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Les « oursolapins », de nouveaux jouets venus de Moscou

par Marina Pastoukhova

Avez-vous déjà vu des oursolapins? Quoi ? Vous pensez que ça n’existe pas ?  Eh bien, dorénavant si, au moins sous forme de peluches. Imaginés et cousus par une jeune créatrice de Moscou, Polina Pekatch, ces êtres insolites ont séduit non seulement des collectionneurs des « Teddy bears » mais aussi le jeune public qui adore jouer avec ces créatures en enlevant leurs pattes accrochées par des boutons. Nous avons réussi à échanger en exclusivité avec Polina sur ce sujet.

Aujourd’hui la famille de ces drôles d’ours grandit de plus en plus : après leur succès à l’exposition « Teddy Fun » à Saint-Pétersbourg où ils étaient choisis pour représenter le «visage» du salon, grands et petits amateurs de peluches commencent à les connaître et en demander un pour eux. Même l’idée des pattes qui s’enlèvent a paru tellement amusante que d’autres créateurs ont vite saisi du concept et se sont mis à fixer les membres de leurs peluches avec des boutons.

Les oursolapins ne se sentent plus les « extraterrestres » dans ce monde des « Teddys » car l’imagination de Polina continue à leur créer des frères aussi originals et étranges, en combinant toutes les matières possibles – cuir, tissus militaires ou anciens, châles à motif russe traditionnel.

En fait, c’est un morceau de tissu justement qui a inspiré la création du premier oursolapin. Tel Pinocchio, né d’un morceau de bois qui ne voulait pas être brûlé comme les autres, c’est un mètre de tissu destiné initialement pour un manteau qui a imposé son existence. Polina rêvait de fabriquer un ourson dès l’âge de 16 ans, quand elle regardait les images dans le portail des créateurs des jouets. Mais il a fallu attendre 7 ans avant l’apparition de son premier « bébé ». D’après la jeune créatrice, étudiante d’une école de design à Moscou, elle adore toute sorte de matériel artistique et parfois elle a même « l’impression que toute cette multitude des tissus, des dentelles, des couleurs veut l’expulser de sa propre chambre ». C’est ainsi que sa maison remplie de toutes sortes de matériaux, elle regardait le tissu du manteau dans une boutique et savait déjà qu’elle allait l’acheter, essayant tout de même de trouver au moins une excuse, pour justifier son achat. D’un côté, le tissu ressemblait à un caoutchouc marron et de l’autre c’était une fourrure artificielle douce d’un joli beige. Et hop ! Bingo ! Voici que l’idée d’une peluche bizarre lui traverse l’esprit : d’un côté un ourson vieilli, avec un bouton à la place de l’œil et de l’autre un lapin touchant !

Le tissu a été très compliqué à coudre, la machine mécanique n’y parvenait presque pas et les aiguilles ordinaires se cassaient à chaque fois, donc pour les sortir du tissu il fallait à chaque fois utiliser une pince. « La réalisation de l’oursolapin n’a pas été facile, raconte Polina, et en plus je me suis rappelée d’une poésie enfantine qui raconte l’histoire d’un ourson abandonné, que l’on a fait tomber par terre en lui arrachant une patte. » C’est ce souvenir qui l’a poussée à faire les pattes qui s’enlèvent en les accrochant avec des boutons de vêtements, ainsi le premier oursolapin pouvait être complètement décomposé (non seulement ses pattes, mais aussi sa tête et même la queue s’enlevaient).

Polina a failli abandonner le processus à plusieurs reprises, tant le tissu était compliqué. La peluche a mis du temps à venir surtout à cause de longues pauses dans  le travail. Une semaine seulement après avoir commencé, la créatrice a arrêté de coudre. Puis ont suivi presque 6 mois d’arrêt, avant que Polina ne retrouve la volonté de recommencer. Elle a été inspirée par un devoir à son école de design : il fallait inventer une image de marque pour une société imaginaire. « Je travaillais sur l’image d’un site de la prose littéraire d’avant-garde et c’est là où je me suis rappelée de l’oursolapin qui correspondait le mieux au caractère du projet. »

Après tout se passe comme d’un coup de baguette magique : une fois l’oursolapin fini et les examens passés, Polina voit une affiche de l’exposition Teddy à Moscou. Résolue d’y participer, elle décide de voir les organisateurs avec ses créations, n’étant pas sûre qu’elles correspondent vraiment à la catégorie « teddys». Et là non seulement l’oursolapin a été approuvé pour être exposé, mais les organisateurs décident de l’acheter. Polina qui à l’époque n’était pas renseignée sur les prix de ce type de travail, accepte de fabriquer un autre exemplaire de jouet presque en cadeau. Après ce succès, l’oursolapin va s’exposer à Saint-Pétersbourg où il devient l’image de la foire « Teddy Fun » 2011. Après tous ces défilés, il se fait acheter par un collectionneur de Londres, devenant ainsi l’ourson le plus cher vendu en Russie.

Aujourd’hui la fabrication de l’oursolapin reste artisanale et il existe un nombre d’exemplaires limité. Le prix d’un exemplaire varie autour de 150-200 euros. Mais juste après la première publication sur le Web, les fabricants des jouets à Saint-Pétersbourg ont volé l’idée des pattes fixées sur les boutons. Comme en Russie les droits d’auteur ne sont pas très bien protégés, il faut chercher de nouvelles idées plus vite que les concurrents n’arrivent à s’en saisir. En tout cas les oursolapins se préparent maintenant pour venir à l’encontre des amateurs de jouets européens, au Salon de l’Ours en Peluche en septembre à Paris. Donc le travail sur la nouvelle collection est en cours en ce moment. En même temps, Polina s’occupe de la diffusion de sa marque qu’elle a nommé « Aguai », ce qui veut dire « différent, autre » un chinois. Le site Web www.aguai.ru vient de voir le jour, elle prend part également à des concours et à des forums thématiques sur Internet. Pour le prochain salon, un tirage de cartes postales avec les oursolapins est également prévu. Polina rêve de créer une collection d’oursolapins plus accessibles pour les enfants, en utilisant des matières souples et sécurisées.

Les petits adorent l’idée des pattes qui s’enlèvent, cela les distrait beaucoup. Cela fait travailler aussi leur imagination, ils aiment changer des pattes et observer le résultat. En plus, avec plusieurs jouets, cela devient presque comme un jeu de construction. Les enfants ont l’habitude de demander : « Qui est sa maman ? C’est une ourse ou une lapine ? »

Apparemment, les enfants aiment bien l’originalité de ces jouets. Dans la culture enfantine soviétique, on a déjà connu un personnage difficile à définir mais adoré par plusieurs générations. Il s’appelle Tchébourashka, et aujourd’hui il y a même un musée qui lui est consacré. Créé dans un livre, il a été rendu vivant dans une série de dessins animés qui n’a pas perdu son actualité et est même traduite en plusieurs langues, y compris le japonais.

C’est ce côté de conte devenu la réalité qui attire les enfants envers les oursolapins et donc dans le futur proche, verra-t-on les oursolapins défiler dans les chambres des enfants du monde entier ?

Talents Hauts et le sexisme en littérature de jeunesse

par Camille Labousse

Le débat sur le « sexisme qui fait vendre »[1] en littérature de jeunesse ne date pas de ces dernières années. Les spécialistes de littérature de jeunesse ont depuis les années soixante-dix réfléchi à la question. Adela Turin fonde à cette époque la maison d’édition « Dalla parte delle bambine ». Depuis, nous assistons à un tarissement de la valorisation des personnages féminins dans la littérature de jeunesse. Nous subissons, manifestement, un phénomène de mode qui distingue une littérature pour filles et une littérature pour garçons avec ses systèmes de propriétés et de qualités particuliers aux lectrices et aux lecteurs. L’apparition, en 2005, des éditions Talents Hauts réagit contre cette tendance et propose de revisiter les personnages et les situations communément admises dans la littérature pour le public jeune.

Qu’est-ce que le sexisme en littérature jeunesse et comment Talents Hauts souhaite « lutter pour l’égalité des sexes » ?

Le sexisme en littérature de jeunesse

Le discours sexiste dans la littérature jeunesse n’est pas explicite bien entendu, mais il est autorisé à circuler et surtout à se reproduire puisque la majorité des ouvrages que les enfants lisent est proposée par l’Éducation nationale. Ces livres sont choisis pour leur qualité pédagogique et parce qu’ils participent, selon les thèses de Bourdieu, à la reproduction d’une culture. Ces textes ont donc une fonction sociale : ils doivent à la fois développer le goût de la lecture et favoriser l’intégration des enfants dans la vie. Ainsi, toute littérature doit être un modèle. Les sentiments tels que le courage, la volonté, la confiance en soi, les difficultés de la vie, le sens de l’honneur, la générosité ; l’amitié, le sens de la famille… qui y sont développés doivent servir d’exemple aux lecteurs. Or, ces caractères sont le plus souvent ceux des héros que des héroïnes. Cela s’explique par le fait que la majorité des personnages principaux en littérature de jeunesse sont masculins. Les personnages féminins n’ont que des rôles secondaires comme les grands-mères, les mères, les sœurs ou les amies intégrées à un groupe de garçons. Par ailleurs, la femme, qui gravite autour du personnage principal, ne peut être courageuse ou téméraire puisqu’elle est le symbole de la relation maternelle au héros. Elle tient le rôle de réconfort alors que l’homme, dans cette triade de personnages, apporte au personnage principal une distanciation critique qui vient le couper de la relation initiale avec la femme. Même si les lectrices parviennent à s’identifier aux héros masculins, elles retiennent le message de la mémoire collective, qui leur dit que les femmes se placent toujours au second plan.

Malgré cette tendance de la littérature de jeunesse à véhiculer les bonnes mœurs de la société, certains auteurs, éditeurs combattent cet état de fait. Ainsi, dès le XIXe siècle, les lecteurs voient émerger des héroïnes qui sortent des stéréotypes féminins, qui ne se conforment pas  à l’archétype de la petite fille modèle. Alice in Wonderland (1865) de Lewis Carroll rapporte les interrogations d’une enfant sur ce qu’elle est véritablement, ce que les autres pensent d’elle. Au XXe siècle, l’héroïne de la série Fifi Brindacier, créée par la Suédoise Astrid Lindgren en 1945, incarne la petite fille indépendante, malicieuse et épanouie.

La libération des mœurs et du progrès des droits des femmes dans les années soixante-dix a contribué à la dénonciation des rôles sexués caricaturaux dans les livres destinés à la jeunesse. Ainsi, l’essai d’Elena Gianini Belotti, Du côté des petites filles édité par les Éditions des Femmes en 1974, analyse le conditionnement des enfants par les adultes selon qu’ils appartiennent au sexe masculin ou au sexe féminin. De fait, l’ouvrage critique les méthodes pédagogiques scolaires. Durant la même période, des livres, devenus classiques depuis, ont ainsi vu le jour comme l’Histoire de Julie qui avait une ombre de garçon de Christian Bruel et Anne Bozellec, publié en 1976 aux éditions Le sourire qui mord et réédité en 2009 aux éditions Être. L’histoire raconte l’aventure de Julie, qui possède un caractère bien affirmé et original. Ses parents souhaitent qu’elle se conforme à l’image stéréotypée des petites filles modèles de l’époque. Mais, ainsi, Julie ne se reconnaît plus. Elle ne sait plus qui elle est, qui elle doit être. Un matin, la petite fille se réveille avec une ombre de garçon. Elle veut s’en débarrasser et décide de s’enfuir sous terre. Elle part donc creuser un trou dans un parc et rencontre un garçon qui pleure car il a le même problème : on le traite de fille à cause de ses larmes. Ils conversent ensemble et finissent par conclure qu’ils ont droit à la différence et au mélange des genres. Cet album analyse donc les effets de l’éducation oppressante des adultes sur les désirs des enfants et la capacité des enfants à dialoguer avec eux-mêmes, à se chercher et trouver leur identité.

À l’instar de ce mouvement des années 1970, l’association « Du côté des filles », depuis 1994, lutte contre le sexisme dans la littérature de jeunesse. L’association a pour but « d’élaborer un programme d’élimination du sexisme dans le matériel éducatif, de promouvoir des représentations antisexistes, de produire et diffuser des outils de sensibilisation destinés aux maisons d’édition, aux créatrices et créateurs, aux parents, aux pouvoirs publics.[2] »

Talents Hauts

Talents Hauts est une petite maison d’édition spécialisée dans la littérature de jeunesse. Même si la maison d’édition s’inscrit dans un secteur en plein expansion, elle s’est positionnée dans une niche : la lutte contre le sexisme. Alors que la mode actuelle est en la distinction de collections pour filles et pour garçons, Talents Hauts propose des ouvrages qui traitent du sexisme et qui s’adressent à un public tant féminin que masculin grâce à la constitution de collections mixtes. Talents Hauts procure ainsi aux enfants une littérature non conventionnelle.

Le catalogue des éditions Talents Hauts est sobre. Sur ce petit livret de vingt-quatre pages se trouvent le logo, qui reprend le nom de la maison d’édition inscrit en lettres blanches sur un fond noir, et la représentation d’un œil de personnage féminin. Ce choix des éditions Talents Hauts est en décalage avec la ligne éditoriale de la maison. Aux premiers abords, le désir d’égalité n’est donc pas ce qui ressort immédiatement. On peut prendre l’exemple des éditions Thierry Magnier qui, eux, ont choisi un ange, un être asexué, en guise de logo.

Lorsqu’on ouvre le catalogue, il n’y a ni appel à la résistance, ni slogan militant. Nous sommes dans l’univers de l’enfance. Les titres des collections ne sont néanmoins pas ambigus : Des livres pour les filles et pour les garçons à destination des enfants de 3-7 ans ou la collection Livres et égaux pour les enfants de 6-11 ans. Parfois même, les collections ne revendiquent rien de particulier comme la collection Ligne 15 à partir de 12 ans, Oops et Ohlala, Filou & Pixie. La collection Mini Dual Books et Dual Books tentent de faire lire l’anglais aux plus jeunes. Nous constatons donc que la volonté d’égalité n’est pas le seul parti-pris de la maison. Elle possède, en effet, deux lignes éditoriales bien distinctes. La première étant la lutte pour l’égalité des sexes, la deuxième étant la lecture bilingue sans traduction de l’anglais. D’ailleurs, sur la page d’accueil du site internet, le slogan « Une fille = un garçon » rivalise avec « Français/English ». Mais, la revendication antisexiste est mise en avant.

En France, la majorité des auteurs pour la jeunesse sont des hommes, or, en parcourant le catalogue des éditions Talents Hauts, on se rend compte que les auteurs femmes sont très nombreuses, mais plus encore, que les associations auteurs/illustrateur homme et auteure/illustratrice femme fleurissent. On n’est donc pas ici en présence d’un féminisme acharné, seulement d’une équité. Par exemple des associations auteure/illustratrice est possible comme dans Un cadeau pour papa (écrit par Coralie Saudo et illustré par Raphaëlle Michaud) ou l’inverse comme dans La princesse Rose-praline de Gaël Aymon et illustré par Julien Castanié.

Mélanie Decourt, porte-parole et présidente de Mix-Cité, et Laurence Faron, les deux créatrices de Talents Hauts, souhaitent que, devant les livres, tous les enfants se sentent égaux et que les différences de nature s’effacent. Ainsi, Talents Hauts organise-t-il un concours ouvert aux classes de CP et de CE1 de l’académie de Créteil. Les classes doivent produire un manuscrit « d’un album antisexiste ». L’idée de ce concours est de valoriser des enfants dont l’environnement est peu familiarisé à la lecture et parfois sexiste.

Un discours non conformiste

Certains titres d’ouvrages de Talents Hauts renvoient ironiquement à la ségrégation des genres en littérature jeunesse. Ils sont en effet une réactualisation des titres d’ouvrages stéréotypés qui pullulent chez les concurrents : La princesse et le dragon, Une reine trop belle, Blanche et les sept danseurs, Les petites-filles modèles… La ligne éditoriale ne s’éloigne guère de l’imaginaire de l’enfance : les personnages traditionnels des contes de fées ou d’aventures demeurent. Cependant, il y a bien un déplacement des conventions, puisque la jeune-fille dans bien des cas est l’héroïne de l’histoire ; ce qui a pour conséquence de créer de la nouveauté dans l’attendu. Par exemple, dans La princesse et le dragon, Elisabeth, l’héroïne ne subit pas l’aventure, elle est au cœur d’un parcours initiatique. Voici comment l’ouvrage est présenté : « La princesse Elisabeth est belle et vit dans un château. Elle doit épouser le prince Ronald. » Pour le moment, nous sommes dans une situation initiale traditionnelle de conte de fée… « Mais, un jour, un dragon détruit son château, brûle sa joli robe… », ce passage décrit l’élément perturbateur de l’histoire ; et accentue même les attributs généralement associée au personnage féminin. Nous sommes loin d’un débat féministe ! « … et emporte le prince. Elisabeth décide de poursuivre le dragon et de sauver Ronald. » Il y a manifestement un retournement des codes et des attentes du lecteur. La princesse n’est pas celle qui subit mais qui agit pour retrouver l’ordre initial. Bijou casse-cou fonctionne sur le même schéma : « Il était une fois une petite fille si belle qu’on eût dit une pierre précieuse. C’est pourquoi on l’appelait Bijou. Ses parents avaient l’intention de la marier à un prince qui la garderait enfermé dans un écrin de soie. Mais Bijou ne l’entend pas de cette oreille et décide d’échapper à ce sort en devenant casse-cou, très très casse-cou ». Caro des cavernes et Inès la piratesse, Une fille tout feu tout flamme, Combinaison gagnante, Doli, Indienne Pikuni font des personnages féminins des héroïnes courageuses. Les traits de caractères que sont le courage, la force, la persévérance attribués généralement aux héros garçons sont clairement alloués aux filles. Ainsi peuvent-elles rêver de liberté, se battre en compétition et se salir. Les personnages féminins ne correspondent plus aux normes de socialisation mises en avant dans la littérature de jeunesse en général. Elles se présentent comme des êtres complices, en somme, des anti-Martines. Les héroïnes ne dissimulent plus l’intime, elles prennent parole sur la place publique et apparaissent comme des nouveaux modèles féminins.

Certains albums se concentrent sur ce que signifie être un homme et être une femme. Ils cherchent à rompre avec les topoï qui sont véhiculés dans la littérature de jeunesse. Ainsi, dans Moi, mon papa, le père idéal n’est pas celui qui occupe une haute fonction sociale ou le plus viril, mais tout simplement celui qui se consacre à ses enfants. Ma mère est maire présente une famille composée d’une mère maire de la ville et d’un père au foyer. Dans Longs cheveux, un petit garçon a une grande chevelure. Je veux un zizi est le dialogue d’une petite fille qui veut faire du bruit, « gagner à la bagarre, être élue Père Noël et bricoler » et d’un petit garçon qui préfère « cuisiner, être le petit chaperon rouge et aimerait avoir un bébé dans son ventre ». Certains ouvrages donc rappellent avec humour la tendance qu’on les adultes à vouloir cantonner les activités des enfants selon leur sexe. Ainsi Dînette dans la tractopelle évoque les catalogues de jouet qui réalisent une partition entre les pages roses des filles et les pages bleues des garçons. Dans Je veux une quiziiine !, Baptiste rêve d’avoir une cuisine pour ses trois ans. Ces livres sont censés résoudre les problèmes des enfants en leur permettant d’apprendre que les autres enfants partagent aussi les mêmes situations. La fiction les sécurise. Les lecteurs explorent et formulent ainsi leurs propres sentiments.

Enfin, des ouvrages plus militants composent le catalogue des éditions Talents Hauts. Ils font référence à des sujets graves de la société, comme les stéréotypes et les violences perpétuées sur les femmes dans notre monde contemporain. Par exemple, Le débardeur rouge narre le désir d’une enfant d’entrer dans les canons de beauté actuels alors que Dis, pourquoi la dame est toute nue ? évoque le traitement de l’image féminine dans la publicité. L’album Samiha et les fantômes est au cœur de l’actualité puisqu’il traite de la soumission des femmes aux hommes. La joue bleue évoque les violences physiques qui leurs sont portées.

Les ouvrages de Talents Hauts ne sont pas révolutionnaires. Les thèmes traités correspondent à ce que les enfants et leurs parents recherchent. Talents Hauts demeurent une maison d’édition centrée sur la littérature de jeunesse et, par conséquent, ne s’éloignent guère de la norme que doit constituer ce type de littérature. Le lecteur doit tout autant que dans un autre livre, percevoir le message annoncé et l’assimiler. Les ouvrages agissent comme des documentaires puisque leurs sujets sont explicites : solitude, exclusion, racisme… Ils doivent instruire les enfants sur leur relation à eux-mêmes, à leur entourage et à la société. Cependant, l’originalité de Talents Hauts réside dans le traitement du discours. Ce dernier propose, en effet, aux enfants de nouvelles normes de société.

Bibliographie

Blampain Daniel, La littérature de jeunesse pour un autre usage. Ferand Nathan/ Editions Labor, 1979.

Perrot Jean et Hadeuque Véronique, Écriture féminine et littérature de jeunesse, La Nacelle, Institut Charles Perrault, 1994.

Perrot Jean présentation (de), Culture, Texte et jeune lecteur, Presses universitaires de Nancy, 1993.

Références :

Article du Monde Magazine de novembre 2009 : « Littérature jeunesse, Ce sexisme qui fait vendre».

http://www.talentshauts.fr/

http://www.ducotedesfilles.org


[1] Article du Monde Magazine de novembre 2009 : « Littérature jeunesse, Ce sexisme qui fait vendre».

[2] http://www.ducotedesfilles.org

Quoi, un savant fou ?

« Si vous ne pouvez expliquer un concept à un enfant de six ans, cest que vous ne le comprenez pas complètement. » Albert Einstein

par Julia Peeva

Les enfants sont dotés d’une curiosité naturelle pour l’environnement et le monde qui les entourent. La science et la technologie sont présentes dans leur quotidien sous la forme d’aimants collés à la porte du frigo à la maison, les plantes qui poussent dans leurs jardins, la lune et les étoiles qui brillent la nuit…  Et en grandissant, ces deux choses vont continuer à affecter leurs vies. Qu’est-ce qui se fait pour encourager cette curiosité et les aider à comprendre la science qui influencera leur futur ? C’est à une organisation américaine que l’on doit l’innovation dans l’organisation d’activités ludiques de découverte scientifique. Les enfants adorent les moments amusants et pleins de vie auxquels ils prennent une part réellement active.

La naissance des savants fous

Le concept de savant fou naît au États-Unis en 1994, au sein de l’organisation Hightouch Hightech. Il s’agit d’un animateur-savant (en France : titulaires du BAFA, formé selon une méthode exclusive et très éprouvée) qui intervient auprès d’un jeune public constitué d’une quinzaine d’enfants, souvent dans un cadre scolaire. En comparaison des cours de sciences à l’école, les ateliers se déroulent de manière ludique, où les enfants peuvent manipuler du matériel très varié, professionnel et sophistiqué, et faire partie des expériences proposées. Cette idée a vite suscité l’intérêt et séduit d’autres pays, et la franchise de ce concept n’a pas tardé à s’étendre au-delà des frontières de l’Amérique du Nord. En France, on les connaît comme les savants fous ou les savants en herbe. Leur objectif est de favoriser la pratique et la connaissance des sciences et de la technologie. Leur action est dirigée en priorité vers les enfants de quatre à douze ans, privilégiant une approche ludique et dynamique, permettant l’expérimentation directe dans son maximum. L’apprentissage de la science est perçue comme un plaisir, comme un jeu, et toujours agréable pour les petits savants.

Les activités

Les activités proposées peuvent être divisées en trois grandes catégories. La première comprend des ateliers en classe, qui se déroulent en présence de l’enseignant, et dont le contenu rime avec le programme scolaire. Ils sont totalement «clé en main» et peuvent être ponctuels, sur une séance, ou thématiques sur plusieurs séances. La deuxième touche à la création de clubs de science, dans le cadre périscolaire ; une heure d’amusement par semaine sur une trentaine de semaines au long de l’année scolaire, tout en apprenant des notions scientifiques conformes au programme scolaire, avec de nombreuses réalisations à rapporter à la maison ett des cadeaux – soit des objets liés à l’atelier en cours, soit des expériences à faire à la maison. Le dernier groupe de prestations sont des journées spéciales qui peuvent être organisées combinant ateliers et spectacle où tout le matériel est fourni par les soins des animateurs. Les fêtes d’anniversaire en font partie. Dans « Un Savant Fou sonne à la porte ! », les enfants vont s’émerveiller dès l’arrivée du savant. Ensuite, il va se présenter, par son nom de savant. « Bonjour, je suis professeur Atomixicus ! Répétez avec moi : Ato-mixi-cus» (c’est mon nom qui a été suggéré par le premier groupe d’enfants que j’ai rencontré à l’école Alouette lors de ma formation initiale. Et je l’ai gardé.)

Les ateliers après l’école

Chaque semaine, pour les clubs de sciences, il y a un thème de l’atelier. Oh ! Eau !, La Terre a la fièvre !, Allez, creuse ! et toutes sortes d’intitulés amusants qui plaisent aux enfants, attirent leur attention et les incitent à faire travailler leur imagination. Avant chaque début de semaine, chaque animateur passe une formation – les miennes se déroulent chaque samedi matin, entre 10 et 11 heures. Lors de ces dernières, on me montre le matériel, les expériences à faire et le message à transmettre aux enfants. Certains ateliers on pour but de sensibiliser les petits savants sur certains points importants – par exemple lors de l’atelier La Terre a la fièvre on parle du réchauffement climatique et les conséquences sur la nature, sur les animaux et les êtres humains. Mais les enfants apprennent comment cela se passe et comment ils pourraient contribuer à la baisse de la pollution en triant leurs déchets, en prenant des douches plus courtent et en se déplaçant à pieds ou en vélo le plus possible. Pendant chaque séance de science ludique, les enfants apprennent des termes et des notions scientifiques tout en manipulant du matériel professionnel.

C’est la fête !

Nos rendez-vous hebdomadaires sont un vrai bonheur pour les quatre groupes dans lesquels j’interviens. Dès que l’on se voit dans la cour de recréation, les petits savants m’entourent et me posent des tas de questions. Ensuite, on passe en salle pour commencer notre atelier. Nous faisons l’appel ensemble et chaque élève a le droit de poser une question scientifique à laquelle on réfléchit tous ensemble. Puis, on ouvre l’atelier souvent avec un terme scientifique – par exemple, lors de l’atelier Zygophénomènes (un mot compliqué qui ne veut rien dire), nous parlons des volcans, et nous apprenons le terme vulcanologue avec un U. Chaque savant fou décide du déroulement de son atelier, et l’ordre dans lequel il va présenter le contenu et les expériences. Et je garde le meilleur pour la fin ! C’est la fête : nous faisons entrer en éruption des volcans, et de la lave (qui bave) que les enfants vont rapporter à la maison ; nous recherchons de pierres précieuses comme de véritables géologues ; nous touchons un éclair grâce à notre appareil Tesla.

Le même savant fou intervient auprès des mêmes groupes d’enfant tout au long de l’année scolaire. Ainsi se tisse un lien avec les enfants, une forte complicité. C’est un vrai bonheur mutuel !
http://www.lessavants.fr/
http://www.lessavantsfous.fr/accueil/

Invitation spéciale…

 

Ils arrivent généralement en duo. Un des deux parents vient déposer à la porte d’une maison qu’il connait peu ou pas du tout, la petite dernière. Même pas anxieux à l’idée de laisser leur progéniture à quelqu’un d’autre : la mécanique est bien rodée. Des goûters d’anniversaire, elle en a déjà fait quatre ou cinq cette année, sans compter ceux des frères et sœurs. Il est 14h30, dans trois heures on viendra la chercher à cette même porte, elle sera un peu poisseuse (le sucre) et bien moins tonique (les dizaines de jeu, de disputes, de chants). Elle aura peut-être comme traces de l’après-midi un maquillage de papillon ou de chat et comme trésor, un gadget glorieusement remporté à la pêche à la ligne. Les poches du blouson seront pleines de bonbons, le ventre aussi.

Régine Sirota, professeur et socio-anthropologue, a perçu dans le rituel du goûter d’anniversaire une véritable mine d’or. Pour la première fois, une chercheuse prenait au sérieux ce qu’elle considère comme un véritable processus de socialisation. En croisant son statut de sociologue et celui de mère de famille, elle a disséqué la mécanique du goûter d’anniversaire, et a choisi de se plonger dans cet univers de fête, de rires et de cadeaux, considérant ainsi la quotidienneté de l’enfance.

L’anniversaire est assimilé par tous comme un rite de passage. Pendant la période de la petite enfance et de l’enfance, la première bougie, puis celles qui suivront, marquent le calendrier familial. Dans notre société, cet événement annuel est vécu comme une véritable célébration de l’individu, un jour déterminant, celui où l’enfant passe dans une nouvelle étape de sa vie.

Régine Sirota identifie trois sortes d’anniversaire : familial, « copinal » et scolaire. Nous aborderons ici l’anniversaire copinal, ou  goûter d’anniversaire car il laisse deviner à lui seul une « mise en scène des modes de socialisation »1 bien plus marquée, en mettant notamment en lumière les rapports sociaux de l’amitié, mais aussi de la popularité et donc parfois de l’inimitié.

En effet, en mettant en action une des règles du processus de l’anniversaire qui est l’invitation, l’enfant va se placer dans une logique sociale et affective qui lui demandera d’auto-évaluer plus ou moins consciemment sa place au sein du groupe, par une série de questionnements : Qui ai-je envie d’inviter ? Qui dois-je inviter ? Qui répondra à mon invitation ? Qui vais-je évincer de ma fête ? Puis-je inviter ce camarade sans me faire juger par le reste du groupe ?

Ainsi, R. Sirota pousse la notion de rite de passage un peu plus loin en assimilant également le goûter d’anniversaire à un « rite d’intégration sociale ».

Comme tout rite, le goûter d’anniversaire s’organise donc autour d’un certain nombre de règles, qui sont souvent réalisées dans un ordre bien précis : choix de la date de célébration, choix du lieu, sélection des invités, préparation de la fête, accueil des invités, jeux, divertissements, puis viennent les règles du goûter à proprement parler, avec le chant de célébration, l’action de souffler les bougies, de partager le gâteau, sans oublier le don des cadeaux. En échange, il y a la règle du contre-cadeau et le droit à la goinfrerie, tout au long de la fête.

Mais la mise en scène de l’anniversaire sera en amont conditionnée par ce que Régine Sirota appelle « les sphères d’influence ». La sphère marchande, la sphère médiatique et la sphère culturelle concourent toutes trois à rendre incontournable et indispensable le goûter d’anniversaire et sa présentation. Ballons et cotillons, vaisselle spéciale (souvent en carton), chapeaux, déguisements. Le gâteau sera si possible particulier, arborant une forme naïve ou originale, des paillettes ou des confettis en sucre, marquant ainsi le caractère exceptionnel de la journée.

Les cartons d’anniversaire, bien que tous différents, arborent en général une esthétique commune, qu’ils soient fabriqués, offerts par des magazines  dédiés à la cible des jeunes enfants ou par l’endroit choisi pour célébrer et organiser l’anniversaire (Buffalo Grill, Quick, etc.).

Les cartons sont souvent colorés, voir multicolores, il n’y a pas de retenue quant à l’usage des motifs et codes gais et rigolos: ça fait plus « festif » .

L’écriture est parfois hasardeuse; certaines fautes se glissent… mais ne parviennent pas à entacher le caractère honorifique de l’invitation. D’ailleurs, le carton d’invitation emprunte souvent le même modèle rédactionnel : « Je t’invite à mon anniversaire ». Le ton est donné, et la fête se déroulera donc autour d’un individu qui aura non seulement le plaisir de recevoir un cadeau de chaque invité, mais sera aussi souvent désigné comme maître de l’après-midi et des jeux collectifs.

Le rituel de don de la part des invités réagit lui aussi à une mécanique bien rodée. Ce cadeau est presque inévitable, car il est l’une des règles qui vient s’ajouter au carton d’anniversaire pour donner le droit de participation à la fête. Les parents des enfants conviés sont bien souvent acteurs de l’achat et déterminent par cet acte le statut qu’ils vont donner à leur enfant. Achèterons-t’il le dernier gri-gri à la mode ou un livre quelconque qui sera le vilain petit canard de la montagne de cadeaux ? Par ce principe du don et de l’échange (par le biais du contre-cadeau) l’anniversaire introduit ainsi l’apprentissage des civilités et de leur transmission, et par là-même, la contruction du lien social.

Le goûter d’anniversaire est en conclusion une célébration se situant à l’intersection de deux axes. Le rite traditionnel, dont les comportements et valeurs sont transmis de façon générationnelle, verticale; et le rite contemporain, l’axe horizontal, qui confronte les différentes sphères d’influences et contribue à donner une nouvelle dimension, plus médiatique, plus sociale, à l’événement.

Bibliographie indicative

– SIROTA Régine, « L’anniversaire, un exemple de manuel de civilité de l’enfance moderne », p. 231 à 237 in Sociétés et cultures enfantines, textes réunis par Djamila Saadi-Mokrane, actes du colloque international organisé par les CERSATES et CEF, Université Charles de Gaulle Lille 3, 06, 07 et 08/11/1997, Villeneuve d’Ascq, Université Lille 3, collection UL3 travaux et recherches, 1999,

– SIROTA Régine, « Prendre l’enfant au sérieux, un rite de l’enfance : l’anniversaire » in Eléments pour une sociologie de l’enfance, Rennes, PUR, 2006.

– MAI-VAN-CAN Malicia (propos de SIROTA Régine, recueillis par) « Pourquoi fêter l’anniversaire de votre enfant est-il si important ? », disponible sur le site « vosquestionsdeparents.fr », http://www.vosquestionsdeparents.fr/dossier/489/fete-danniversaire

Voyage à Metz – 1/12 (Centre Pompidou / Frac Lorraine)

Direction Metz le mercredi 1er décembre : consultez ici le programme de la journée.

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Point de RDV mercredi matin

–    Gare de l’Est à 8h00 devant la voie 19 pour prendre les billets.
–    Arrivée à Metz à 10h05. Direction le Centre Pompidou ⚠ Température prévue : -5°C

Visite du Centre Pompidou Metz

–    11h15 : accueil à l’entrée des personnels pour une visite des coulisses du Centre
–    12h00 : visite libre dans le Centre & l’exposition Chefs d’œuvres ?
–    13h30 : déjeuner libre

⇒ Pour se rendre au centre ville : ligne de minibus ARTIS (0,70€ le trajet – horaires joints au départ).

Visite du Frac Lorraine

–    15h20 : RDV à l’entrée du Frac Lorraine pour une rencontre avec le chargé des publics, Yannick Chelmis et une visite de l’exposition S’envoler les pieds sur terre

⇒ Adresse : 1 bis, rue des Trinitaires – Arrêt En Fournirue de la ligne ARTIS.

Retour à Paris

–    19h15 : RDV à la Gare de Metz. Arrivée à Paris Gare de l’Est à 21h19.

Journal MTI n°7 – Basquiat, sauve qui peut… la vie

Jean-Michel Basquiat : trop, trop, trop…de vie

par Olga Koniakhina

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Le musée d’Art Moderne de la ville de Paris présente, en collaboration avec la fondation Beyeler, une exposition dédiée au cinquantième anniversaire qu’aurait eu l’artiste américain, Jean-Michel Basquiat.

D’abord présentée à Bale, cette exposition, dite de grande ampleur jamais vue auparavant, est enfin à Paris. C’est vrai, l’exposition propose aux visiteurs douze salles, réparties par rapport à la période ou au thème privilégié par l’artiste : le tout début, l’art de SAMO, les dessins, des galeries diverses… Plus de 150 œuvres réunies, y compris des photographies et des objets, l’ensemble, énorme, semble un peu difficile à engloutir en une seule fois. Quand le schéma narratif n’est pas forcement linéaire et fait des allez et des retours « chez un galeriste, chez l’autre, période de dessin, période de graffiti, l’amitié », il devient facile de perdre le fil de narration, et de se perdre littéralement dans l’abondance d’information.

D’un autre côté, peut-on vraiment critiquer la volonté de raconter le maximum sur la personnalité d’un artiste qui a marqué son temps, et dont la vie artistique a brusquement commencé à l’âge de 18 ans, dont la vie réelle s’est brusquement terminée à 28 ans, comme les étoiles filantes que furent Janis Joplin ou Jim Morrison. En dix ans, un jeune homme a fait sa petite révolution dans le monde de l’art, en passant d’un continent à un autre ; en se montrant intellectuel sans trop conceptualiser ; en proclamant le retour d’expressionnisme, de la simplicité sans être pour autant minimal.

Cette exposition est un peu comme les œuvres de celui dont le 50ème anniversaire aurait été célébré en 2010 : un « univers mélange ». Ce mix de périodes et de thèmes révèle aussi le style de l’artiste, qui s’exprimait à l’aide des objets quotidiens, de dessins, de peinture… en y rajoutant ses réflexions sur ses racines, sur la politique, sur sa vie. Comme le dit  Fabrice Hergott, le commissaire général de l’exposition, « le traitement de ses références évoquent parallèlement le sampling et le scratching de la musique hip- hop : l’image est morcelée, isolée, répétée, enfouie mais toujours apparente sous les couches de peintures à la manière des palimpsestes».

Apparemment Basquiat fascine toujours autant, et il suffit de voir les gens faire la queue pendant une heure pour admirer ses travaux, dont la notoriété attire. Voici quelques oeuvres déjà célèbres que l’on a le plaisir de retrouver dans l’exposition : Jean-Michel Basquiat dans son atelier de Great Jones Street, New York, 1985 devant Untitled, 1985 (l’image qui figure sur l’invitation au vernissage), In Italian, 1983, Zydeco, 1984 et d’autres. Bien sûr, des images qui témoignent d’amitié entre deux personnalités clés de l’underground new yorkais des années 80, Warhol et Basquiat. Une amitié qui s’est avérée fructueuse pour les deux artistes.

Enfin, cette exposition parle de la vie d’un artiste, toujours riche en événements et dont on n’attend pas forcément de logique. Dans les douze salles s’étalent plusieurs années de travail, d’expérience, de rencontres, de discussion… Il faut tout simplement essayer d’écouter et d’observer pour saisir la complexité de la vie de l’homme et l’artiste que fut Basquiat.
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Courtesy ADAGP MAMVP

Jean-Michel Basquiat dans son atelier de
Great Jones Street, New York, 1985 devant Untitled, 1985

Journal MTI n°6 – Miroir, mon beau miroir…

Jean-Charles De Castelbajac and The Tyranny of Beauty.

par Iram Nazir_


Connu pour avoir révolutionné le monde de la mode avec des créations hautes en couleurs à caractère ludique, Jean-Charles De Castelbajac (ou JCDC) s’adonne pour la seconde fois à l’art contemporain en proposant du 11 septembre au 23 octobre 2010, une collection de tableaux fidèle à son style : un mélange de plusieurs univers dont celui de son enfance. Il intègre notamment des cartoons ou des logos publicitaires dans des œuvres classiques, ce qui crée un bouleversement assez original. Cependant, à  quoi veut en venir l’artiste ? Pour le savoir, immersion dans le monde décalé du créateur à travers son exposition : the Tyranny of Beauty.


Samedi 18 septembre 2010 : salle lumineuse, silence harmonieux, les quelques visiteurs présents à la B.A.N.K Galerie, rue Volta à Paris, étaient statiques, pensifs parfois souriants face aux œuvres picturales de Jean-Charles De Castelbajac, connu avant tout pour ses exploits dans le monde créatif de la mode. Avec relativement peu d’œuvres exposées (dix toiles de peinture à l’huile et sérigraphies, une toile en tissu et trois sculptures en plâtre), la petite galerie présente le travail de l’artiste d’une façon assez simple voire classique. Accrochées sur les murs, bien espacées, les peintures attendent, seules, qu’on vienne les observer. Le caractère visible et spacieux de la présentation est indéniable dû aux murs beiges qui donnent toute l’attention aux œuvres. Ce samedi, donc, la plupart des visiteurs étaient des visiteuses : une femme d’âge mûr et quelques jeunes filles, sans doute étudiantes et fans du créateur de mode. L’une d’entre elles murmura à l’oreille de sa copine : « C’est beau et marrant à la fois », une remarque qui reflète bien le caractère ludique des œuvres…

…attractives
Les tableaux, de formats plutôt imposants, ont été peints à l’huile. Ils représentent des chefs d’œuvres classiques comme la Naissance de Vénus de Botticelli, reproduits par des peintres chinois (et oui, les peintures viennent de Chine !), un aspect qui ne dérange absolument pas Jean-Charles De Castelbajac à partir du moment où ils sont faits exclusivement pour lui. Une fois la commande reçue, l’artiste s’approprie les œuvres en apposant par-dessus des logos publicitaires ou des personnages de dessins animés grâce à la sérigraphie : technique d’imprimerie, dérivée du pochoir, qui consiste à utiliser des écrans de soie interposés entre l’encre et le support.

On se retrouve alors devant des œuvres déroutantes comme un portrait de Marie-Antoinette entaché par une énorme croix rouge sur le visage ou le Botticelli envahi par une nuée de Blanche-Neige (symbole du danger de la beauté selon l’artiste). Les tableaux sont très attractifs grâce aux couleurs vives qui attirent l’œil du spectateur. Par ailleurs, on remarque la présence de trois sculptures en plâtre au fond de la salle. Elles représentent des bustes de femmes sur lesquels l’artiste a simplement ajouté des perruques de couleurs assez vives, marque de fabrique propre au créateur de mode Castelbajac.

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Jean-Charles de Castelbajac, White Goddess / White Princess, huile et sérigraphie sur toile, 270x175 cm, 2010. Photo. I. Nazir


Le message de l’artiste

Le thème de l’exposition est très intéressant et correspond à une actualité paradoxale de la part d’un créateur qui donne le ton dans le monde de la mode. Cette tyrannie de la beauté, édictée par les stylistes et les mannequins anorexiques qu’ils font défiler, rappelle en effet l’idée que la société impose un incessant désir de plaire selon des normes bien définies. La recherche de la beauté absolue et éternelle est tellement importante dans notre société qu’elle en devient même effrayante avec l’omniprésence des produits cosmétiques autour de nous. JCDC met en rapport deux époques et deux formes de terreur : la première correspond aux temps révolutionnaires du XVIIIème et XIXème siècle (comme celui des Trois Glorieuses) et la seconde est celle de la société actuelle. L’une est la terreur de l’Homme, l’autre celle de la beauté, toutes les deux pouvant être considérées comme une tyrannie.

Jean-Charles De Castelbajac a donc choisi d’illustrer sa pensée en reprenant de grandes œuvres classiques qu’il a volontairement dérangé en plaçant des logos, des signes ou encore des marques de produits de beauté. La beauté naturelle de ces tableaux est donc gâchée par l’utilisation de crème, de gélules ou autres artifices. Le travail de l’artiste met en évidence le fait que la quête permanente de  la beauté éternelle peut devenir une obsession et ainsi faire des ravages.

Parlons-en franchement
Le sujet et le concept de l’artiste sont assez intéressants et poussent à la réflexion. Seulement, Jean-Charles De Castelbajac donne peut-être une trop grande liberté d’interprétation en nous soumettant bien peu d’informations concernant les œuvres. Seule une simple étiquette indique le titre de l’œuvre, le type, les dimensions, c’est tout. Aucune explication, à nous de réfléchir et de faire notre propre enquête. Mais le message qu’a voulu faire passer l’artiste n’est très difficile à comprendre notamment grâce au titre de l’exposition qui aiguille judicieusement le spectateur qui ne se sent donc pas tyrannisé par l’incompréhension. Ironique, décalée, ambiguë, l’exposition de Jean-Charles De Castelbajac illustre un thème très intéressant à travers un bon concept. Belles œuvres, peu d’information, beaucoup de réflexion, The Tyranny of Beauty est une exposition que l’on peut aller voir si l’on a un peu de temps devant soi. Si ce n’est pas le cas, ce n’est pas si grave que ça, il est encore temps de faire un tour chez Sephora.

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Jean-Charles de Castelbajac, Glory in coma, huile sur toile, 265x210 cm, 2009. Photo I. Nazir



Journal MTI n°5 – Flavia Cocchi à la galerie Anatome

du 1er octobre au 11 décembre 2010

La Galerie Anatome est le seul lieu permanent en France d’exposition du graphisme contemporain

L’exposition éponyme « COCCHI » n’a rien à cacher. Entrez dans l’espace ouvert et lumineux de la galerie Anatome, scénographié par Flavia Cocchi elle-même : quelques caisses empruntées à la Poste suisse esquissent une construction dénuée de décorations. Nous sommes dans le vrai et le pratique. Presque dans la grille : ces caisses, modules en plastique gris sur lesquels on se plaît à s’asseoir, répondent au graphisme que nous découvrons bientôt et que la graphiste qualifie d’« utilitaire ».

Au rez-de-chaussée sont présentés ses livres, encastrés dans des blocs de mousse. Est-ce une façon pour Flavia Cocchi de mettre en valeur la délicatesse de son travail graphique ? Car sous son apparente rigueur et un pragmatisme tout à fait emprunt à la tradition helvétique, nous pouvons percevoir dans son travail une certaine fragilité, voire de la sensualité.
Ses quelques ouvrages en libre consultation permettent au visiteur de juger de l’utilisation des papiers, des matières. Parlons ici de ce petit livre, conçu à l’occasion de l’exposition  Passions d’orange, papiers d’agrumes. Il retrace la particularité et la finesse d’une collection de papiers d’emballage, a priori peu précieux, qui entourent les oranges italiennes. Flavia Cocchi n’a pas choisi pour ce livre un papier classique et passe-partout. Elle a décidé d’utiliser un papier délicat pas même imprimable en recto-verso (choix audacieux du point de vue de la réalisation); un papier à l’image de cette collection atypique. Pour l’ouvrage Nature en kit elle utilise une feutrine marron en guise de couverture. Pour le catalogue d’exposition Air en Forme, la couverture est gonflable. Simple mimétisme ou adaptation astucieuse du thème de l’ouvrage ? Visiblement, la lausannoise laisse libre cours à sa spontanéité, sans pour autant travailler sans filet.

Rigueur ET détournement des codes
Que ce soit en supprimant le titre d’un livre, en laissant couler le texte d’une page à l’autre sans ménager de marges, ou encore en laissant apparaître une grille de construction comme élément graphique d’une affiche, Flavia Cocchi semble aimer jouer avec les codes établis par la tradition graphique suisse.
C’est en découvrant le premier étage de la galerie, dédié aux affiches, que le travail de l’artiste prend soudain une grande résonance. Suspendus dans le vide, les grands formats découpent habilement l’espace.
Nous ne dirons donc pas que F. Cocchi renie son héritage helvétique, car l’affiche de l’événement « Criss+Cross » aurait vite fait de nous donner tort. Bien au contraire, elle s’en amuse et y revient parfois pleinement, comme en témoignent les affiches uniquement typographiques pour le Fonds d’art plastique de la ville de Lausanne. C’est sobre, construit, efficace : ne l’oublions pas, Max Miendinger,  Adrian Frutiger et Rudi Meyer font partie de son patrimoine.

Le processus révélé
Peu d’expositions de graphistes contemporains offrent aux visiteurs le privilège et la confidence du processus de création. Il permet parfois, par analyse comparative, d’apprécier d’autant plus ou différemment les compositions finales. Quand vous avez en face de vous cette affiche imaginée par Flavia Cocchi pour promouvoir la scène artistique en faveur des femmes atteintes du cancer, la sensation est déjà particulière. Cette grande surface rose tendre est ponctuée en son centre par un tout petit mot : seins. Il est écrit dans une typographie uniquement faite de ronds rouges. Des ronds, comme des seins. Des ronds, posés dans ce format comme des petits pois au fond d’une assiette. Le mot ne flotte pas, ce qui serait un échec en terme de composition. Mais le mot règne en maître, dans sa splendeur féminine. Il intrigue, on s’approche du texte en bas, et le pari est réussi ! Sous l’affiche sont exposées les étapes de recherche préalable et l’outil de réalisation de la proposition finale. Un petit tampon encreur rond, tout simplement.

Le graphisme est un jeu
Si vous avez l’occasion de vous rendre à cette exposition, vous ne pourrez pas manquer ce mur couvert des lettres de l’alphabet. à nouveau, la grille. Un jeu de mots croisés qui se déploie sur les trois niveaux (la galerie comporte une mezzanine). Peut-être regardera-t-on d’un autre œil ce jeu après la visite. Des cartes et des craies rouges sont à la disposition des visiteurs : ne partez pas si vite, et prenez le temps de chercher dans l’immensité soudaine de ce mur les mots qui inspirent ou ont inspiré le travail de Flavia Cocchi. Les associations fortuites que vous y trouverez n’engagent que vous. Ainsi, vous pourrez chercher pêle-mêle :
Chopin, fondue, Lissitzky, Nouvelle Vague, robe à pois, Gainsbourg, Nemours, Pantone, Renaissance italienne, Helvetica (bien sûr), risotto, Vian et bien d’autres. Flavia Cocchi nous entraîne aisément dans l’un de ses questionnements majeurs, celui de la lettre et de son rapport à l’espace.

Cette exposition de travaux graphiques laisse sans doute moins de place à l’interprétation et au questionnement que le ferait une exposition d’art contemporain à proprement parler. Les affiches, les livres parlent d’eux-même… Mais il ne faut pas relâcher son attention, car sous son apparente sobriété, le graphisme de F. Cocchi offre à qui le voudra l’appréciation d’un travail bien construit et malicieux.

Flavia Cocchi – Mudac, musée de design et d’arts appliqués contemporains
Lausanne / Affiche F4_ 2007


Journal MTI n°4 – Gabriel Orozco au Centre Pompidou


Gabriel Orozco. L’art géométrique.

par Mariama Diallo
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Jusqu’au 3 janvier 2011, le Centre Georges Pompidou consacre une exposition à Gabriel Orozco à travers 80 de ses œuvres. L’artiste n’avait plus exposé à Paris depuis sa première exposition intitulé « Clinton is Innocent », en 1998. Une belle occasion donc,  de découvrir ou de redécouvrir l’univers de cet artiste dans lequel dialoguent le paysage urbain et le corps humain.


Le thème du mouvement à travers les formes géométriques, reflète la vie nomade de ce mexicain né en 1962 à Jalapa, et qui vit aujourd’hui entre New York, Mexico et Paris, et qui ne se considère pas comme étant artiste mexicain par excellence, mais se définissant comme un homme libre, et appartenant à une culture universelle. Pour lui, la culture n’a pas de frontière, pas de nationalité, elle appartient à qui veut se l’approprier : « Je ne me définis pas comme artiste mexicain. On ne naît pas mexicain, cette détermination n’existe pas dans la nature. On devient la culture qui vous entoure, qui n’a pas de frontières géographiques, qui résulte plus d’un croisement d’influences et de hasards. J’ai grandi entouré de culture, française, anglaise et orientale, même si je chéris mes souvenirs d’enfance au Mexique. Je voyage sans cesse. Je n’ai pas d’atelier fixe. Internet n’a fait qu’accentuer ce mouvement qui m’est naturel. ».

Dans sa création, Gabriel OROZCO utilise différentes techniques artistiques, et nous présente ainsi un ensemble d’objets d’une très grande pluralité : photographies de ses interventions réalisées dans l’espace public (en majeure partie en Amérique du sud),  sculptures en terre cuite, collages, dessins, peintures et objets du quotidien détournés. La philosophie de l’artiste tient au fait que la création est une question de hasard et de paradoxe, c’est-à dire que la création des objets d’art doit émaner de la relation existante entre l’objet et l’environnement dans lequel il se trouve. C’est l’environnement qui donne à l’objet sa véritable beauté, l’artiste n’est que simple témoin de ce rapport. Ainsi, pour l’exposition, Gabriel OROZCO a choisi de laisser le plateau de la Galerie sud ouvert, sans cimaise, pour que l’extérieur puisse communiquer avec l’intérieur. Pour que les objets de la vie réelle dans l’espace public soient en communion avec les objets exposés dans le musée. L’expérience est d’autant plus intéresse que, lorsqu’on visite l’exposition on a l’impression d’être à la fois dedans et dehors, puisque l’environnement urbain dialogue avec la galerie.

L’artiste travaille très souvent à partir d’objets trouvés (déchets, objets usés, etc.) qu’il reconfigure d’une manière à leur redonner un nouveau souffle, un nouvel intérêt. Il se décrit comme étant un « consommateur de tout ce qui est à portée de main et un producteur de ce qui existe déjà ».

Les œuvres sont exposées sur trois supports différents : le sol, les murs et des tables de marché usées. Sur les murs sont présentées toutes les photographies, les collages, les peintures et les dessins, sur les tables de marché nous pouvons admirer quelques-uns des objets qu’il a utilisés pour réaliser ses interventions (dont certains ont leur photographie accrochée au mur, il existe donc un dialogue entre les œuvres elles-mêmes), par exemple nous retrouvons sur une des tables, un ballon de foot incisé de 25 cm de diamètre (2005) dont la photo est sur le mur. Il y a aussi des œuvres considérables comme la « French Flies » réalisée spécialement pour l’exposition, et qui représente des mouches écrasées sur des pierres. Au sol, nous retrouvons divers objets tels la « DS » (réalisée en 1997), une Citroën très étroite que l’artiste a fait découper en quatre dans le sens de la longueur, ou encore l’incroyable « Eyes Under Elephant Foot » (2009), un tronc de beaucarnéa (champignon) dont la surface est incrustée d’yeux de verre, très impressionnant à voir.

Gabriel OROZCO est un artiste post minimaliste, son travail dévoile cette volonté qu’avaient les minimalistes de préférer la sobriété, la simplicité (on pense à Mies van der Rohe et son «Less is more» – « Moins c’est mieux »), à l’art superflu qui correspond selon eux à l’expressionnisme abstrait et au pop art. Certaines œuvres d’OROZCO, comme par exemple l’œuvre intitulé « Black Kites » (1997), un crâne dessiné de damiers, ou encore le « Samurai Tree » (2006), une peinture représentant un arbre orné de feuilles symétriques, etc. rappellent énormément le travail des minimalistes très souvent basé sur des figures géométriques simples : Carl ANDRE, « 144 Magnesium Squares » (1969) ou Sol LEWITT «Incomplete Open Cube» (1974), etc.

Cette identité minimaliste apparait également à travers la présentation des œuvres. En effet, les objets exposés ne sont pas accompagnés de cartels. Les informations sur chaque œuvre exposée étaient répertoriées sur un plan-dépliant. Cette manière d’exposer est une volonté de l’artiste qui voulait que les œuvres parlent d’elles-mêmes. Une originalité est à noter : la performance qui met en scène lors de l’exposition, des acteurs jouant le rôle de policiers mexicains «importés» pour garder les œuvres.

L’exposition Gabriel OROZCO est en somme, une des nombreuses expositions de la rentrée qui en vaut le détour, car la variété des objets présentés et l’originalité de son travail plairont à un large public (dont les enfants).

Journal MTI n°3 – L’art brut japonais

Exposer l’art brut aujourd’hui

par Marion Moutafis

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Les œuvres d’une soixantaine d’artistes japonais atteints de maladies mentales ou de troubles du comportement sont actuellement exposées à la Halle Saint-Pierre, dans le 18e arrondissement de Paris, jusqu’au 2 janvier 2011.


L
es productions artistiques sont présentées sur deux étages : la salle du rez-de-chaussée est plongée dans le noir tandis que les travaux présentés au premier étage se détachent sur des murs blancs. Le visiteur est amené à s’interroger sur le choix d’une telle scénographie et peut se demander si la salle noire ne figure pas le chaos de l’esprit dont jaillit le geste créateur.

La sobriété des cartels est emblématique du parti pris de cette exposition. En effet, seuls sont mentionnés les nom et prénom des créateurs, le titre de l’œuvre lorsqu’il existe et les dates de réalisation. Aussi la pathologie de ces hommes et de ces femmes n’est-elle pas mentionnée, pas plus que ne le sont les circonstances particulières dans lesquelles les œuvres ont été produites (ateliers d’art thérapie par exemple). Beaucoup d’œuvres sont signées par leur créateur : le geste artistique est alors revendiqué.

Diversité des styles, variété des techniques.

Le visiteur est immédiatement frappé par l’hétérogénéité des pièces exposées et par la diversité des matériaux et des techniques utilisés : crayons de couleur, marqueurs, encre de Chine, papier millimétré, papier découpé, collage, broderie ou encore matériaux de récupération, entre autres. L’un des artistes a réalisé une sorte de mausolée avec des figurines pour enfants, des poupées, Pikachu, et autres personnages des mangas japonais. Il détourne également des objets du quotidien pour confectionner des insectes.

Chaque artiste s’est approprié un moyen d’expression particulier et un langage graphique singulier : on est donc surpris par la diversité des styles. Les œuvres exposées constituent une plongée dans l’intime, dans les profondeurs de la psyché d’individus confrontés à leurs angoisses, leurs obsessions et leurs souvenirs. L’expression artistique rendrait alors possible une purgation des passions qui touche le visiteur par son caractère très personnel. Les artistes retravaillent beaucoup la figure humaine. Seizo Tashima représente un Homme qui se fait exploser à l’aide de graines de magnolia disséminées sur un panneau blanc. D’autres artistes représentent des formes humaines oblongues, décomposées ou démembrées. On relève  également une tendance à la miniaturisation ou au contraire à la disproportion des graphismes. Dans Personnes, de Koji Kon, des taches noires envahissent l’espace de la toile. Hirotoshi Komoto, dans des dessins réalisés entre 1989 et 2008, représente des personnages démembrés. Shinishi Sawada moule des personnages fantastiques, hérissés de piquants, aux bouches entrouvertes et menaçantes. Enfin, Yoko Kubota dessine des séries de jeunes filles, figures grotesques à la chevelure imposante et aux yeux exorbités. Un dessin de Hirano Shinji datant de 2008, La Joconde, semble réinterpréter de façon ludique la toile de Léonard de Vinci en présentant une femme au buste dénudé réalisé au pastel.

Yoko KUBOTA, Jeune fille au déshabillé rouge, 2006, Mine de plomb, crayon de couleur sur papier aquarelle, 55 x 39,5 cm, collection de l’artiste. Droits réservés, Halle Saint Pierre.

Le même et l’autre.

D’autres productions artistiques interrogent l’identité en donnant lieu à des représentations de soi figurées : on pense alors à Mineo Ito et ses séries de dessins éponymes (2003-2008). Les pages sont saturées de signes qui répètent à l’infini le nom du créateur. Les artistes exposés interrogent également, à travers leurs œuvres, leur rapport aux autres et à la société en s’inspirant d’objets du quotidien : trains, cartes bancaires ou électroménager. Les œuvres sont parfois caractérisées par une forme de violence voire de cruauté, d’énergie brute. À cet égard, les dessins de Marie Suzuki sont particulièrement saisissants. Dans Memento Mori dans la boue, des monstres femelles ingèrent des jambes humaines. Le thème de la sexualité est traité de manière obsessionnelle sur le mode du déchirement, de la blessure. Les ciseaux sont récurrents et l’injonction qui compose le titre de l’un des dessins met en garde le visiteur : surtout, ne forniquez pas !

Marie SUZUKI, Tromperie à toute l’humanité, 2007, marqueur indélébile sur papier,
46 x 53 cm, collection Borderless Art Museum, NO-MA. Droits réservés, Halle Saint Pierre.

La création artistique apparaît donc comme l’expression d’une sensibilité exacerbée. Elle comporte parfois une déclaration d’intention, la revendication d’une humanité ou d’une empathie à l’égard d’autrui. Lorsque Yuji Tsuji dessine [S]a Ville vue de [s]on cœur, il se réapproprie l’espace urbain sur un mode intimiste. Kimiko Okuji clame quant à lui : J’aime tout le monde (2001). Yuichi Sukuta se lance A la recherche du café qu’[il] aimait et, enfin, Yoshio Hatano dessine ses Souvenirs de la maison : des œuvres minutieuses parfois empreintes d’une grande délicatesse.

« L’atroce poésie » de l’art brut.

La collection d’art brut japonais exposée à la Halle Saint-Pierre permet de reconsidérer la notion d’art brut aujourd’hui et son lien avec la culture populaire. Pour Jean Dubuffet, à l’origine de cette notion, il s’agit d’une « opération artistique toute pure, toute brute, réinventée par son auteur à partir de ses propres impulsions ». Il oppose donc à l’art brut, sorte de renouveau de la pratique artistique, un « art culturel », institutionnel, prisonnier des mouvements et des écoles, progressivement assujetti à une valeur marchande.

L’art brut est aussi l’art des marginaux – on parle même en anglais d’outsider art. Exposer cette collection d’art brut à Paris constitue donc un acte fort dont le visiteur doit prendre conscience. Il est assez difficile de se figurer à quel point la société japonaise contemporaine, traditionaliste et très hiérarchisée, est encore hostile aux marginaux. Autoriser de telles pratiques artistiques (des ateliers, des expositions), faire entrer les œuvres de ces artistes dans les collections des musées dans un pays comme le Japon est un acte militant qui permet de valoriser à la fois un travail créatif et des individus. L’art est un moyen de sonder l’espace labyrinthique de la psyché humaine.  Le rapport à la folie humaine n’est plus déterminant, ce pourquoi les cartels ne mentionnent pas la pathologie dont souffrent ces artistes japonais.


Se pose également la question de la démarche du visiteur : que vient-il voir au juste ? L’art brut exposé ne risque-t-il pas de s’institutionnaliser ? Le statut de l’art, celui de l’artiste, mais aussi plus largement celui de la culture sont interrogés. Dans la préface qu’il adjoint à Le Théâtre et son double en 1964, Antonin Artaud défendait une nouvelle conception de la culture comme « moyen raffiné de comprendre et d’exercer la vie ». Aussi l’art, à l’instar du théâtre dont il est question dans cet ouvrage, est-il « fait pour permettre à nos refoulements de prendre vie, une sorte d’atroce poésie s’exprime par des actes bizarres où les altérations du fait de vivre démontrent que l’intensité de la vie est intacte […] ». C’est bien cette intensité que le visiteur de l’exposition pourra ressentir, les productions de ces artistes japonais étant l’expression de « l’homme total, et non [plus seulement] social » (Antonin Artaud).

Références pour la scénographie


Bonsoir à toutes,

Puisque le thème de notre exposition se précise, je poste ce soir quelques photos de la scénographie du Festival Travelling à Rennes (édition 2006), festival de cinéma. Cette année-là, le thème était  » la ville, la nuit « .

Voici la scéno que nous avions mise en place pour le pôle enfant, qui comportait entre autres un espace lecture et l’exposition des travaux d’une illustratrice jeunesse .

La qualité des photos est déplorable – désolée – heureusement elle n’ont qu’une valeur documentaire !

 

Roven, revue de dessin contemporain

La revue Roven à Paris 13!


Jeudi 7 octobre, à 11h30 dans le cadre du cours « Culture de l’art contemporain », Marine Pagès et Johana Carrier, les fondatrices et rédactrices en chef de la revue Roven, dessin contemporain (publiée aux Presses du Réel), viendront présenter leur travail et le projet de la revue.

A vos questions!

Magali Nachtergael


La séance est ouverte aux autres étudiants de Master intéressés (édition) : salle D 116 (si libre) ou E 300

Liens : http://www.lespressesdureel.com/magazine.php?id=114
http://rovenrevue.blogspot.com/2009/02/roven-revue-critique-sur-le-dessin.html


Journal MTI n°2 – Guillaume Pinard, le retour

Guillaume Pinard de retour à la Galerie Anne Barrault

par Camille Labousse
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Cela faisait quatre ans que Guillaume Pinard n’avait pas exposé rue Saint-Claude à Paris. C’est donc avec curiosité que nous découvrons sa nouvelle exposition : « Tomate ». Étonnant, n’est-ce pas ? Pour en juger, il faut surtout se confronter aux œuvres et c’est là la véritable surprise. En sortant, l’on est désorienté. Mais qu’est-ce qui détonne ? Petit décryptage de cette exposition qui se tient du 4 septembre au 23 octobre 2010.

L’exposition « Tomate » est une présentation de vingt-deux peintures à l’huile sur carton bois, mais c’est aussi et avant tout une expérience dans laquelle l’on est invité dans l’univers coloré, graphique, enfantin de l’artiste. Car les murs de la salle close sont peints de façon à représenter un jardin devant une maison. L’espace fait donc partie intégrante de l’exposition. La salle est la mise en abyme des œuvres puisqu’elle est un rappel de l’effet de perspective cubique des tableaux. Les couleurs et les lignes horizontales parcourent autant la salle que les toiles. Les formes sont naïves et les couleurs primaires, ce qui renvoie au rouge primaire du titre de l’exposition. Guillaume Pinard en nous proposant un bestiaire composé de singe, serpent, âne, cochon, tigre, cheval et de personnages aux contours humains fait référence à l’imagerie de l’enfance. Ces œuvres sont dispersées sur trois hauteurs du mur : à hauteur d’yeux, au-dessus de la tête et en-dessus de la ligne des yeux, à hauteur d’enfant. On pourrait donc croire que les enfants sont à l’honneur mais, une esthétique de l’enfance ne signifie pas que ce qui est donné à voir est naïf. Les illustrations, sous couvert d’être bon enfant, tombent dans la trivialité. La technique esthétique pourrait plaire aux plus jeunes mais il réside une opposition entre la forme des peintures et ce qu’elles montrent. Faut-il donc les dérober aux regards ? Probablement, puisque certaines sont placées en-dessous de la ligne des yeux.

Le spectateur mis en position d’inconfort

« Rouge comme une tomate » n’est-ce pas une expression d’enfants ? Ce rouge c’est aussi la couleur du visage des adultes qui s’empourpre au fil de la visite. Car derrière le style trompeusement enfantin des peintures, se cache un univers scatologique, pornographique, sexuel : l’auteur peint le sexe féminin et des formes phalliques. Il y a une tension constante entre la masculinité et la féminité. D’ailleurs « Tomate » peut se comprendre comme Two mates, c’est-à-dire le mâle et la femelle. On pense aux curiosités naturelles des très petits enfants vers les choses basses du corps ; mais l’artiste dépasse la découverte. Lorsque Guillaume Pinard imagine un singe masturbant une femme, il le peint. Quand sa peinture figure une vierge, celle-ci est réellement pucelle, image à l’appui. Ce qui est montré est saisi dans l’immédiat, sans interprétation. Ce qui a comme conséquence de choquer la moralité, de transgresser les codes esthétiques.

Une peinture qui se joue de l’héritage pictural

En effet, la norme est renversée car ce qui n’est généralement jamais montré en peinture et ici exhibé sans pudeur. L’exposition dérange notre bienséance et bouscule nos représentations de l’usage classique de l’illustration. D’ailleurs l’artiste s’amuse avec l’illusion picturale puisque ces toiles sont inspirées de l’esthétique des illustrations réalisées à l’ordinateur. Il met à mal le passé pictural comme le suppose la toile au titre fautif Bonjour Monsieur Courbé. Dans cette toile, qui présente un serpent en train de contempler une peinture, il y a une double référence, à Courbet et Piet Mondrian. Si la technique prouve l’extrême précision de l’artiste, ce dernier affiche la volonté d’aller à contrecourant des peintures académiques. Le bouquet par exemple, rappelle la nature morte mais dévie du lieu commun puisque le vase possède des attributs sexuels masculins. Le visiteur doit alors s’impliquer lui-même dans l’exposition, démêler les sens cachés s’il ne veut pas être la dupe de l’artiste. Il y a donc une véritable tension entre graphisme enfantin et sens de l’œuvre.

L’attention du spectateur est sollicitée

L’artiste focalise son attention sur certaines parties du corps, ce qui peut-être considéré comme une technique pour opprimer le visiteur. Guillaume Pinard met en exergue des sexes mâles, des seins de femmes, des mains et des yeux. On souffre presque d’asphyxie. Et plus encore lorsque nous nous mettons à épier, comme dans Paysage dans les dunes. Ce tableau représente un paysage, au milieu duquel un personnage est pris sur le fait en train de déféquer, vu à travers des jumelles. Tout est permis puisque l’exhibition se dissimule sous des coloris édulcorés. Le dispositif joue donc aussi le contraste entre la dissimulation et l’exposition. L’artiste tente délibérément de nous contrôler : il nous cloître d’abord, puis joue avec notre regard. L’artiste a délibérément balisé lieux et toiles afin de fléchir notre libre-arbitre.

Un espace en effervescence

La tomate c’est aussi l’objet qu’on jette en signe de protestation, de critique contre les mauvais acteurs. Car, l’exposition « Tomate » soulève à la fois l’enthousiasme candide et le rejet stérile.
Sous la volonté exhibée de prendre le contrôle de la salle et des cerveaux, l’auteur ne parvient guère à canaliser son imagination. Les toiles s’éparpillent et l’on papillonne d’un thème à un autre, sans réelle cohérence. La première œuvre en entrant à gauche, tranche avec les autres. Elle est grave et sombre. Les formes géométriques rappellent la croix-gammée des nazis. Par ailleurs, en filigrane apparaît, comme un hommage à Anne Barrault, un A formé par les deux corps des personnages. Un éloge que l’on retrouve dans les initiales AB. Finalement ce désordre dans la scénographie est fidèle à l’incohérence entre le fond et la forme des toiles. Mais de l’irrationnel, naît le sens. Guillaume Pinard parvient à accoupler –to mate- l’ordre et le désordre, le mâle et la femelle –two mates-. Finalement, désorienté, nous interprétons ; et c’est ce qui constitue le véritable échec de la démarche artistique.

Guillaume Pinard, Wii, 2010

Visite du Musée de cire de l’hôpital Saint-Louis

Par Marie-Sophie Lhôte

De bon matin, intrigués par ce que recelait le musée de cire de l’hôpital Saint-Louis nous nous sommes retrouvés, les étudiantes et une partie des professeurs du Master MTI, devant l’entrée du musée. Nous savions à peu prés à quoi nous attendre mais ce que nous avons pu découvrir dépasser quelque peu voire de beaucoup ce que notre esprit avait bien voulu s’imaginer !

Après un petit historique de l’hôpital et des différentes épidémies connues par Paris au cours des siècles, Eric Bouhier nous a parlé de la genèse de la collection, plutôt particulière il faut bien le reconnaitre, de moulages en cire des différentes maladies dermatologiques. Certains d’entre nous, poussés par une curiosité médicale, avons fait le tour des 162 vitrines exposant des infections toutes plus horribles les unes que les autres. On se serait cru au siècle dernier, visiteurs des cabinets de monstruosités des foires itinérantes. Ainsi, avons-nous pu admirer les dégâts causés par la lèpre, les maladies vénériennes, les tumeurs cancéreuses et par bien d’autres contagions. Ce musée, quoi que déconcertant et étrange, est devenu un haut  lieu d’enseignement de la dermatologie et mériterait sans doute qu’un programme de restauration et de conservation soit mis en place afin que les moulages ne se détériorent pas davantage et que la salle qui les abrite soit remise en état.

Malgré quelques cris d’effroi, de dégoût et de hauts le cœur,  nous sommes tous ressortis indemnes de cette immersion dans le monde de la dermatologie ! Une fois notre souffle repris dans la douceur des jardins de l’hôpital, nous avons pu commencer à penser à nous restaurer !

Cireux que nous sommes

Par Anne Larue

Elles avancent, les genoux flageolants. Certaines ont rabattu un pan de tissu sur leur bouche, d’autres ne retiennent qu’à peine un gémissement d’effroi. Les étudiantes du MTI s’en souviendront, du musée de cire. Et quoique burinés par plus d’années qu’elles à rencontrer sur cette terre mille horreurs, nous, les professeurs, n’en menons pas beaucoup plus large.

Non, ce n’est pas à cause de la Guerre des Rats dans les sous-sols. Eric Bouhier, notre mentor  et ci-devant professeur du MTI (il est aussi scénariste, ne l’oublions pas) nous en a pourtant dressé un tableau saisissant : le ratus ratus, « réservoir » de la peste (le rat est réservoir, la puce est vecteur, faut pas confondre) a mené en secret de sanglants combats. Un soupçon de souffle épique ne messied pas en l’occurrence, car terrible et grande fut la Guerre invisible des Rats : comme Léonidas aux Thermopyles, ratus ratus a combattu, jusqu’à la dernière goutte de son sang, jusqu’à la dernière morsure de ses petites dents pointues, jusqu’au dernier coup de griffe, dérisoire dans sa grandeur, qu’il a tenté d’infliger à son ennemi mortel, ratus norvegianus. Il a perdu cette ultime guerre, mais cessons de verser des larmes : le nouveau venu qui n’est pas, lui, réservoir de la peste. Une chance pour les humains que nous sommes ! La peste s’éteint, fors, bien plus tard, les migrations de ses autres foyers. Par exemple, un imbécile de marchand descend de bateau pendant la quarantaine, pour vendre un bout de tissu, et condamne ainsi à mort la la moitié de la population de Marseille.

Il revient pour e venger : ratus ratus, un temps battu et replié, colonise de nouveau nos égouts. Frisson. La peste ! (Bah, dit Eric, cassant lui-même le suspense, deux comprimés de xxxxx® et il n’y paraîtra plus !)

Mais si ce n’est pas de la peste, de quoi avons-nous peur ? Mais des maladies de peau, bien sûr ! La dermatologie, qui nous semblait une discipline gentillette (rien de plus que des petits boutons partout ; on oubliait, ma foi, les urgences des grands brûlés) étale ses cires médicales, derrière d’antiques vitrines, sous nos yeux effarés. Le bubon frappe au sexe ou à l’aine, la plaie gangrenée à la cuisse ou au visage. Que de souffrances !

Hier j’ai vu dans la rue un bébé fort actif, qui portait au front une excroissance rouge grosse comme un œuf ; dans ma grande confiance en la médecine, j’en suis restée parfaitement guillerette. On guérira ce bébé, frais et rose si ce n’est ce léger problème. Mais les cires de l’hôpital Saint-Louis, qu’Eric Bouhier porte dans son coeur depuis ses études de léprologie dans ce même hôpital (car i lest aussi léprologue), portent le désespoir de l’incurable. De petites étiquettes à demi tombées en poussière rappellent l’âge, le nom, le sexe des malheureux patients ; mal conservées, négligées par la muséologie, les cires coulent doucement ; elles prennent une teinte cadavérique – cireuse, oui. Le musée médical est à nos yeux un musée des horreurs ; il nous frappe par la luxuriance et par la variété des maux qu’il permet de contempler si précisément, et nous transforme en voyeurs fascinés et horrifiés.

J’aimerais savoir si tout cela était nécessaire ; autrement dit, si pour guérir les maladies dermatologiques, il fallait vraiment identifier par le menu chacune de ces terribles affections. Cela me rappelle Foucault dans La Volonté de savoir : il évoque les psychiatres fin-de-siècle, fort occupés à « entomologiser les petits pervers ». Serait-on en présence de la même chose ? Sous couvert d’autorité médicale, les moulages en cire trahissent le goût du classement, le désir de la maîtrise, une curiosité cruelle, l’arrogance d’un certain surplomb confiant, sûr de posséder une science supérieure. Tout ceci est bien dans l’esprit du XIXe siècle finissant : dans ce musée désert, abandonné, où nous errons comme des fantômes glissant le long des vitrines en bois sur le parquet ciré, le XIXe siècle lui-même est conservé intact et mort, comme dans du formol.

Le musée de cires médicales de l’hôpital Saint-Louis est un trésor qui doucement tombe en poussière. Eric Bouhier, spécialiste des cires médicales (et scénariste, et professeur, et communicant, et léprologue, alouette, gentille alouette !), a déjà alerté le Ministère de la Culture sur le péril encouru par ce type de patrimoine. Sera-t-il entendu ? Les cires médicales font partie de notre patrimoine muséologique, même si elles n’ont pas été conçues originellement comme des objets d’art ; c’est toute la question des musées scientifiques aujourd’hui et de la conservation de ce patrimoine spécifique qui se trouve ici mis sur la sellette.

Comment organiser une expo : guideline indicatif

Cours de Anne Larue

Notes d’après Une expo de A à Z. Concevoir et réaliser une exposition

Par Sylvie Girardet et Claire Merleau-Ponty

OCIM, Le Musée en herbe, s.d.

Idées générales

–       double circuit de visite parents-enfants

–       aires de repos pour les jambes fatiguées

–       circuits pour les petits

–       fiches géantes plastifiées pour les adultes

–       handicapés ?

–       une expo peut être un plaidoyer pour, une défense et illustration

–       manger ?

–       gardiennage ?

–       protections, vitres…

–       pas trop d’objets exposés !

–       faire des fiches de prêt cosignées par le prêteur.

Scénographie : imaginer un parti-pris visuel pour la mise en espace

–       matériaux, décor, style

–       manipulation

–       hauteur des accrochages

–       signalétique (bois, PVC, ardoise, carton, tissu ?)

–       projections ?

–       circulation (zoning)

–       éclairage

–       rédactionnel : textes courts, fragmentés, faciles et lisibles. Typo ?

Enfants

–       pas trop d’objets

–       sigle près des éléments à eux destinés

–       un jeu par tranche d’âge ?

–       manipuler ?

–       atelier ou on fabrique soi-même ?

Un dossier 4 pages attrayant à diffuser auprès des contacts : guideline

–       fiche technique : thème, lieu, surface, durée

–       message que l’expo se propose de transmettre

–       détail des parties ou objets de l’expo : intérêt, valeur, spécificité, provenance, infos sur les objets, éventuellement coute bibliographie.

–       Mode de visite et manifestations prévues : conférence ? activités enfant ? spectacle ? projections ? ateliers ?

–       Intervenants, mécènes, leurs logos.

A diffuser aux journalistes, aux écoles, aux bibliothèques.

Prospectus en une page

A diffuser : mairies, offices de tourisme, hôtels, bibliothèques, ateliers de quartier, boutiques, personnalités locales.

Affiches

Emplacements publicitaires payants

Autobus

Rue

Magazines et journaux

Métro

Opérations de relations publiques

Réceptions

Réunion info

Conférence de presse (faut le vouloir !!!)

Budget

–       Scénographie

–       Communication

–       Diffusion (achat d’espace)

–       Création d’objets dérivés, cadeaux…

Journal MTI n°1 – Un Japonais à Paris


Kaz Oshiro à la galerie Frank Elbaz

Home Anthology (4 septembre au 23 octobre 2010)


par Marie Sophie Lhôte

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Kaz Oshiro est né en 1967 à Okinawa, au Japon. Il vit et travaille à Los Angeles.


La galerie Frank Elbaz accueille l’artiste japonais Kaz Oshiro. Il réalise des reproductions en trompe-l’œil d’objets usuels, qui sont en fait des peintures tridimensionnelles en acrylique sur toile. Les amplis utilisés en musique, les réfrigérateurs, les machines à laver forment les humbles sujets de son travail. Hybrides, ils brouillent la frontière entre peinture et sculpture.

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Ces œuvres sont des objets anodins qui témoignent d’un morceau de vie et qui incarnent le consumérisme américain. Ils s’interrogent sur la validité de leur présence dans le champ de l’art presque un siècle après le Porte-bouteille et la Fontaine de Duchamp. Pourtant ce ne sont pas des ready-mades mais bien des peintures tridimensionnelles. Comme des tableaux, la face arrière est laissée vierge et dévoile l’enchevêtrement complexe d’un châssis à peindre. Dans une perspective d’hyperréalisme fondée sur la rigueur de l’exécution en atelier, Oshiro procède à un enregistrement du réel et de ses altérations en produisant ce qu’il définit comme « des natures mortes en volume ». Il rend dans l’espace la précision photographique. Sa vision du monde, livrée à l’espace de la galerie par ces « definitely-not-ready-made », passe par le prisme méthodologique de l’artisan passionné.

Objets ménagers, ou le pop art revisité

Après s’être attaqué à la reproduction à l’exact d’éléments utilitaires et ménagers, Kaz Oshiro se frotte maintenant, avec une nouvelle série d’œuvres abstraites intitulées flats works et shelves, aux grands classiques de l’art américain. Ces modules de couleurs minimalistes font ouvertement références aux monstres sacrés américains comme Donald Judd, Mc Cracken ou encore Ad Reinhardt. Griffés et recollés au scotch comme ses autres objets, ils accusent, en apparence, le coup de la conservation domestique. De quoi achever de démystifier la présence de l’œuvre dans le salon du collectionneur, ici finalement réduite à sa pure fonction de design d’intérieur.

Avec une attention plus que marquée pour le détail et un intérêt pour la vie quotidienne, les pièces défient les conventions de la représentation et nous demandent de nous méfier de ce que nous voyons. A une époque saturée d’appropriation, les œuvres d’Oshiro se référent au Pop Art, à l’Art minimal et conceptuel sans tomber dans la servitude. Oshiro dit « essayer de créer des formes post-Pop Art qui juxtaposent Pop et Minimalisme au mouvement Néo-Géo (émergeant aux Etats-Unis dans les années 80 et prônant l’utilisation d’objets domestiques en matériaux sculpturaux), à l’Appropriationisme et au Photoréalisme, et les présenter comme une nature morte de (sa) génération ». Ces objets sont plus que de l’art sur l’art. Les autocollants punk-rock et tout l’attirail de la culture populaire révèlent la lecture précise et juste que fait Kaz Oshiro de la haute et basse culture américaine.

Peindre, sculpter avec une poubelle ou un micro-ondes

L’espace blanc de la galerie met en valeur ces objets typiques du quotidien qui forment une sorte de vitrine d’électroménager. Le sens de ces œuvres ne se livre pas directement. Que penser de ces casiers de classement bureautique, de cette énorme poubelle de rue ou encore de ce micro-onde? Ont-ils leur place dans la galerie d’art ? Ces interrogations font surface pendant que le visiteur déambule parmi ces non ready-made et il semble donc normal qu’il soit quelque peu dérouté par cette présentation. Mais après la consultation d’une documentation accompagnant les œuvres, il peut  se rendre compte que ces objets anodins sont plus qu’une poubelle de rue ou des amplis de guitare mais bien des œuvres picturales et sculpturales. L’artiste se dit en effet peintre et c’est d’ailleurs aux questions classiques que ses œuvres apportent des réponses. La perspective, l’accrochage et les surfaces (polies, griffées et tachées) transforment ces volumes en réelles peintures.

Il est possible que vous sortiez sceptique de la galerie. Mais vous ne serez sans doute pas les premiers ni les derniers. La Fontaine de Duchamp n’a-t-elle pas laissée son public dubitatif ? Cependant, qu’y a-t-il de plus adéquat pour critiquer le consumérisme américain que ces objets que l’on croise et utilise tous les jours ? Ceci n’est bien entendu qu’une partie du travail de l’artiste. Derrière ces œuvres, Oshiro adresse aussi un pied de nez à l’histoire de l’art dont il revisite les grands classiques : Duchamp avec ses « definitely-not-ready-made » ou le minimalisme et l’art conceptuel avec ses séries de flats works et de shelves. Il donne l’impression de rejouer l’avènement du tableau-objet hérité de Johns et Rauschenberg.

L’utilitaire détourné dans le champ de l’art

Cette exposition est intéressante dans les questions qu’elle suscite et dans les réponses que l’artiste donne de manière plus ou moins sensible en invoquant des références multiples. Quelle validité donner à des objets utilitaires dans le champ de l’art ? Quelle différence entre la culture classique et la culture populaire ? Comment se réapproprier les mouvements qui ont fait les grandes heures de l’histoire de l’art ? L’œuvre est-elle bien à sa place dans le salon d’un collectionneur ? Garde-t-elle son statut d’œuvre ou n’a-t-elle plus qu’une fonction décorative ? Et enfin, la question qui fait débat : qu’est-ce que l’art ? Ces interrogations sont présentes dans le champ de l’art depuis bien longtemps et Oshiro nous démontre qu’elles sont et seront sans doute d’actualité encore pendant un certain temps.
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KO - Disposal Bin, 2010 (Courtesy Galerie Frank Elbaz, Paris)

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Visite du MTI à Livres au trésor

Compte rendu rédigé par Marion Moutafis, étudiante du master 2 pro MTI.

Mercredi 15 Septembre 2010, nous avons rendu visite à Véronique Soulé, laquelle dirige avec passion Livres au trésor, un centre de ressources sur la littérature jeunesse à Bobigny. La rencontre a eu lieu dans un contexte particulier, marqué par l’incertitude concernant l’avenir de Livres au trésor. En effet, le Conseil Régional a décidé de ne plus subventionner la structure, ce qui entraînerait sa fermeture définitive et sans doute une dispersion du fonds documentaire.

Livres au trésor est bien plus qu’une bibliothèque : Véronique Soulé soutient des projets ambitieux, organise des rencontres stimulantes et encourage les partenariats entre les différents médiateurs du livre. Un comité de lecture réunit régulièrement des bibliothécaires et des documentalistes de la Seine Saint-Denis. Leur sélection annuelle fait alors l’objet d’une publication particulièrement soignée.

Notre visite nous a permis d’affiner la notion autour de laquelle nous allons travailler ce semestre pour monter notre exposition, celle de petites maisons d’édition et d’éditeurs indépendants. Une grande maison d’édition peut tout à fait éditer de bons livres pour la jeunesse en soignant le contenu, l’esthétique et le graphisme de ses publications, tandis qu’une petite maison d’édition peut publier de mauvais ouvrages. Les réticences des parents peuvent également peser sur la réception de certains livres, tels Je te tiens de Benoît Jacques qui plaît beaucoup aux enfants, mais que les adultes ont parfois jugé trop violent. À travers plusieurs exemples de parutions récentes et d’ouvrages offerts aux jeunes enfants de la Seine Saint-Denis par le Conseil Général, nous avons eu un bon aperçu des livres d’artistes pour les enfants et des jeux sur l’objet-livre, sur sa matérialité, sa mise en page et son contenu. Ces innovations formelles et graphiques sont aussi un moyen d’interroger les rapports entre texte et image, particulièrement féconds dans les livres pour enfants. La table ronde du 15 septembre à Livres au trésor constitue donc une première séance de réflexion qui prélude à la mise en place de l’exposition du Master 2 MTI. Un travail à suivre !