle la nature morte mais dévie du lieu commun puisque le vase possède des attributs sexuels masculins. Le visiteur doit alors s’impliquer lui-même dans l’exposition, démêler les sens cachés s’il ne veut pas être la dupe de l’artiste. Il y a donc une véritable tension entre graphisme enfantin et sens de l’œuvre.

L’attention du spectateur est sollicitée

L’artiste focalise son attention sur certaines parties du corps, ce qui peut-être considéré comme une technique pour opprimer le visiteur. Guillaume Pinard met en exergue des sexes mâles, des seins de femmes, des mains et des yeux. On souffre presque d’asphyxie. Et plus encore lorsque nous nous mettons à épier, comme dans Paysage dans les dunes. Ce tableau représente un paysage, au milieu duquel un personnage est pris sur le fait en train de déféquer, vu à travers des jumelles. Tout est permis puisque l’exhibition se dissimule sous des coloris édulcorés. Le dispositif joue donc aussi le contraste entre la dissimulation et l’exposition. L’artiste tente délibérément de nous contrôler : il nous cloître d’abord, puis joue avec notre regard. L’artiste a délibérément balisé lieux et toiles afin de fléchir notre libre-arbitre.

Un espace en effervescence

La tomate c’est aussi l’objet qu’on jette en signe de protestation, de critique contre les mauvais acteurs. Car, l’exposition « Tomate » soulève à la fois l’enthousiasme candide et le rejet stérile.
Sous la volonté exhibée de prendre le contrôle de la salle et des cerveaux, l’auteur ne parvient guère à canaliser son imagination. Les toiles s’éparpillent et l’on papillonne d’un thème à un autre, sans réelle cohérence. La première œuvre en entrant à gauche, tranche avec les autres. Elle est grave et sombre. Les formes géométriques rappellent la croix-gammée des nazis. Par ailleurs, en filigrane apparaît, comme un hommage à Anne Barrault, un A formé par les deux corps des personnages. Un éloge que l’on retrouve dans les initiales AB. Finalement ce désordre dans la scénographie est fidèle à l’incohérence entre le fond et la forme des toiles. Mais de l’irrationnel, naît le sens. Guillaume Pinard parvient à accoupler –to mate- l’ordre et le désordre, le mâle et la femelle –two mates-. Finalement, désorienté, nous interprétons ; et c’est ce qui constitue le véritable échec de la démarche artistique.

Guillaume Pinard, Wii, 2010

Journal MTI n°1 – Un Japonais à Paris


Kaz Oshiro à la galerie Frank Elbaz

Home Anthology (4 septembre au 23 octobre 2010)


par Marie Sophie Lhôte

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Kaz Oshiro est né en 1967 à Okinawa, au Japon. Il vit et travaille à Los Angeles.


La galerie Frank Elbaz accueille l’artiste japonais Kaz Oshiro. Il réalise des reproductions en trompe-l’œil d’objets usuels, qui sont en fait des peintures tridimensionnelles en acrylique sur toile. Les amplis utilisés en musique, les réfrigérateurs, les machines à laver forment les humbles sujets de son travail. Hybrides, ils brouillent la frontière entre peinture et sculpture.

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Ces œuvres sont des objets anodins qui témoignent d’un morceau de vie et qui incarnent le consumérisme américain. Ils s’interrogent sur la validité de leur présence dans le champ de l’art presque un siècle après le Porte-bouteille et la Fontaine de Duchamp. Pourtant ce ne sont pas des ready-mades mais bien des peintures tridimensionnelles. Comme des tableaux, la face arrière est laissée vierge et dévoile l’enchevêtrement complexe d’un châssis à peindre. Dans une perspective d’hyperréalisme fondée sur la rigueur de l’exécution en atelier, Oshiro procède à un enregistrement du réel et de ses altérations en produisant ce qu’il définit comme « des natures mortes en volume ». Il rend dans l’espace la précision photographique. Sa vision du monde, livrée à l’espace de la galerie par ces « definitely-not-ready-made », passe par le prisme méthodologique de l’artisan passionné.

Objets ménagers, ou le pop art revisité

Après s’être attaqué à la reproduction à l’exact d’éléments utilitaires et ménagers, Kaz Oshiro se frotte maintenant, avec une nouvelle série d’œuvres abstraites intitulées flats works et shelves, aux grands classiques de l’art américain. Ces modules de couleurs minimalistes font ouvertement références aux monstres sacrés américains comme Donald Judd, Mc Cracken ou encore Ad Reinhardt. Griffés et recollés au scotch comme ses autres objets, ils accusent, en apparence, le coup de la conservation domestique. De quoi achever de démystifier la présence de l’œuvre dans le salon du collectionneur, ici finalement réduite à sa pure fonction de design d’intérieur.

Avec une attention plus que marquée pour le détail et un intérêt pour la vie quotidienne, les pièces défient les conventions de la représentation et nous demandent de nous méfier de ce que nous voyons. A une époque saturée d’appropriation, les œuvres d’Oshiro se référent au Pop Art, à l’Art minimal et conceptuel sans tomber dans la servitude. Oshiro dit « essayer de créer des formes post-Pop Art qui juxtaposent Pop et Minimalisme au mouvement Néo-Géo (émergeant aux Etats-Unis dans les années 80 et prônant l’utilisation d’objets domestiques en matériaux sculpturaux), à l’Appropriationisme et au Photoréalisme, et les présenter comme une nature morte de (sa) génération ». Ces objets sont plus que de l’art sur l’art. Les autocollants punk-rock et tout l’attirail de la culture populaire révèlent la lecture précise et juste que fait Kaz Oshiro de la haute et basse culture américaine.

Peindre, sculpter avec une poubelle ou un micro-ondes

L’espace blanc de la galerie met en valeur ces objets typiques du quotidien qui forment une sorte de vitrine d’électroménager. Le sens de ces œuvres ne se livre pas directement. Que penser de ces casiers de classement bureautique, de cette énorme poubelle de rue ou encore de ce micro-onde? Ont-ils leur place dans la galerie d’art ? Ces interrogations font surface pendant que le visiteur déambule parmi ces non ready-made et il semble donc normal qu’il soit quelque peu dérouté par cette présentation. Mais après la consultation d’une documentation accompagnant les œuvres, il peut  se rendre compte que ces objets anodins sont plus qu’une poubelle de rue ou des amplis de guitare mais bien des œuvres picturales et sculpturales. L’artiste se dit en effet peintre et c’est d’ailleurs aux questions classiques que ses œuvres apportent des réponses. La perspective, l’accrochage et les surfaces (polies, griffées et tachées) transforment ces volumes en réelles peintures.

Il est possible que vous sortiez sceptique de la galerie. Mais vous ne serez sans doute pas les premiers ni les derniers. La Fontaine de Duchamp n’a-t-elle pas laissée son public dubitatif ? Cependant, qu’y a-t-il de plus adéquat pour critiquer le consumérisme américain que ces objets que l’on croise et utilise tous les jours ? Ceci n’est bien entendu qu’une partie du travail de l’artiste. Derrière ces œuvres, Oshiro adresse aussi un pied de nez à l’histoire de l’art dont il revisite les grands classiques : Duchamp avec ses « definitely-not-ready-made » ou le minimalisme et l’art conceptuel avec ses séries de flats works et de shelves. Il donne l’impression de rejouer l’avènement du tableau-objet hérité de Johns et Rauschenberg.

L’utilitaire détourné dans le champ de l’art

Cette exposition est intéressante dans les questions qu’elle suscite et dans les réponses que l’artiste donne de manière plus ou moins sensible en invoquant des références multiples. Quelle validité donner à des objets utilitaires dans le champ de l’art ? Quelle différence entre la culture classique et la culture populaire ? Comment se réapproprier les mouvements qui ont fait les grandes heures de l’histoire de l’art ? L’œuvre est-elle bien à sa place dans le salon d’un collectionneur ? Garde-t-elle son statut d’œuvre ou n’a-t-elle plus qu’une fonction décorative ? Et enfin, la question qui fait débat : qu’est-ce que l’art ? Ces interrogations sont présentes dans le champ de l’art depuis bien longtemps et Oshiro nous démontre qu’elles sont et seront sans doute d’actualité encore pendant un certain temps.
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KO - Disposal Bin, 2010 (Courtesy Galerie Frank Elbaz, Paris)

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L’Art contemporain au Louvre : le 22 septembre à 14h

Le 22 septembre, rendez-vous à 14 heures (13h45, sous la Pyramide), pour une rencontre avec Pauline Guelaud, chargée de production pour l’art contemporain jusqu’à 15h30. Nous discuterons de sa mission et de la place de l’art contemporain au Louvre.

Ensuite, Cyril Gouyette, chef de l’unité Education artistique au sein de la Direction de la Politique des publics et de l’éducation artistique, nous recevra pour une présentation générale de ses missions et de l’organisation du service des publics au Louvre.

Merci de préparer les questions que vous leur poserez!

ATTENTION! Il nous sera délivré des badges nominatifs. Veuillez vous munir d’un papier d’identité et éviter les gros sacs pour faciliter l’entrée.

Magali Nachtergael


Comprendre le XXe siècle des musées

Séminaire de l’EPHE « Comprendre le XXe siècle des musées »
Agnès Callu
École pratique des hautes études, EPHE
2010-2011
Direction d’études de Jean-Michel Leniaud

Conférence d’Agnès Callu
Le mardi de 18h à 20h
Salle EPHE de l’INHA
2, rue Vivienne
75002 Paris

Comprendre le XXe siècle des musées

Choisir d’installer sur la table universitaire le musée du XXe siècle comme objet historique suppose d’apprécier les enjeux politiques, sociaux, culturels et économiques qu’il suscite, à l’échelle de l’État comme des collectivités territoriales, dans une société ouverte à la novation esthétique et patrimoniale en même temps qu’elle adopte l’acculturation des codes hiérarchiques et les évolutions entrepreneuriales ou technologiques. Outre le commentaire, sur le mode historiographique, de la production scientifique du domaine – plurielle car distribuée, parfois en tensions, autour de deux pôles souvent opposés : l’Histoire culturelle et l’Histoire de l’art – un panorama des matériaux disponibles à la recherche s’avère l’indispensable préalable. Puis, prenant appui sur des fondations méthodologiques dès lors posées, plusieurs thèmes sont abordés, questionnant, en longue durée, le musée et ses représentations, entre élitism e social, promotion de la culture pour tous ou merchandising des biens culturels. Sont alors ouvertes et/ou creusées – souvent en diachronie à l’aide du témoignage d’anciens acteurs – plusieurs pistes de réflexion amenant à discuter la figure du musée dans les imaginaires collectifs, le capital symbolique d’un geste architectural, le trilogue entre l’œuvre, l’artiste et le conservateur ou bien encore la place des hommes : érudits, bâtisseurs ou décideurs dans la structuration et le fonctionnement de celui qui, entre désir et pédagogie, se définit comme « une institution permanente […] au service de la société et de son développement, ouverte au public, qui acquiert, conserve, étudie, expose et transmet le patrimoine matériel et immatériel de l’humanité et de son environnement à des fins d’études, d’éducation et de délectation […] ».

Séance 1). 23 novembre 2010. Objet(s), méthode(s) et historio-bibliographie(s)
Enjeux et perspectives (Agnès Callu)
L’IMEC et les fonds d’artistes (Yves Chèvrefils-Desbiolles)

Séance 2). 7 décembre 2010. Lire, interpréter et confronter les sources
Les fonds d’archives des Musées nationaux et de l’INHA (Catherine Granger et Martine Poulain)

Séance 3). 14 décembre 2010. Lire, interpréter et confronter les sources (suite)
Les archives du Musée national d’art moderne (Didier Schulmann)

Séance 4). 18 janvier 2011. Imaginer un musée
Gaëtan Picon : plaidoyer pour un nouveau musée d’art moderne (Agnès Callu)
Grand témoin : entretien de Robert Bordaz, ancien président du Centre Pompidou [audition et décryptage]

Séance 5). 1er février 2011. Bâtir un musée
Le Centre Pompidou-Metz : enjeux et chef-d’œuvres (Laurent Le Bon, CPM)
Grand témoin : entretien d’Émile-Jean Biasini, ancien secrétaire d’État aux Grands travaux [audition et décryptage]

Séance 6). 15 février 2011. Incarner un musée
Jacques Jaujard ou le mythe résistentialiste du Louvre occupé (Côme Fabre, ENS-Ulm)
Discutant : Écrire l’histoire du Louvre (Guillaume Fonkenell, Musée du Louvre)

Séance 7). 15 mars 2011. Travailler au Musée
François Mathey : les Arts décoratifs aux mains d’un conservateur révolutionnaire ? (Brigitte Gilardet, IEP de Paris)
Grand témoin : entretien de Germain Viatte, conservateur général honoraire du Patrimoine [interview enregistré et filmé]

Séance 8). 5 avril 2011. Développer un musée
La Réunion des musées nationaux : un établissement public en faveur d’une identité muséale française (Agnès Callu)
Grand témoin : entretien d’Irène Bizot, ancien administrateur général de la RMN [interview enregistré et filmé]
Discutante : Existe-t-il une appellation contrôlée « Musées nationaux ? » (Chantal Georgel, INHA) [sous réserve]

Séance 9). 17 mai 2011. L’artiste dans le musée
Au musée et dans les galeries : l’artiste et ses œuvres, 1930-1940 (Claire Maingon)
Discutante : Exposer les artistes vivants (Emmanuelle de l’Écotais, Musée national d’art moderne de la ville de Paris)

Séance 10). 31 mai 2011. Projets et conclusions
Présentation du projet éditorial « Dictionnaire historique et culturel du Louvre » (Yannick Lintz, Musée du Louvre)
Bilan de la conférence (Agnès Callu)

Ancienne élève de l’École nationale des Chartes (thèse publiée sur la Réunion des musées nationaux sous la IIIe République, Prix Lenoir) et de l’Institut national du Patrimoine (promotion Hubert Robert), Docteur en histoire contemporaine de l’Institut d’études politiques de Paris (thèse sous presse sur le philosophe esthéticien et critique d’art Gaëtan Picon, 1915-1976), Agnès Callu est historienne, conservateur du Patrimoine, chercheur associé au CNRS (Institut d’histoire du temps présent, IHTP), chargé de cours à l’Université Paris – Sorbonne (Paris IV) et à Sciences Po ainsi que chargé de conférences à l’École pratique des hautes études (EPHE)