Journal MTI n°3 – L’art brut japonais

Exposer l’art brut aujourd’hui

par Marion Moutafis

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Les œuvres d’une soixantaine d’artistes japonais atteints de maladies mentales ou de troubles du comportement sont actuellement exposées à la Halle Saint-Pierre, dans le 18e arrondissement de Paris, jusqu’au 2 janvier 2011.


L
es productions artistiques sont présentées sur deux étages : la salle du rez-de-chaussée est plongée dans le noir tandis que les travaux présentés au premier étage se détachent sur des murs blancs. Le visiteur est amené à s’interroger sur le choix d’une telle scénographie et peut se demander si la salle noire ne figure pas le chaos de l’esprit dont jaillit le geste créateur.

La sobriété des cartels est emblématique du parti pris de cette exposition. En effet, seuls sont mentionnés les nom et prénom des créateurs, le titre de l’œuvre lorsqu’il existe et les dates de réalisation. Aussi la pathologie de ces hommes et de ces femmes n’est-elle pas mentionnée, pas plus que ne le sont les circonstances particulières dans lesquelles les œuvres ont été produites (ateliers d’art thérapie par exemple). Beaucoup d’œuvres sont signées par leur créateur : le geste artistique est alors revendiqué.

Diversité des styles, variété des techniques.

Le visiteur est immédiatement frappé par l’hétérogénéité des pièces exposées et par la diversité des matériaux et des techniques utilisés : crayons de couleur, marqueurs, encre de Chine, papier millimétré, papier découpé, collage, broderie ou encore matériaux de récupération, entre autres. L’un des artistes a réalisé une sorte de mausolée avec des figurines pour enfants, des poupées, Pikachu, et autres personnages des mangas japonais. Il détourne également des objets du quotidien pour confectionner des insectes.

Chaque artiste s’est approprié un moyen d’expression particulier et un langage graphique singulier : on est donc surpris par la diversité des styles. Les œuvres exposées constituent une plongée dans l’intime, dans les profondeurs de la psyché d’individus confrontés à leurs angoisses, leurs obsessions et leurs souvenirs. L’expression artistique rendrait alors possible une purgation des passions qui touche le visiteur par son caractère très personnel. Les artistes retravaillent beaucoup la figure humaine. Seizo Tashima représente un Homme qui se fait exploser à l’aide de graines de magnolia disséminées sur un panneau blanc. D’autres artistes représentent des formes humaines oblongues, décomposées ou démembrées. On relève  également une tendance à la miniaturisation ou au contraire à la disproportion des graphismes. Dans Personnes, de Koji Kon, des taches noires envahissent l’espace de la toile. Hirotoshi Komoto, dans des dessins réalisés entre 1989 et 2008, représente des personnages démembrés. Shinishi Sawada moule des personnages fantastiques, hérissés de piquants, aux bouches entrouvertes et menaçantes. Enfin, Yoko Kubota dessine des séries de jeunes filles, figures grotesques à la chevelure imposante et aux yeux exorbités. Un dessin de Hirano Shinji datant de 2008, La Joconde, semble réinterpréter de façon ludique la toile de Léonard de Vinci en présentant une femme au buste dénudé réalisé au pastel.

Yoko KUBOTA, Jeune fille au déshabillé rouge, 2006, Mine de plomb, crayon de couleur sur papier aquarelle, 55 x 39,5 cm, collection de l’artiste. Droits réservés, Halle Saint Pierre.

Le même et l’autre.

D’autres productions artistiques interrogent l’identité en donnant lieu à des représentations de soi figurées : on pense alors à Mineo Ito et ses séries de dessins éponymes (2003-2008). Les pages sont saturées de signes qui répètent à l’infini le nom du créateur. Les artistes exposés interrogent également, à travers leurs œuvres, leur rapport aux autres et à la société en s’inspirant d’objets du quotidien : trains, cartes bancaires ou électroménager. Les œuvres sont parfois caractérisées par une forme de violence voire de cruauté, d’énergie brute. À cet égard, les dessins de Marie Suzuki sont particulièrement saisissants. Dans Memento Mori dans la boue, des monstres femelles ingèrent des jambes humaines. Le thème de la sexualité est traité de manière obsessionnelle sur le mode du déchirement, de la blessure. Les ciseaux sont récurrents et l’injonction qui compose le titre de l’un des dessins met en garde le visiteur : surtout, ne forniquez pas !

Marie SUZUKI, Tromperie à toute l’humanité, 2007, marqueur indélébile sur papier,
46 x 53 cm, collection Borderless Art Museum, NO-MA. Droits réservés, Halle Saint Pierre.

La création artistique apparaît donc comme l’expression d’une sensibilité exacerbée. Elle comporte parfois une déclaration d’intention, la revendication d’une humanité ou d’une empathie à l’égard d’autrui. Lorsque Yuji Tsuji dessine [S]a Ville vue de [s]on cœur, il se réapproprie l’espace urbain sur un mode intimiste. Kimiko Okuji clame quant à lui : J’aime tout le monde (2001). Yuichi Sukuta se lance A la recherche du café qu’[il] aimait et, enfin, Yoshio Hatano dessine ses Souvenirs de la maison : des œuvres minutieuses parfois empreintes d’une grande délicatesse.

« L’atroce poésie » de l’art brut.

La collection d’art brut japonais exposée à la Halle Saint-Pierre permet de reconsidérer la notion d’art brut aujourd’hui et son lien avec la culture populaire. Pour Jean Dubuffet, à l’origine de cette notion, il s’agit d’une « opération artistique toute pure, toute brute, réinventée par son auteur à partir de ses propres impulsions ». Il oppose donc à l’art brut, sorte de renouveau de la pratique artistique, un « art culturel », institutionnel, prisonnier des mouvements et des écoles, progressivement assujetti à une valeur marchande.

L’art brut est aussi l’art des marginaux – on parle même en anglais d’outsider art. Exposer cette collection d’art brut à Paris constitue donc un acte fort dont le visiteur doit prendre conscience. Il est assez difficile de se figurer à quel point la société japonaise contemporaine, traditionaliste et très hiérarchisée, est encore hostile aux marginaux. Autoriser de telles pratiques artistiques (des ateliers, des expositions), faire entrer les œuvres de ces artistes dans les collections des musées dans un pays comme le Japon est un acte militant qui permet de valoriser à la fois un travail créatif et des individus. L’art est un moyen de sonder l’espace labyrinthique de la psyché humaine.  Le rapport à la folie humaine n’est plus déterminant, ce pourquoi les cartels ne mentionnent pas la pathologie dont souffrent ces artistes japonais.


Se pose également la question de la démarche du visiteur : que vient-il voir au juste ? L’art brut exposé ne risque-t-il pas de s’institutionnaliser ? Le statut de l’art, celui de l’artiste, mais aussi plus largement celui de la culture sont interrogés. Dans la préface qu’il adjoint à Le Théâtre et son double en 1964, Antonin Artaud défendait une nouvelle conception de la culture comme « moyen raffiné de comprendre et d’exercer la vie ». Aussi l’art, à l’instar du théâtre dont il est question dans cet ouvrage, est-il « fait pour permettre à nos refoulements de prendre vie, une sorte d’atroce poésie s’exprime par des actes bizarres où les altérations du fait de vivre démontrent que l’intensité de la vie est intacte […] ». C’est bien cette intensité que le visiteur de l’exposition pourra ressentir, les productions de ces artistes japonais étant l’expression de « l’homme total, et non [plus seulement] social » (Antonin Artaud).


A propos Alka

Carnet de recherche du master pro 2 MTI (Métiers du texte et de l’image) associé au groupe Alka (recherches dans le domaine de la littérature de jeunesse, des arts et du féminisme), université Paris 13.

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