Tous les articles par Magali Nachtergael

A propos Magali Nachtergael

Maîtresse de conférences en littérature et arts contemporains, Université Paris 13.

Exposition L’Atelier de l’artiste – 2 au 6 décembre – Café Expo (Villetaneuse)

Les étudiantes du Master 2 MTI Métiers du Texte et de l’Image (Université Paris 13 Sorbonne Paris Cité) vous proposent de venir découvrir l’univers de l’Atelier de l’artiste contemporain autour de sept œuvres qui mettent en scène des pratiques plastiques variées et questionnent la fabrication de l’art aujourd’hui.

Vos sens seront en éveil du 2 au 6 décembre 2013 au Café Expo sur le campus de Villetaneuse (Forum) grâce à la présence d’artistes aux horizons très différents : John Baldessari, Julia Maria Lopez Mesa, Pascal Lièvre, Hicham Berrada, Hugo Laruelle, David Rodriguez,  Jonathan Loppin.

A très vite pour le vernissage qui aura lieu le lundi 2 décembre à partir de 11h30 !

Les étudiantes M2 MTI – Métiers du Texte et de l’Image

Exposition l’Atelier de l’artiste
Au Café Expo – Campus de Villetaneuse
Du 2 au 6 décembre de 10h à 17h

Pour nous rejoindre

https://www.facebook.com/pages/LAtelier-de-lartiste/179709915566983?skip_nax_wizard=true

2 au 9 décembre Café Expo Université Paris 13 - Villetaneuse
2 au 9 décembre
Café Expo
Université Paris 13 – Villetaneuse

L’Atelier de l’artiste par les MTI

 

Réflexion de Grégoire de Tours, fondateur de l’Histoire de France


Bien sûr à l’époque, l’évêque Grégoire de Tours s’inquiète de l’affaiblissement de son Eglise, mais plus encore, de celui de la « culture des lettres et des sciences libérales ». On remarquera que son entreprise de garder la « mémoire des choses passées » ne lui font pas occulter les « querelles des méchants, ni la vie des gens de bien ».

« La culture des lettres et des sciences libérales dépérissant, périssant même dans les cités de la Gaule ; au milieu des bonnes et des mauvaises actions qui y étaient commises, pendant que les barbares se livraient à leur férocité et les rois à leur fureur ; que l’Eglise était attaquée par les hérétiques et défendue par les catholiques; que la foi chrétienne, fervente dans la plupart des cœurs, était, dans quelques autres, tiède et languissante ; que les Eglises étaient tour à tour enrichies par les hommes pieux et dépouillées par les infidèles, il ne s’est rencontré aucun grammairien, habile dans l’art de la dialectique, qui ait entrepris de décrire ces choses soit en prose, soit en vers. Aussi beaucoup d’hommes gémissaient disant : «  Malheur à nos jours! l’étude des lettres périt parmi nous, et on ne trouve « personne qui puisse raconter dans ses écrits les « faits d’à présent. » Voyant cela, j’ai jugé à propos de conserver, bien qu’en un langage inculte , la mémoire des choses passées, afin qu’elles arrivent à la connaissance des hommes à venir. Je n’ai pu taire ni les querelles des méchants ni la vie des gens de bien. » (…) »

Préface à l’Histoire des Francs, Grégoire de Tours, écrit de 574-594, trad. M. Guizot (1823).

Les Visual Studies et le monde francophone (6-7 janvier, Paris)

Un colloque sur les Visual Studies organisé par Gil Bartholeyns (chaire d’Etudes visuelles, Lille 3) du jeudi 6 au vendredi 7 janvier au Musée du Quai Branly


Programme

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Jeudi 6 janvier 2011

9h30   Accueil

10h00-10h15  Gil Bartholeyns (Université Lille 3 / CNRS)
Introduction

10h15-11h00  Stéphane Roth (Université de Strasbourg)
Cartographier le débat, du « mythe » au « projet »

11h00-11h15  Pause

11h15-12h00  Daniel Dubuisson (Université Lille 3 / CNRS) et Sophie Raux (Université Lille 3)
Visual Studies : matériaux pour une approche pluridisciplinaire

12h00-12h45  Thierry Lenain (Université Libre de Bruxelles)
Raisons et enjeux de la création d’une unité de recherche sur l’image et la culture visuelle

12h45-13h45 Déjeuner

13h45-14h30 Carl Havelange (Université de Liège)
« Par ma foi ! il y a plus de dix ans que je dis de la  prose sans que j’en susse rien »

14h30-15h15  Nicholas Mirzoeff (New York University)
On se regarde enfin : for the right to look

15h15-16h00  Maxime Boidy (Université de Strasbourg)
Matérialisme pictorial et reconnaissance du visible.  Politiques des Visual Studies

16h00-16h15 Pause

16h15-17h00  Audrey Leblanc (EHESS)
Quelle histoire de l’image photographique dans la
presse ?

17h00-17h45 Gianni Haver (Université de Lausanne)
Dix mille semaines d’images. Questionnements de méthode autour d’une démarche d’analyse de la
presse illustrée en Suisse.

Avec l’aide et la participation de Isabelle Decobecq
(Lille 3) et Gaby David (EHESS)

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Vendredi 7 janvier

9h15   Accueil

9h30-10h15  Thomas Golsenne (Villa Arson, Nice)
L’étude de la culture visuelle est-elle une iconologie ?

10h15-11h00  André Gunthert (EHESS)
Les agents secrets de l’Agency. Culture populaire et pouvoir des images

11h00-11h15  Pause

11h15-12h00  Morad Montazami (Musée du quai Branly / EHESS)
Art contemporain et ethnographie : le collage de la  culture

12h00-12h45  Magali Nachtergael (Paris 13)
Matérialité de l’image dans la littérature contemporaine : un nouveau paradigme

12h45-13h45 Déjeuner

13h45-14h30   Arnaud Maillet (Université de Strasbourg)
Le cercle, l’image et le regard. Étude d’un cas de miroir divinatoire

14h30-15h15  Pierre-Olivier Dittmar (EHESS)
Existe-t-il une iconographie populaire au Moyen Âge ?

15h15-16h00  Matthias Steinle (Paris 3)
Regard parallèle : la Medienwissenschaft d’outre-Rhin

16h00-16h15  Pause

16h15-17h00  Rémy Besson (EHESS / IHTP)
Écrire l’histoire du film La Cité de la peur (1994) : de la forme visuelle à l’appropriation des dialogues

17h00-17h45  Pierre Lagrange (Université d’Avignon) et Anne-Lise Dall’Agnola (Université d’Avignon)
Rencontre du 3e type

17h45-18h15  Ralph Dekoninck (Université catholique de Louvain) et Gil Bartholeyns (Université Lille 3 / CNRS)
Conclusion discutée

Sur un Plateau, le Frac Ile de France


Le Plateau : un lieu d’échanges artistiques

par Iram Nazir
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En France, quelques grandes institutions participent à la transmission de la culture. En accord avec le Ministère de la culture, les FRACs (Fonds Régional d’Art Contemporain) jouent aussi un rôle important dans le partage du monde culturel et artistique en France, particulièrement en art contemporain. Mais à quoi ressemble cette institution et comment est-elle représentée en Ile-de-France ?


Entrée du Frac (à l’arrière-plan Jean Luc Godard, Lettre à Freddy Buache, 1981) Photo Martin Argyroglo. Courtesy Frac IDF.

Qu’est ce que le FRAC ? Et le Plateau?
Créé en 1983, le FRAC est une institution qui favorise la création artistique, achète des œuvres et les diffuse dans des lieux partenaires en région. Le FRAC a essentiellement trois missions : la constitution d’une collection artistique, la diffusion par le billet de prêt d’œuvre et la médiation culturelle. Tout cela pour qu’il y ait une vraie sensibilisation du grand public à l’art contemporain.

En 2002, la région Ile de France et la Ville de Paris ont soutenu la création du Plateau (dans le 19ème arrondissement de Paris), un espace d’exposition du FRAC Ile de France. A partir de ce moment, le FRAC a pu développer son activité en favorisant l’accès aux œuvres. De plus, c’est devenu un centre d’art où ont lieu des productions d’œuvres (le FRAC finance la réalisation de ces œuvres), des expositions inédites (expositions temporaires), que le public peut enfin visiter.

Le fonctionnement d’un FRAC
Avec 900 œuvres dans sa collection, le FRAC Ile de France est dirigé par Xavier Franceschi qui a un rôle important dans le choix des thèmes d’exposition mais aussi dans le choix des artistes. Xavier Franceschi ne choisit pas seul, il est accompagné d’un comité artistique qui se réunit deux fois par an pour choisir les œuvres à acheter. Ce choix doit être validé par le conseil d’administration. Le FRAC Ile de France a le statut d’association majoritairement financée par la région Ile de France, le Ministère de la culture et la Ville de Paris (96% du financement vient des fonds publics), son budget annuel est de 305 000 euros. La collection du FRAC est donc publique, par conséquent, elle est soumise à l’inaliénabilité : les œuvres ne sont pas à vendre… elles font partie du bien public.

Le Plateau et l’enseignement
La médiation culturelle est une des missions du FRAC, surtout auprès des enfants et des jeunes. Une équipe de 13 personnes travaille avec les 3 académies d’Ile de France  (Créteil, Paris et Versailles) afin de proposer à la jeunesse un véritable accès au monde artistique contemporain. L’action culturelle éducative se développe essentiellement à l’Antenne, espace pédagogique situé au 22 cours du 7ème art à Paris. L’équipe de l’action culturelle dont est chargé Gilles Baume, propose plusieurs activités pour que les enfants découvrent l’art de façon ludique : peinture, photographie, collages, etc. Toutefois, l’équipe veille à ce qu’il y ait toujours un lien avec le programme de l’Education nationale. D’ailleurs, elle accueille une fois par semaine un enseignant, le critique d’art Judicaël Lavrador, qui les aide à établir des programmes spécifiques. L’organisation du FRAC a donc une vraie volonté de transmettre un savoir artistique auprès des plus jeunes.

L’exposition actuelle au Plateau
Chaque année, quatre expositions temporaires sont organisées au Plateau. Deux d’entre elles sont réalisées par le directeur même du FRAC, Xavier Franceschi, les deux autres sont organisées par un commissaire d’exposition invité, actuellement, Guillaume Désanges. Il a notamment organisé une série d’exposition intitulée « érudition concrète », mettant en avant la relation que les artistes entretiennent avec les œuvres en insistant sur le lien entre art et savoir. Ainsi, se succèdent diverses expositions sur ce thème : « La Planète des Signes » ;  « Prisonniers du soleil » ; et la prochaine, qui s’intitulera « Nul si découvert ».

La dernière l’exposition orchestrée par Guillaume Désanges au Plateau avait pour titre Les vigiles, les menteurs et les rêveurs (15 septembre-14 novembre 2010) dans laquelle les artistes, à travers leurs œuvres, observent l’actualité, les évènements, la politique et l’Histoire. Les œuvres exposées, de natures hétéroclites, faites d’assemblages ou installations, avaient toutes pour point commun que ces artistes contemporains ont fait usage des documents pour faire passer un message politique, au risque de la fiction.

« Les vigiles » sont ceux qui surveillent l’actualité. « Les menteurs » sont ceux qui falsifient les documents pour mettre en avant une réalité historique. Walid Raad, artiste libanais exposé au Plateau,  l’a d’ailleurs fait en travaillant sur les guerres du Liban. Il veut faire transmettre un traumatisme de la guerre en falsifiant des archives à l’aide de gommettes collées dessus.
Enfin, « les rêveurs » est une appellation qui s’adressent plus à des artistes dont les œuvres reflètent un aspect poétique ou leur dimension utopique. En somme, cette exposition est composée autour de quatre pôles essentiels : politique, documentaire, esthétique et fiction.

Le Plateau est un lieu très enrichissant de par les œuvres exposées. Un endroit qui met non seulement en valeur l’art contemporain mais qui transmet un savoir culturel grâce à un véritable sens du partage.

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Prochain volet d’Erudition concrète : à partir du printemps 2011,
Frac Ile de France – Le Plateau
Place Hannah Arendt, 75020 Paris, Métro Botzaris

Voyage à Metz – 1/12 (Centre Pompidou / Frac Lorraine)

Direction Metz le mercredi 1er décembre : consultez ici le programme de la journée.

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Point de RDV mercredi matin

–    Gare de l’Est à 8h00 devant la voie 19 pour prendre les billets.
–    Arrivée à Metz à 10h05. Direction le Centre Pompidou ⚠ Température prévue : -5°C

Visite du Centre Pompidou Metz

–    11h15 : accueil à l’entrée des personnels pour une visite des coulisses du Centre
–    12h00 : visite libre dans le Centre & l’exposition Chefs d’œuvres ?
–    13h30 : déjeuner libre

⇒ Pour se rendre au centre ville : ligne de minibus ARTIS (0,70€ le trajet – horaires joints au départ).

Visite du Frac Lorraine

–    15h20 : RDV à l’entrée du Frac Lorraine pour une rencontre avec le chargé des publics, Yannick Chelmis et une visite de l’exposition S’envoler les pieds sur terre

⇒ Adresse : 1 bis, rue des Trinitaires – Arrêt En Fournirue de la ligne ARTIS.

Retour à Paris

–    19h15 : RDV à la Gare de Metz. Arrivée à Paris Gare de l’Est à 21h19.

Journal MTI n°7 – Basquiat, sauve qui peut… la vie

Jean-Michel Basquiat : trop, trop, trop…de vie

par Olga Koniakhina

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Le musée d’Art Moderne de la ville de Paris présente, en collaboration avec la fondation Beyeler, une exposition dédiée au cinquantième anniversaire qu’aurait eu l’artiste américain, Jean-Michel Basquiat.

D’abord présentée à Bale, cette exposition, dite de grande ampleur jamais vue auparavant, est enfin à Paris. C’est vrai, l’exposition propose aux visiteurs douze salles, réparties par rapport à la période ou au thème privilégié par l’artiste : le tout début, l’art de SAMO, les dessins, des galeries diverses… Plus de 150 œuvres réunies, y compris des photographies et des objets, l’ensemble, énorme, semble un peu difficile à engloutir en une seule fois. Quand le schéma narratif n’est pas forcement linéaire et fait des allez et des retours « chez un galeriste, chez l’autre, période de dessin, période de graffiti, l’amitié », il devient facile de perdre le fil de narration, et de se perdre littéralement dans l’abondance d’information.

D’un autre côté, peut-on vraiment critiquer la volonté de raconter le maximum sur la personnalité d’un artiste qui a marqué son temps, et dont la vie artistique a brusquement commencé à l’âge de 18 ans, dont la vie réelle s’est brusquement terminée à 28 ans, comme les étoiles filantes que furent Janis Joplin ou Jim Morrison. En dix ans, un jeune homme a fait sa petite révolution dans le monde de l’art, en passant d’un continent à un autre ; en se montrant intellectuel sans trop conceptualiser ; en proclamant le retour d’expressionnisme, de la simplicité sans être pour autant minimal.

Cette exposition est un peu comme les œuvres de celui dont le 50ème anniversaire aurait été célébré en 2010 : un « univers mélange ». Ce mix de périodes et de thèmes révèle aussi le style de l’artiste, qui s’exprimait à l’aide des objets quotidiens, de dessins, de peinture… en y rajoutant ses réflexions sur ses racines, sur la politique, sur sa vie. Comme le dit  Fabrice Hergott, le commissaire général de l’exposition, « le traitement de ses références évoquent parallèlement le sampling et le scratching de la musique hip- hop : l’image est morcelée, isolée, répétée, enfouie mais toujours apparente sous les couches de peintures à la manière des palimpsestes».

Apparemment Basquiat fascine toujours autant, et il suffit de voir les gens faire la queue pendant une heure pour admirer ses travaux, dont la notoriété attire. Voici quelques oeuvres déjà célèbres que l’on a le plaisir de retrouver dans l’exposition : Jean-Michel Basquiat dans son atelier de Great Jones Street, New York, 1985 devant Untitled, 1985 (l’image qui figure sur l’invitation au vernissage), In Italian, 1983, Zydeco, 1984 et d’autres. Bien sûr, des images qui témoignent d’amitié entre deux personnalités clés de l’underground new yorkais des années 80, Warhol et Basquiat. Une amitié qui s’est avérée fructueuse pour les deux artistes.

Enfin, cette exposition parle de la vie d’un artiste, toujours riche en événements et dont on n’attend pas forcément de logique. Dans les douze salles s’étalent plusieurs années de travail, d’expérience, de rencontres, de discussion… Il faut tout simplement essayer d’écouter et d’observer pour saisir la complexité de la vie de l’homme et l’artiste que fut Basquiat.
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Courtesy ADAGP MAMVP

Jean-Michel Basquiat dans son atelier de
Great Jones Street, New York, 1985 devant Untitled, 1985

Journal MTI n°6 – Miroir, mon beau miroir…

Jean-Charles De Castelbajac and The Tyranny of Beauty.

par Iram Nazir_


Connu pour avoir révolutionné le monde de la mode avec des créations hautes en couleurs à caractère ludique, Jean-Charles De Castelbajac (ou JCDC) s’adonne pour la seconde fois à l’art contemporain en proposant du 11 septembre au 23 octobre 2010, une collection de tableaux fidèle à son style : un mélange de plusieurs univers dont celui de son enfance. Il intègre notamment des cartoons ou des logos publicitaires dans des œuvres classiques, ce qui crée un bouleversement assez original. Cependant, à  quoi veut en venir l’artiste ? Pour le savoir, immersion dans le monde décalé du créateur à travers son exposition : the Tyranny of Beauty.


Samedi 18 septembre 2010 : salle lumineuse, silence harmonieux, les quelques visiteurs présents à la B.A.N.K Galerie, rue Volta à Paris, étaient statiques, pensifs parfois souriants face aux œuvres picturales de Jean-Charles De Castelbajac, connu avant tout pour ses exploits dans le monde créatif de la mode. Avec relativement peu d’œuvres exposées (dix toiles de peinture à l’huile et sérigraphies, une toile en tissu et trois sculptures en plâtre), la petite galerie présente le travail de l’artiste d’une façon assez simple voire classique. Accrochées sur les murs, bien espacées, les peintures attendent, seules, qu’on vienne les observer. Le caractère visible et spacieux de la présentation est indéniable dû aux murs beiges qui donnent toute l’attention aux œuvres. Ce samedi, donc, la plupart des visiteurs étaient des visiteuses : une femme d’âge mûr et quelques jeunes filles, sans doute étudiantes et fans du créateur de mode. L’une d’entre elles murmura à l’oreille de sa copine : « C’est beau et marrant à la fois », une remarque qui reflète bien le caractère ludique des œuvres…

…attractives
Les tableaux, de formats plutôt imposants, ont été peints à l’huile. Ils représentent des chefs d’œuvres classiques comme la Naissance de Vénus de Botticelli, reproduits par des peintres chinois (et oui, les peintures viennent de Chine !), un aspect qui ne dérange absolument pas Jean-Charles De Castelbajac à partir du moment où ils sont faits exclusivement pour lui. Une fois la commande reçue, l’artiste s’approprie les œuvres en apposant par-dessus des logos publicitaires ou des personnages de dessins animés grâce à la sérigraphie : technique d’imprimerie, dérivée du pochoir, qui consiste à utiliser des écrans de soie interposés entre l’encre et le support.

On se retrouve alors devant des œuvres déroutantes comme un portrait de Marie-Antoinette entaché par une énorme croix rouge sur le visage ou le Botticelli envahi par une nuée de Blanche-Neige (symbole du danger de la beauté selon l’artiste). Les tableaux sont très attractifs grâce aux couleurs vives qui attirent l’œil du spectateur. Par ailleurs, on remarque la présence de trois sculptures en plâtre au fond de la salle. Elles représentent des bustes de femmes sur lesquels l’artiste a simplement ajouté des perruques de couleurs assez vives, marque de fabrique propre au créateur de mode Castelbajac.

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Jean-Charles de Castelbajac, White Goddess / White Princess, huile et sérigraphie sur toile, 270x175 cm, 2010. Photo. I. Nazir


Le message de l’artiste

Le thème de l’exposition est très intéressant et correspond à une actualité paradoxale de la part d’un créateur qui donne le ton dans le monde de la mode. Cette tyrannie de la beauté, édictée par les stylistes et les mannequins anorexiques qu’ils font défiler, rappelle en effet l’idée que la société impose un incessant désir de plaire selon des normes bien définies. La recherche de la beauté absolue et éternelle est tellement importante dans notre société qu’elle en devient même effrayante avec l’omniprésence des produits cosmétiques autour de nous. JCDC met en rapport deux époques et deux formes de terreur : la première correspond aux temps révolutionnaires du XVIIIème et XIXème siècle (comme celui des Trois Glorieuses) et la seconde est celle de la société actuelle. L’une est la terreur de l’Homme, l’autre celle de la beauté, toutes les deux pouvant être considérées comme une tyrannie.

Jean-Charles De Castelbajac a donc choisi d’illustrer sa pensée en reprenant de grandes œuvres classiques qu’il a volontairement dérangé en plaçant des logos, des signes ou encore des marques de produits de beauté. La beauté naturelle de ces tableaux est donc gâchée par l’utilisation de crème, de gélules ou autres artifices. Le travail de l’artiste met en évidence le fait que la quête permanente de  la beauté éternelle peut devenir une obsession et ainsi faire des ravages.

Parlons-en franchement
Le sujet et le concept de l’artiste sont assez intéressants et poussent à la réflexion. Seulement, Jean-Charles De Castelbajac donne peut-être une trop grande liberté d’interprétation en nous soumettant bien peu d’informations concernant les œuvres. Seule une simple étiquette indique le titre de l’œuvre, le type, les dimensions, c’est tout. Aucune explication, à nous de réfléchir et de faire notre propre enquête. Mais le message qu’a voulu faire passer l’artiste n’est très difficile à comprendre notamment grâce au titre de l’exposition qui aiguille judicieusement le spectateur qui ne se sent donc pas tyrannisé par l’incompréhension. Ironique, décalée, ambiguë, l’exposition de Jean-Charles De Castelbajac illustre un thème très intéressant à travers un bon concept. Belles œuvres, peu d’information, beaucoup de réflexion, The Tyranny of Beauty est une exposition que l’on peut aller voir si l’on a un peu de temps devant soi. Si ce n’est pas le cas, ce n’est pas si grave que ça, il est encore temps de faire un tour chez Sephora.

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Jean-Charles de Castelbajac, Glory in coma, huile sur toile, 265x210 cm, 2009. Photo I. Nazir



Journal MTI n°4 – Gabriel Orozco au Centre Pompidou


Gabriel Orozco. L’art géométrique.

par Mariama Diallo
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Jusqu’au 3 janvier 2011, le Centre Georges Pompidou consacre une exposition à Gabriel Orozco à travers 80 de ses œuvres. L’artiste n’avait plus exposé à Paris depuis sa première exposition intitulé « Clinton is Innocent », en 1998. Une belle occasion donc,  de découvrir ou de redécouvrir l’univers de cet artiste dans lequel dialoguent le paysage urbain et le corps humain.


Le thème du mouvement à travers les formes géométriques, reflète la vie nomade de ce mexicain né en 1962 à Jalapa, et qui vit aujourd’hui entre New York, Mexico et Paris, et qui ne se considère pas comme étant artiste mexicain par excellence, mais se définissant comme un homme libre, et appartenant à une culture universelle. Pour lui, la culture n’a pas de frontière, pas de nationalité, elle appartient à qui veut se l’approprier : « Je ne me définis pas comme artiste mexicain. On ne naît pas mexicain, cette détermination n’existe pas dans la nature. On devient la culture qui vous entoure, qui n’a pas de frontières géographiques, qui résulte plus d’un croisement d’influences et de hasards. J’ai grandi entouré de culture, française, anglaise et orientale, même si je chéris mes souvenirs d’enfance au Mexique. Je voyage sans cesse. Je n’ai pas d’atelier fixe. Internet n’a fait qu’accentuer ce mouvement qui m’est naturel. ».

Dans sa création, Gabriel OROZCO utilise différentes techniques artistiques, et nous présente ainsi un ensemble d’objets d’une très grande pluralité : photographies de ses interventions réalisées dans l’espace public (en majeure partie en Amérique du sud),  sculptures en terre cuite, collages, dessins, peintures et objets du quotidien détournés. La philosophie de l’artiste tient au fait que la création est une question de hasard et de paradoxe, c’est-à dire que la création des objets d’art doit émaner de la relation existante entre l’objet et l’environnement dans lequel il se trouve. C’est l’environnement qui donne à l’objet sa véritable beauté, l’artiste n’est que simple témoin de ce rapport. Ainsi, pour l’exposition, Gabriel OROZCO a choisi de laisser le plateau de la Galerie sud ouvert, sans cimaise, pour que l’extérieur puisse communiquer avec l’intérieur. Pour que les objets de la vie réelle dans l’espace public soient en communion avec les objets exposés dans le musée. L’expérience est d’autant plus intéresse que, lorsqu’on visite l’exposition on a l’impression d’être à la fois dedans et dehors, puisque l’environnement urbain dialogue avec la galerie.

L’artiste travaille très souvent à partir d’objets trouvés (déchets, objets usés, etc.) qu’il reconfigure d’une manière à leur redonner un nouveau souffle, un nouvel intérêt. Il se décrit comme étant un « consommateur de tout ce qui est à portée de main et un producteur de ce qui existe déjà ».

Les œuvres sont exposées sur trois supports différents : le sol, les murs et des tables de marché usées. Sur les murs sont présentées toutes les photographies, les collages, les peintures et les dessins, sur les tables de marché nous pouvons admirer quelques-uns des objets qu’il a utilisés pour réaliser ses interventions (dont certains ont leur photographie accrochée au mur, il existe donc un dialogue entre les œuvres elles-mêmes), par exemple nous retrouvons sur une des tables, un ballon de foot incisé de 25 cm de diamètre (2005) dont la photo est sur le mur. Il y a aussi des œuvres considérables comme la « French Flies » réalisée spécialement pour l’exposition, et qui représente des mouches écrasées sur des pierres. Au sol, nous retrouvons divers objets tels la « DS » (réalisée en 1997), une Citroën très étroite que l’artiste a fait découper en quatre dans le sens de la longueur, ou encore l’incroyable « Eyes Under Elephant Foot » (2009), un tronc de beaucarnéa (champignon) dont la surface est incrustée d’yeux de verre, très impressionnant à voir.

Gabriel OROZCO est un artiste post minimaliste, son travail dévoile cette volonté qu’avaient les minimalistes de préférer la sobriété, la simplicité (on pense à Mies van der Rohe et son «Less is more» – « Moins c’est mieux »), à l’art superflu qui correspond selon eux à l’expressionnisme abstrait et au pop art. Certaines œuvres d’OROZCO, comme par exemple l’œuvre intitulé « Black Kites » (1997), un crâne dessiné de damiers, ou encore le « Samurai Tree » (2006), une peinture représentant un arbre orné de feuilles symétriques, etc. rappellent énormément le travail des minimalistes très souvent basé sur des figures géométriques simples : Carl ANDRE, « 144 Magnesium Squares » (1969) ou Sol LEWITT «Incomplete Open Cube» (1974), etc.

Cette identité minimaliste apparait également à travers la présentation des œuvres. En effet, les objets exposés ne sont pas accompagnés de cartels. Les informations sur chaque œuvre exposée étaient répertoriées sur un plan-dépliant. Cette manière d’exposer est une volonté de l’artiste qui voulait que les œuvres parlent d’elles-mêmes. Une originalité est à noter : la performance qui met en scène lors de l’exposition, des acteurs jouant le rôle de policiers mexicains «importés» pour garder les œuvres.

L’exposition Gabriel OROZCO est en somme, une des nombreuses expositions de la rentrée qui en vaut le détour, car la variété des objets présentés et l’originalité de son travail plairont à un large public (dont les enfants).